具体描述
艺术的本质究竟是什么？视觉艺术为何如此重要？是什么使得它们的形式是“有意味”的？我们如何可以得知它们所蕴藏的美与韵律？对于这些问题的解答，本书所采用的方法并非目前在艺术史、艺术理论和艺术哲学等相关领域中占据主流地位的还原主义（社会语境论）论调和文本分析方法，而是一种由克劳瑟教授提出和发展的、融现象学与分析哲学于一身的分析现象学方法。这一方法的关键在于审视视觉艺术是如何将独特的审美表达，与那些对我们的感知活动而言具有基础性的认知属性相互联结的。同时，本书对这一方法的运用，揭示了各异的艺术媒介是如何通过各不相同的方式呈现这些认知和审美属性的。基于对所有主要的视觉艺术形式（绘画、雕塑、建筑和摄影等）的创作和接受的考查，本书也试图彰显包括抽象艺术、观念艺术和数字艺术等非常复杂的艺术风格所蕴含的深意及其具有灵韵的审美特质。
作者简介
斯洛文尼亚卢布尔雅那欧罗巴大学人文学院的哲学教授。他是爱尔兰皇家科学院院士，曾为牛津大学艺术史讲师，并为该校基督圣体学院成员。他在四所欧洲大学获得了正教授职位（其中包括德国不来梅雅格布大学和爱尔兰国立大学高威分校等），共出版了十七部涉及美学、二十世纪艺术与当代艺术领域的专著。克劳瑟教授最新出版的著作有Theory of the Art Object，以及两本有关后现代艺术的著作：Digital Art, Aesthetic Creation: The Birth of a Medium和Geneses of Postmodern Art: Technology as Iconology。
目录信息
005序二
011译者序
001本书的缘起与致谢
001导言
011第一章 反还原主义：图像之内在意涵
048第二章 具象、画面和边框：图像空间的现象学
083第三章 图像再现与自我意识
100第四章 画家的在场
123第五章 雕塑与超验
142第六章 抽象艺术的逻辑和现象学
170第七章 观念主义的逻辑
194第八章 摄影的现象学
218第九章 数字艺术的存在论与美学
246第十章 建筑之躯
293结语 艺术史和艺术实践——一些未来的可能性
311索引
336译后记
· · · · · · (收起)
读后感
在谈论艺术问题时，尤其当代艺术，总是不可避免要与哲学尤其是西方哲学挂钩，仿佛艺术与哲学生来必须要捆绑在一起。笼统地说，艺术属于感性范畴的，哲学（偏向）属于理性范畴的，为何在众多学科中，这两门学科融合度却高于它们与其他学科的融合度呢？说来惭愧，尽管我有过一段...
《巴尔扎克像》一经问世，就引起一片哗然，有人说它是“印象主义”，是怪异、病态的表现，是脱离现实人体的造型，更有过激者把这件作品说成是“麻袋里装着的癞蛤蟆”。 而作者罗丹却这样认为：“《巴尔扎克像》是我一生的顶峰，是我全部生命奋斗的成果，我的美学理想的集中体现...
用户评价
这本书的结构布局体现了一种精妙的节奏感。开篇的铺陈厚重而稳健，逐渐将读者的注意力引向核心的本体论问题，中间部分通过对不同媒介——从绘画到雕塑，甚至包括一些暂时的、行为性的艺术形式——的细致分析，展示了现象学工具的普适性。最令我印象深刻的是，作者在探讨“空间”与“时间”在艺术中的显现时，那种对细节的执着。他不会满足于谈论作品的宏大空间感，而是会聚焦于一个光斑的边缘、一个阴影的过渡，来论证这些微小之处如何承载了超越性的体验。这种由微观推向宏观的叙事路径，使得原本可能枯燥的理论论述变得鲜活起来。而且，作者在论证过程中引用的案例非常具有启发性，它们跨越了不同的文化和时代背景，显示出视觉体验的某些基本结构是人类共通的。整本书读下来，仿佛经历了一场漫长而充实的学术之旅，每一步都有迹可循，每一步都有新的发现。
这本书的难度是毋庸置疑的，它绝不是那种可以轻松翻阅的消遣读物。我常常需要停下来，反复揣摩作者是如何从一个具体的视觉事件，步步为营地推导出普遍性的洞见。作者在处理“主体”与“客体”的界限时，所采取的迂回策略，极其高明。他没有用简单的二元对立来框定讨论，而是展示了观看行为本身是如何动态地建构出艺术作品的意义的。在某些章节，我感觉自己仿佛正在进行一场高强度的智力训练，需要调动起所有关于哲学史和美学史的储备知识，才能跟上他的思路。但这种挑战性恰恰是这本书的魅力所在。它奖励那些愿意付出努力的读者，每一次豁然开朗的瞬间，都伴随着智识上的极大满足感。它不是在喂养你现成的答案，而是在教你一套更有效、更深刻的提问方式。对于那些真正想在艺术理论领域深挖的人来说，这本书无疑是一把开启更深层次理解的大门钥匙。
这本书的独特之处在于它对“在场”这个概念的执着和精细化处理。它深刻地揭示了，我们所谓的“艺术欣赏”，往往是一种“缺席的欣赏”，是基于二手资料、历史背景或市场价值的二手判断。而作者则试图将我们拉回艺术品面前的那个“此刻”——那个只有你、作品和一个纯粹的视觉场域存在的瞬间。他笔下的艺术品不再是凝固的历史遗物，而是一种持续“发生”的事件。我读到关于“观看的疲劳”和“视觉的倦怠”的分析时，深感共鸣，因为现代生活充斥着太多廉价的、快速的图像，它们消耗了我们的注意力，却从未真正被“看到”。这本书提供了一种对抗这种视觉污染的解毒剂，它教导我们如何慢下来，如何恢复那种对“本真”视觉经验的渴望和能力。它不是一本教你如何欣赏艺术的指南，而是一本让你重新学会如何“存在于”艺术面前的哲学文本，其力量在于对我们日常感知习惯的彻底颠覆。
读完这本书，我有一种强烈的冲动，想要立刻冲进美术馆，用一种全新的视角去重新“遭遇”那些平日里匆匆瞥过的画作。作者对于艺术作品的描述，不是那种干巴巴的风格分析，而是一种充满了身体感和在场感的叙述。他似乎能穿透画布的纹理，直接触摸到艺术家创作时的那份颤抖和决心。比如他描述一幅抽象表现主义作品时，那种笔触的力度、颜料的堆积如何转化为一种时间性的存在，简直让人汗毛倒竖。这本书的阅读体验非常“沉浸”，它要求读者放下所有预设的审美标准，完全敞开心扉去接纳艺术品所投射出的那种“在世感”。我发现，以前我更多是在“识别”艺术，而现在我开始学着去“感知”它所带来的生命体验。这种叙事方式极富感染力，充满了诗意，但又牢牢地扎根于现象学的本体论基础之上，使得那种浪漫的想象不会飘散，而是拥有了坚实的结构支撑。它成功地将理论的冷峻与艺术的激情完美地融为了一炉。
这本书的封面设计简直是直击心灵的深邃与沉静。那种用色和构图，仿佛不是在描绘视觉艺术，而是在引导读者进入一种冥想的状态。拿到手里，厚实的纸张和细腻的触感就让人感到一种对知识的敬畏。我尤其欣赏作者在引言部分所展现出的那种谦逊而又坚定的学术态度，他没有急于抛出宏大的理论，而是像一位经验丰富的向导，温柔地将我们引入一个全新的认知领域。阅读过程中，我发现作者的文字像手术刀一样精准，每一句似乎都经过千锤百炼，没有一个冗余的词汇。他擅长使用那种古典哲学中才有的严谨逻辑来剖析最前沿的艺术现象，这种跨越时空的对话感，让人在阅读时总能捕捉到一种意料之外的共鸣。整本书的排版也极为考究，字里行间留有的呼吸空间，使得那些抽象的概念在脑海中有了落地生根的土壤。我感觉到，这不仅仅是一本关于艺术的书，更像是一次对“观看”这一人类基本行为的深度哲学探险，它挑战了我们习以为常的视觉经验，迫使我们重新审视那些我们以为早已了然的“美”与“存在”。
“艺术的本质究竟是什么？视觉艺术为何如此重要？是什么使得它们的形式是“有意味”的？我们如何可以得知它们所蕴藏的美与韵律？对于这些问题的解答，本书所采用的方法并非目前在艺术史、艺术理论和艺术哲学等相关领域中占据主流地位的还原主义（社会语境论）论调和文本分析方法，而是一种由克劳瑟教授提出和发展的、融现象学与分析哲学于一身的分析现象学方法。这一方法的关键在于审视视觉艺术是如何将独特的审美表达，与那些对我们的感知活动而言具有基础性的认知属性相互联结的。同时，本书对这一方法的运用，揭示了各异的艺术媒介是如何通过各不相同的方式呈现这些认知和审美属性的。”
实在太难读了，给译者一个辛苦分吧……
克劳瑟教授有着深厚的艺术史和哲学史背景。此书中，他批判地指出，以还原主义的社会历史学角度来分析视觉艺术作品存在一定的局限，从而提出以现象学深度的视角，关注主客体经验对艺术作品的影响，以补充还原主义欠缺的纬度。虽然据此做出清晰明确的定义并不容易，但克劳瑟教授始终关注艺术的发展。同时也期待看到他有关数字艺术等方面的最新研究成果。
书中借由不同媒介展现进行了阐述，但是对于摄影的感触最深，作者通过对不同关键人物的研究认知对比及分析我们可以确定一个结论便是摄影作为一种媒介具有其独特的特性，因尔这些特性赋予了其独特的效果，它记录真实现象，证明时间的存在，更反映一些客观现象，所以我们不得不承认摄影具有现象学深度。 最后，我想说的是摄影这个媒介表现形式正在用它本身的一种呈现艺术在抵抗，在记录，在发展，让真相逐步呈现在大众面前！
对于抽象艺术的虚拟性预设，即我们在观看抽象艺术时会带着某种视觉属性的预设去观看，我们希望看到的是什么样，可能以为呈现出的就是什么样。在这个语境空间中，艺术家个人视角，策展人视角和空间之间的交互，种种时空的站位，共同复杂化了其呈现效果，但也是一种全方位开放的审美模态。（没看懂，先去体验一下抽象艺术再来重读）
