具体描述
奠定百年费顿历史地位的经典画册,收藏级的印装质量
重新定义艺术出版的标杆之作
🖼编辑推荐
🖌️ 出版于20世纪的经典艺术家专著全新再现,超越复刻的升级再版。
从20世纪30年代开始,费顿出版社陆续出版一套图片清晰还原并集当时艺术史学家最新研究成果于一体的画册,后来人们将这套书简称为“费顿经典”。2015—2016年,费顿讲经典升级打造,文森特·凡·高、伦勃朗、拉斐尔、波提切利、维米尔、雷诺阿六位艺术家的名作选集。
🖌️110幅高清图片为读者展现雷诺阿从早期到晚期的辉煌艺术成就。
精美的大幅插图囊括雷诺阿的重要作品,从人物画、风景画、静物画到浮雕,涵盖雷诺阿一生艺术探索的各种类型。
🖌️ 艺术史家威廉·冈特撰写导读,清晰地勾勒出雷诺阿从少年到青年到中年再到老年的艺术成长之路。
🖌️参考原书的独到设计,细节考究,画幅可观。接近原作的高质量全彩图片呈现雷诺阿笔下醉人的色彩,是读者的收藏之选。
🖼 内容简介
皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿(Pierre-Auguste Renoir,1841—1919年)是印象派的创始人之一,他备受喜爱的作品以醉人的色彩和闪烁的光芒捕捉了巴黎生活的精神。他曾与克劳德·莫奈一同在塞纳河畔画风景,他对人物画的热爱持续了一生,到其晚年,他越来越多地沉浸于描绘裸体画的丰富曲线,所有这些构成了他那永不会失去吸引力的作品集。
这本华丽的画册让雷诺阿笔下19世纪的巴黎重焕生机。从《游艇上的午餐》到《伞》再到《拿着洒水壶的女孩》,本书用精美的大幅插图呈现了雷诺阿一百余幅重要作品。雷诺阿作画是因为画画让他愉悦,而他也将这份愉悦分享给那些观看他作品的人。艺术史学家威廉·冈特的经典评论,与雷诺阿研究专家、印象派研究学者科林·B.贝利的新序言相辅相成,向新一代的艺术爱好者们介绍了雷诺阿作品的魅力。
作者简介
💂♂️作者简介
威廉·冈特(William Gaunt,1900—1980年),英国艺术家、艺术史家,在19世纪艺术领域著述颇丰。
科林·B.贝利(Colin B. Bailey),纽约摩根图书馆和博物馆主任,18世纪法国绘画和印象派研究专家。他为雷诺阿及其同时代艺术家写过不少专著,包括《雷诺阿的肖像画:一个时代的印象》(Renoir’s Portraits: Impressions of an Age,1998年)、《雷诺阿:印象主义与全身像》(Renoir: Impressionism and Full-Length Painting,2012年)等。
💂♂️译者简介
吴啸雷,杭州人。毕业于浙江大学心理学系、北京大学艺术学系。曾供职于中国美术家协会,现为自由学人,主要研究领域为西方古典艺术和当代艺术。译有《艺术史写作原理》(合译)、《艺术的终结》等。
目录信息
读后感
用户评价
老实说,这本书的哲学思辨部分,初读时让我感到有些吃力。它探讨的主题非常宏大,涉及了存在主义的核心困境,以及艺术创作中“完美”与“缺陷”之间的永恒拉扯。作者的文字风格非常冷静、克制,很少有情绪外露的段落,更多的是一种智力上的剖析和审视。书中穿插了大量关于美学理论和历史典故的引用,这些内容无疑提升了作品的深度,但也使得节奏明显放缓。我记得有那么几章,几乎完全是由主角对某个特定光影效果的反复思索构成,那种对瞬间美感的执着捕捉,近乎于一种偏执的膜拜。这使得情节的推进几乎停滞,但从另一个角度看,这正是作者试图传达的“时间在凝固中被艺术捕获”的意境。对于那些追求快节奏情节的读者来说,这可能是一场考验,但对于热衷于深入探讨人类精神困境的探索者来说,这无疑是一座宝藏,需要反复咀嚼才能品出其回甘。
这本书的插图设计简直是点睛之笔,尽管我是在电子设备上阅读的,但那些黑白线条勾勒出的场景,那种疏朗又充满细节的画风,极大地增强了故事的氛围感。它不是那种简单的图文配合,而更像是一种视觉上的补充说明,用图形语言解释了文本中难以言喻的情绪张力。例如,某个关键场景的场景图,只用寥寥数笔就描绘出了人物内心的巨大空洞和外界的冷漠,那角度的选取和留白的处理,比任何描述都更具冲击力。我感觉作者和插画师之间一定有着非常默契的合作,使得文字与图像达到了某种程度的共振。这本书的装帧设计(如果我没记错的话,这个版本是硬皮的)本身就透露着一种对经典艺术品的致敬意味,拿在手中很有分量感,让人忍不住想更郑重地对待书中的每一句话语。它提供了一种沉浸式的体验,让你感觉自己不是在阅读一个故事,而是在参观一个精心布置的、充满历史感的私人画廊。
关于情感的描绘,这本书采取了一种极为间接的手法,几乎看不到直白的情感宣泄,所有的爱恋、背叛、遗憾,都通过角色的行动、对特定物体的执着,或者长时间的沉默来体现。这要求读者必须保持高度的解读警觉性,去捕捉那些潜藏在表象之下的暗流。我特别喜欢作者处理“遗憾”的方式,它不是以一种悲戚的方式出现,而是变成了一种驱动力,一种驱动角色继续前行的、带着苦涩的动力。那些未竟的事业、错失的爱人,都被巧妙地转化成了创作的燃料。整部作品的情感基调是忧郁的,但绝不是消极的,它透露出一种历经沧桑后的清醒与接受。这种克制的美学,使得当真正触及核心情感时,反而产生了一种更深沉、更持久的共鸣,让你在合上书页后,仍能感受到人物的呼吸和心跳,久久不能忘怀。
读完这本书,我最大的感受是它成功地营造了一种浓郁的“异乡感”,即便故事的背景设定在熟悉的欧洲城市,但人物始终处于一种疏离和格格不入的状态。这种感觉并非来自地理上的陌生,而是源于角色们内心深处的文化冲突和身份认同危机。他们似乎在追逐某种稍纵即逝的“纯粹”,而这种纯粹在快速现代化的浪潮中正变得越来越难以触及。特别是关于身份认同的描写,那种身处时代洪流却又固执地抓住旧有价值观不放的挣扎,写得极其真实和令人动容。作者对不同阶层人物的语言习惯和思维模式的捕捉,精确而富有层次感,使得每一个角色都像是从历史中走出来、带着鲜明时代烙印的个体。这本书没有给出明确的答案或圆满的结局,它更像是一面镜子,映照出我们在面对巨大变革时,内心深处既抗拒又渴望的矛盾心态。
这部作品的叙事结构简直是一团迷雾,但又带着一种令人着迷的张力。作者似乎有意将时间线打散,让你在不同的场景和人物的记忆碎片中穿梭,每翻过一页,都像是重新拼凑一块不完整的历史拼图。我尤其欣赏他对环境细节的刻画,那些老旧的建筑、弥漫着尘土气息的阁楼,乃至光线穿过彩色玻璃窗时在地板上投下的斑驳光影,都栩栩如生地呈现在眼前,仿佛能闻到那个年代特有的气味。然而,这种非线性叙事有时候也让人感到挫败,人物的情感动机常常隐藏在层层叠叠的象征符号之后,需要读者付出极大的耐心去解码。我花了很长时间才理解主角那种近乎偏执的追求究竟源于何处,它似乎与某种失落的艺术理想紧密相连,但作者并未给出明确的答案,而是将解读的空间完全交给了我们。整本书读下来,更像是一次漫长的、需要高度集中注意力的精神漫步,而非轻松愉快的阅读体验。书中的对话尤其精彩,那种看似漫不经心却字字珠玑的交流方式,展现了人物之间复杂而微妙的关系网。
夏季是属于雷诺阿的季节,他对一年中的其他月份都不感兴趣,他曾问道:“为什么要描绘雪呢?那是自然的麻风病。”不如看看阳光照耀下的塞纳河吧,那简直是节日。 绘画对雷诺阿来说本质上是一种古老的手工艺,是那个无情的时代的幸存物,在那个时代,“用手创造幸福的缓慢工作……被科学和进步无情地杀死了。”
艺术特藏区阅毕。德加:“雷诺阿玩弄色彩,就像小猫玩弄彩色毛线球一样。”
收藏画册
代表作之一《康达维斯小姐像》没有。图片颜色不够鲜艳明亮。横幅的画作非得竖着放。豆瓣分虚高了,此书不建议购买。
明亮、甜美、悠闲,雷诺阿的绘画真的让观者感觉很愉悦。