《爵士乐标准曲》是一本全面介绍爵士乐经典作品的指南,讲述了266首经典曲目背后的故事,对两千多张唱片进行推介,并包含爵士名家轶事,是爵士乐爱好者的必备书籍。
作者泰德·乔亚是带领读者了解爵士乐经典曲目的最佳向导。身为爵士钢琴家,他演奏这些歌曲已有数十年之久。身为音乐史学家和乐评人,他则享有爵士乐权威专家的美誉。他将自己对爵士乐的深刻理解倾注纸上,迷人节奏在字句中摇摆,灵动音符在纸页间跳跃。
这本书既机智又风趣,并且兑现了音乐写作的至高使命:让读者带着一双更成熟的耳朵,再次聆听音乐。
——《堪萨斯城星报》
泰德·乔亚对爵士乐的深厚知识,很难有人企及。
——《华盛顿邮报》
一本让人手不释卷的书,带你了解经典曲目背后的精彩故事。
——传奇爵士音乐家戴夫·布鲁贝克
【作者】
泰德·乔亚(Ted Gioia,1957—)
美国爵士钢琴家、音乐史学家、爵士乐资深评论家。《爵士音乐家百科全书》主编,斯坦福大学爵士乐研究项目的创始人之一。著有《如何听爵士》《爵士乐标准曲》《爵士乐史》等相关书籍十余种并屡获殊荣。
【译者】
李剑敏
1999年毕业于厦门大学新闻传播系国际新闻专业。历任中国国际广播电台、《中国新闻周刊》《凤凰周刊》、美国《体育画报》中文版记者、编辑。现为译者、出版人,译有《爵士乐史》《小红马》《北欧神话》《发条钟》等数百万字。
李皖
职业报人,业余写作。有著译20余种,著作《听者有心》《民谣流域》等,译著《列侬与洋子的最后谈话》《鲍勃·迪伦诗歌集》(合译)等。曾任华语音乐传媒奖多届评审团主席。
张文昭
香港中文大学音乐人类学博士,教师、学者、译者。出版译著“牛津音乐人文读本”《布鲁斯》卷。
2020年,泰德•乔亚的《爵士乐史》在国内译介出版。当时我所在的几个唱片交流群骚动了一阵子。朋友圈的同好,在晒新入手的唱片时,也有意无意露出该书的一角,以及体面的音响设备。从乐迷角度,历史框架的搭建,就像在优化头脑中的唱片架。此后所有音乐的经验就各从其位。当...
评分2020年,泰德•乔亚的《爵士乐史》在国内译介出版。当时我所在的几个唱片交流群骚动了一阵子。朋友圈的同好,在晒新入手的唱片时,也有意无意露出该书的一角,以及体面的音响设备。从乐迷角度,历史框架的搭建,就像在优化头脑中的唱片架。此后所有音乐的经验就各从其位。当...
评分2020年,泰德•乔亚的《爵士乐史》在国内译介出版。当时我所在的几个唱片交流群骚动了一阵子。朋友圈的同好,在晒新入手的唱片时,也有意无意露出该书的一角,以及体面的音响设备。从乐迷角度,历史框架的搭建,就像在优化头脑中的唱片架。此后所有音乐的经验就各从其位。当...
评分2020年,泰德•乔亚的《爵士乐史》在国内译介出版。当时我所在的几个唱片交流群骚动了一阵子。朋友圈的同好,在晒新入手的唱片时,也有意无意露出该书的一角,以及体面的音响设备。从乐迷角度,历史框架的搭建,就像在优化头脑中的唱片架。此后所有音乐的经验就各从其位。当...
评分2020年,泰德•乔亚的《爵士乐史》在国内译介出版。当时我所在的几个唱片交流群骚动了一阵子。朋友圈的同好,在晒新入手的唱片时,也有意无意露出该书的一角,以及体面的音响设备。从乐迷角度,历史框架的搭建,就像在优化头脑中的唱片架。此后所有音乐的经验就各从其位。当...
说实话,这本书的装帧和排版设计有点让人摸不着头脑,它看起来更像是一本八十年代末期的学术期刊,而不是一本面向大众的音乐指南。厚厚的纸张,密密麻麻的五线谱和和弦标记,初看之下,可能会让心志不坚的读者望而却步。然而,一旦你沉下心来,你会发现这种“不加修饰”恰恰是其魅力的来源。它完全摒弃了花哨的图文,专注于提供最核心、最硬核的音乐信息。这本书的独特之处在于它对“和声色彩”的精妙捕捉。它不只是告诉你这是属七和弦,而是深入剖析了属七和弦在不同调性、不同速度下所能营造出的微妙情绪变化——什么是温暖的、什么是紧张的、什么是带着哀伤的忧郁。书中列举了大量的“和弦替换练习”,这些练习的设计逻辑非常严密,环环相扣,仿佛是在构建一座精密的音乐迷宫,引导读者在既定的框架内进行最大程度的自由探索。我发现自己开始不再满足于弹奏主旋律,而是开始主动去思考,在这个Cmaj7的地方,是否可以偷偷地用一个D-7b5来增加一点点色彩。这种由内而外的启发性,是很多轻量级读物所无法比拟的。它要求你付出汗水和时间,但回报是实实在在的音乐思维的提升。
评分这本《爵士乐标准曲》简直是为我这种刚入门的新手量身定做的!我以前总觉得爵士乐那些复杂的和弦和即兴Solo听起来像是一团乱麻,完全抓不住重点。但这本书的编排方式非常巧妙,它没有一上来就抛出一堆晦涩难懂的乐理术语,而是通过精选的、那些最耳熟能详的“标准曲目”入手,比如《Take Five》或者《So What》。作者没有仅仅停留在曲谱的展示上,而是深入挖掘了每一首曲子背后的历史渊源、关键的和声进行,甚至连哪个时期的哪位大师对这个曲子的演绎最具里程碑意义,都有详尽的分析。我记得有一章专门讲了“蓝调音阶”在这些标准曲中的应用,那种循序渐进的讲解方式,让我这个完全没有受过正规音乐训练的人,也能隐约摸到即兴创作的门道。更让我惊喜的是,书中还附带了大量的音频示例链接(虽然我得自己找资源去对比),光是看着那些清晰标注了和弦替换和替代音阶的乐谱,就让人感觉自己仿佛坐在了曼哈顿某个昏暗的地下酒吧里,感受着空气中弥漫的烟草和酒精的味道。这本书的价值不在于它收录了多少曲子,而在于它真正教会了你如何“听懂”爵士乐,让那些曾经遥不可及的旋律,变得触手可及,充满了人情味和故事感。它不是教科书,它更像是一位经验丰富的乐手,带着你一起坐在钢琴前,耐心地为你揭开爵士乐那层神秘的面纱,让人忍不住想立刻拿起乐器,试着去模仿、去探索。
评分这本书的叙事方式简直是天马行空,充满了各种跑题又极其有趣的轶事。与其说它是一本关于“标准曲”的书,不如说它是爵士乐黄金时代的一部口述史诗。作者似乎对音乐史料的搜集有着一种近乎偏执的狂热,在讲到一首曲子时,他可能会突然跳跃到五〇年代的某个小镇酒吧,描述当时乐队是如何因为一场暴雨而被迫临时改编曲目的,以及这个即兴的改动后来如何被奉为经典。这种讲故事的能力,让原本可能枯燥的乐理讲解变得鲜活无比,仿佛那些伟大的音乐家们就在眼前,他们的挣扎、他们的灵光一现都历历在目。我特别喜欢其中关于节奏处理的部分,作者没有使用复杂的数学公式来解释切分和复节奏,而是用生活化的比喻来描述那种“摇摆”的感觉——就像是走路时,你的一只脚踩在了拍子上,而另一只脚却稍微滞后了那么一毫秒,正是这微妙的错位,才产生了流动的魅力。这种非学院派的、充满烟火气的解读,彻底打消了我对爵士乐高不可攀的敬畏感。它让我意识到,爵士乐的灵魂在于生活、在于即时的反应、在于人与人之间无声的交流,而曲谱只是这场对话的引线。
评分读完《爵士乐标准曲》,我有一种强烈的冲动,想把家里积灰已久的小号擦拭干净,重新拾起那个被遗忘的音乐梦想。这本书的文字风格极其老派,带着一种六十年代知识分子的严谨和内敛,但其内容却异常前沿和深刻。它不满足于仅仅罗列“必须知道的曲目”,而是将爵士乐的演变史融汇其中,每一首曲子都被放置在一个宏大的历史背景下去审视。比如,在讨论比波普(Bebop)时,作者对查理·帕克(Charlie Parker)的乐句分析,简直是教科书级别的拆解,每一个切分音、每一个复杂的经过音,都被剥离得一清二楚,告诉你为什么要这么处理,以及这种处理方式如何颠覆了摇摆乐的传统。我尤其欣赏它对“作曲者”和“演奏者”之间关系的探讨。很多标准曲的原版和后来的翻奏版本在情绪和结构上有着天壤之别,这本书没有武断地宣布哪个版本是“最好的”,而是鼓励读者去比较和感受其中的张力与自由。阅读过程中,我甚至不得不频繁地停下来,去查找书中所提及的那些老唱片,那感觉就像是进行一次跨越时空的音乐考古。它对音色、呼吸感、甚至演奏者的心理状态的描绘,都达到了近乎诗意的程度,让人感受到爵士乐的复杂性不仅在于技术,更在于那种无以言喻的“态度”。对于资深乐手来说,这本书可能提供了重新审视基础的视角,对于我这种业余爱好者,它无疑是通往更深层次理解的一把厚重的钥匙。
评分这本书的视角非常独特,它似乎是从一位“结构主义者”的角度来解构爵士乐的魅力所在。它没有过多纠缠于某一特定流派的优劣之争,而是专注于揭示所有经典曲目背后通用的“骨架”。作者把大量的篇幅放在了“曲式分析”上,比如AABA结构、12小节布鲁斯等基本框架,是如何被大师们反复利用和巧妙地“扭曲”的。他用非常清晰的图表展示了,即使是看似天马行空的即兴段落,也往往是建立在对原曲和弦进行的高度忠诚(或者说,极具智慧的偏离)之上的。阅读过程中,我最大的收获是对“空间”的理解。书中对于休止符和空隙的处理有着独到的见解,指出在爵士乐中,不演奏什么和演奏什么同样重要,那些短暂的沉默,往往是为下一段爆发积蓄能量的场所。这让我对那些看似“简单”的演奏产生了新的敬意,明白一个好的乐手,不仅要跑得快,更要懂得何时停下来呼吸。整本书的逻辑链条非常完整,从基础的调性到复杂的调式转换,每一步都像是精心设计的逻辑推演,非常适合那些喜欢钻研“为什么”而不是仅仅满足于“怎么做”的读者。
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