具体描述
在本书中，奥尔布赖特聚焦于诗、画、乐三门主导性艺术，从哲学的高度直击艺术的核心问题：艺术是“一”还是“多”，即艺术的统一性和多样性的问题。西方艺术史上，关于艺术统一观和艺术分裂论的纷争由来已久。奥氏就艺术的本质、艺术的功能、艺术品的意义、艺术品与艺术史之间的关系四个方面加以具体考查，并答曰：艺术既是“一”，也是“多”。欧美学界研究诗画关系或诗乐关系的不乏其人，像奥氏这样能在诗、画、乐之间穿梭自如且批评视野如此宽广的并不多见。本书既有哲学层面的宏大思考，又有具体的逻辑论证和细致的文本解读，还配有多幅精美的插图，对比较文学、艺术史和跨艺术诗学研究有重要的参考价值。
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☆“这本书绝妙无比、激动人心，一问世即成经典。它能启发、激发或温和地诱使读者接受其主张（如果“激发”一词不够恰当）。奥尔布赖特显然浸淫于文学、视觉艺术和音乐跨艺术研究多年，可他的研究结果仍出人意料，充满新意。”——西蒙•莫里森，普林斯顿大学
☆“丹尼尔•奥尔布赖特以其宽广的视野、流畅的文笔和精辟的语言，为现代艺术奉献了一部不折不扣的多神教诗学。泛美学是潘神的美学，在这个艺术即一切、一切皆艺术的世界里，充盈着一种无穷无尽的音乐感受力，非常壮观。”——斯科特•伯纳姆，《莫扎特的优美》作者
☆“这本书内容丰富，视野开阔。丹尼尔•奥尔布赖特在书中探讨了文学、绘画和音乐的特殊性，但他并没有将艺术封闭在各自的差异性中，而是对艺术之间的相互转换和最终的统一性加以细致论证，非常精彩。”——贾汉•拉马扎尼，《诗歌及其他：新闻、经文、歌曲和体裁之间的对话》作者
作者简介
丹尼尔·奥尔布赖特（Daniel Albright，1945—2015）美国现代主义和比较艺术研究领域的杰出学者，本科就读于美国莱斯大学，在耶鲁大学完成硕士和博士阶段的学习，师从现代主义研究专家理查德·艾尔曼（Richard Ellmann）。博士毕业后，他先后在弗吉尼亚大学、罗切斯特大学任教多年。2003年起，奥氏任教于哈佛大学英文系，后加入比较文学系，同时也在音乐系讲授课程。他的学术成就体现在对文学、视觉艺术和音乐的跨界研究上，代表作有Untwisting the Serpent：Modernism in Music, Literature, and Other Arts（1999）等。
目录信息
第一部分：单个媒介
013 第一章什么是文学？
047 第二章什么是绘画？
148 第三章什么是音乐？
第二部分：艺术泛滥
205 第四章 九种定义
215 第五章 奇迹和崇高
229 第六章 假晶艺术
271 第七章 比较艺术：两个结论
281 注 释
298 索 引
340 致谢所引诗歌
· · · · · · (收起)
读后感
诗、画、乐，看似风马牛不相及，属于不同的艺术。其实不然，苏轼就称赞王维： 味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗。 苏轼敏锐地发现了这两种艺术的相通。而西方十八世纪德国文艺批评家莱辛写有一部《拉奥孔》，探讨了诗画的关系，他认为诗歌属于时间艺术，绘画则属于...
读《缪斯之艺-泛美学研究》 2021.5.31读[美]丹尼尔·奥尔布赖特著《缪斯之艺-泛美学研究》（南京大学出版社2021年1月版），徐长生、杨贤宗等译。340页，34.5万字。 丹尼尔·奥尔布赖特（Daniel Albright，1945-2015），是美国现代主义和比较艺术研究领域的杰出学者，本科就读于...
读《缪斯之艺-泛美学研究》 2021.5.31读[美]丹尼尔·奥尔布赖特著《缪斯之艺-泛美学研究》（南京大学出版社2021年1月版），徐长生、杨贤宗等译。340页，34.5万字。 丹尼尔·奥尔布赖特（Daniel Albright，1945-2015），是美国现代主义和比较艺术研究领域的杰出学者，本科就读于...
这本书的内容已经远超我的学识，不敢写评，只写一点感受，以供参考。 看这本书，有三个障碍需要跨越。 第一个是恐惧。因为学术类书籍给人的刻板印象就是难读，看不懂。但这本书并不是这样，得益于翻译者的努力，中文版的《缪斯之艺》并不晦涩艰难，无论是单句还是整体意思，都...
诗、画、乐，看似风马牛不相及，属于不同的艺术。其实不然，苏轼就称赞王维： 味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗。 苏轼敏锐地发现了这两种艺术的相通。而西方十八世纪德国文艺批评家莱辛写有一部《拉奥孔》，探讨了诗画的关系，他认为诗歌属于时间艺术，绘画则属于...
用户评价
这本书的结构如同一个精密的瑞士钟表，每一个齿轮——无论是对美学的探讨，还是对创作伦理的反思——都咬合得天衣无缝。我特别留意到作者对“时间维度”在艺术中的处理方式。他不仅仅是将时间视为叙事的背景，而是将其视为一种可塑的材料，可以被压缩、拉伸、甚至折叠。这种处理手法，让那些传统的叙事手法显得单薄而缺乏张力。更令人称道的是，作者在保持高度理论深度的同时，从未失去对“人”的关怀。他对艺术家个体在社会结构中的位置，以及如何在商业洪流中保持创作纯粹性的探讨，非常接地气，且发人深省。这本书提供了一种罕见的平衡：既有超越时代的哲学高度，又有紧扣当下困境的实用价值。它像是一个老朋友在午夜的灯下，用最诚恳的语气和你讨论那些真正重要的、关于如何有尊严地度过一生并留下印记的终极问题，让人读后久久不能平静，总想找个人分享这份震撼。
初翻此书，我带着一丝怀疑的态度，毕竟市面上充斥着太多故作高深的“艺术论”。然而，仅仅阅读了开篇的几页，我就明白自己是错得离谱了。这本书的文字，有一种奇特的魔力，它不是那种华丽的辞藻堆砌，而是一种近乎手术刀般的精准和锋利。它直插核心，毫不留情地剖析了创作过程中那些常被美化和掩盖的真相——那些不为人知的自我怀疑、灵感的幽灵般的忽远忽近，以及面对完美主义的无尽折磨。书中对“瞬间的永恒捕捉”的探讨，尤其震撼我心。作者用了一种非常直观的、近乎物理学的描述方式，来解释艺术的非线性生成过程，这对我这个习惯于逻辑推演的人来说，简直是一种醍醐灌顶的体验。书中引用的那些看似毫不相关的历史轶事或科学理论，竟然都能被巧妙地编织进核心论点中，形成了一种坚不可摧的逻辑链条。它不像是在“教”你如何创作，更像是在展示一种看待世界的全新视角，一种能让你在平凡中发现不凡的“视觉矫正镜”。读完之后，我发现自己看周遭的一切都带着一层新的、更深邃的光泽。
这本书简直是为那些在文字的迷宫里寻找方向的旅人准备的灯塔。我读到其中一段关于“想象力的边界”的论述时，感觉像是被一股无形的力量推搡着，逼迫着我跳出固有的思维定式。作者对叙事结构的解构与重塑，高明得让人拍案叫绝。他似乎并不满足于讲述一个故事，而是通过故事的碎片，构建了一个关于“如何感知世界”的宏大哲学体系。尤其是在描述主人公面对抉择时的内心挣扎，那种细致入微的心理刻画，仿佛能让人触摸到角色的脉搏。那种笔触的细腻程度，不是一般人能企及的，它需要长期的对人性的深刻洞察，以及对语言本身魔力的敬畏之心。每当我合上书页，试图整理思绪时，都会发现新的感悟在脑海中萌芽。这不是一本可以囫囵吞枣的书，它要求读者全身心地投入，用自己的生命经验去与书中的思想对话。我尤其欣赏作者在不同章节之间切换视角时所展现出的游刃有余，那种节奏的掌控力，如同顶级指挥家驾驭一支庞大乐队，每一个音符都恰到好处，共同演奏出和谐而又充满张力的乐章。
这本书给我的感觉，就像是走进了一座由无数面镜子组成的迷宫。你看到的每一个影像都不是真实的，但它们又共同指向一个中心点。它对“形式与内容”关系的探讨，简直是教科书级别的深度。作者并没有提供一个固定的公式，而是通过一系列的反例和悖论，引导读者自己去构建理解的框架。我尤其对其中关于“留白”的阐述记忆犹新。作者认为，艺术的真正力量往往存在于那些没有被言说、没有被描绘出来的部分。这种对“缺席之美”的强调，在当代这个信息爆炸的时代，显得尤为珍贵和具有颠覆性。它迫使你慢下来，去倾听寂静，去感受空气的流动，去体会文字背后的重量。这本书的排版和用词也极具匠心，某些关键论点被刻意放置在页面的边缘，仿佛在邀请读者伸出手去“触碰”那些隐藏的意义。这种设计上的细节，无声地强化了书的主题——真正的洞察需要主动的探索。它不是被动接受的知识灌输，而是主动参与的意义构建。
坦白说，这本书的阅读过程充满了挑战性，但这种挑战并非源于晦涩难懂的术语，而是源于它对既有观念的猛烈冲击。作者似乎对所有陈词滥调都怀有一种近乎挑衅的态度。比如，他对“灵感”的剖析，完全打破了浪漫主义的滤镜，将其还原为一种高度集中的、近乎苦修的智力劳动与偶然性的残酷结合体。这种坦诚令人敬佩。我发现，书中对“失败的价值”的论述，尤其对我产生了巨大的鼓舞作用。过去，我总视失败为终点，但作者却将其描绘成一条必要的、甚至是最肥沃的土壤。他用一系列极具画面感的比喻，将创作过程中的泥泞和挣扎，转化成了探寻真理的必要路径。这本书的语气，带着一种历经沧桑的智者特有的沉稳与犀利，不煽情，但字字珠玑，直击心灵深处那些最隐秘的恐惧与渴望。它不是一本让你读完后感到愉悦的书，但它绝对是一本让你读完后感到“被提升”的书。
主题是比较艺术/跨媒介艺术。主要论点：1.艺术品是被“制作”的；2.艺术品必然影响观者的身心；3.任何艺术都是叙事的，并预设了自身媒介的历史；4.艺术处于言说与不可言说的悖论之间。作者提倡跨媒介和假晶艺术（单一媒介承担异质媒介的功能，如从绘画到文学的“艺格符换”和从文学到图画的“书籍插图”）。结论部分，作者认为“联觉”现象取消了不同媒介之间的区隔，不存在异质媒介，或者说所有的艺术都是跨媒介的；审美现象预设了“身体的存在”，其本质是“如何理解人体通过艺术品而扭动、伸展，形成优美的造型”；艺术与人类共生，帮助我们发展新的“感觉器官”，因为审美不过是感知现实的一种模式，世界本身就是艺术。其中最受启发的，是书中对绘画（言说艺术）中现实、印象、立体、象征和抽象主义的梳理和区分，图文并茂，堪称绘画简史。
第一本奥尔布赖特，相当标准的比文著作。假晶是恰如其分的比喻，一双摸过颜料的手，也会在乐器之上留下痕迹。艺术在一与多之间振荡，观者借由联觉的推动，越过可言说的皮肤，触及不可言说的皮下，“学会用上腹部看东西，用肘部听声音，这是艺术品的使命之一：用皮肤和皮肤下的一切来阅读”。
奥尔布赖特的扛鼎之作，更喜欢第一部分“单个媒介”，具体艺术之间的逻辑论证和细致的文本解读，非常引人入胜；第二部分“艺术泛滥”，探讨艺术的互动与交织反而有些乏味，不如第一部分通透，尽管比较艺术研究是奥尔布赖特最擅长的领域。
作者是个不错的艺术研究者，对诗乐画材料广征博引，但很难说得上是理论家，因为文中对于各家理论也多是拼贴，难说融贯。前面刚说音乐引发情感是因为惯例，站了索绪尔，到第二页又说音乐与情感之间是一种自然联系，丝毫不觉得这其中有啥问题。
好多年没有在新华书店买书了
