具体描述
谢林的《艺术哲学》（1802/03）在人类历史上第一次明确提出“艺术哲学”的概念，第一次对这个领域进行了系统而深入地阐述。不同于康德以来的偏重于主观审美意识的“美学”，“艺术哲学”关注的是艺术的本质及其在艺术作品中呈现出来的哲学意义。
“艺术哲学”也不同于迄今已来的各种经验意义上的或哲学意义上的“艺术理论”，它不是从某个特定的立场或角度出发把艺术和艺术作品当作一种特殊对象来考察，而是把艺术本身当作哲学的另一种完整的呈现方式。换言之，“艺术哲学”是“作为艺术的哲学”或“艺术中的哲学”。
因此谢林的艺术哲学同时也是他的哲学体系本身（尤其是“同一性哲学”或“绝对同一性体系”）的另一种完整的表述，其中不但涉及其早期的先验唯心论哲学和自然哲学，也与后期的神话哲学和启示哲学有着密切的联系。就艺术本身而言，本书同样蕴含着大量深刻的洞见，这些洞见通过黑格尔和叔本华——众所周知，这两位哲学家所说的“美学”实质上就是“艺术哲学”——的继承和发展对后世产生了深远的影响。
本卷亦收录了谢林另一篇与艺术哲学有关的长篇论文《论造型艺术与自然界的关系》（1807），从而集中而完整地汇集了谢林艺术哲学的核心文献。
作者简介
谢林（F. W. J. Schelling, 1775-1854），德国唯心主义哲学家，与康德、费希特、黑格尔并称德国古典哲学四大家。代表作品有《自我作为哲学的本原》《一种自然哲学的理念》《先验唯心论体系》《哲学与宗教》《论人类自由的本质及相关对象》《世界时代》《神话哲 学》《启示哲学》等。
先刚，北京大学哲学系教授，博士生导师。图宾根大学哲学博士；海德堡大学洪堡学者；教育部青年长江学者。主要研究领域：德国古典哲学、古希腊哲学、西方哲学史。
目录信息
读后感
虽然艺术自古以来就是哲学的一个重要研究对象，但严格意义上的作为一个独立学科的“艺术哲学”却只有二百多年的历史，而它的开创者就是德国古典唯心主义哲学家谢林。谢林早在1800年的《先验唯心论体系》里就提出了“艺术哲学的主要原理”作为全书的封顶石，更是在1802—1803年...
虽然艺术自古以来就是哲学的一个重要研究对象，但严格意义上的作为一个独立学科的“艺术哲学”却只有二百多年的历史，而它的开创者就是德国古典唯心主义哲学家谢林。谢林早在1800年的《先验唯心论体系》里就提出了“艺术哲学的主要原理”作为全书的封顶石，更是在1802—1803年...
本文载于《学术月刊》2020年第12期。 摘要：谢林开创了严格意义上的艺术哲学，并首次在这个领域提出了系统的阐发。在谢林艺术哲学体系的形而上学基础及其与哲学（尤其是谢林自己的哲学）的关系中，包含着双重的架构，即永恒架构（艺术门类的排序）和时间性架构（即古代艺术与现...
虽然艺术自古以来就是哲学的一个重要研究对象，但严格意义上的作为一个独立学科的“艺术哲学”却只有二百多年的历史，而它的开创者就是德国古典唯心主义哲学家谢林。谢林早在1800年的《先验唯心论体系》里就提出了“艺术哲学的主要原理”作为全书的封顶石，更是在1802—1803年...
本文载于《学术月刊》2020年第12期。 摘要：谢林开创了严格意义上的艺术哲学，并首次在这个领域提出了系统的阐发。在谢林艺术哲学体系的形而上学基础及其与哲学（尤其是谢林自己的哲学）的关系中，包含着双重的架构，即永恒架构（艺术门类的排序）和时间性架构（即古代艺术与现...
用户评价
这本书的阅读体验是渐进式的，它需要时间去消化和咀嚼，绝非一目十行可以领会其精髓的。起初，我感到有些吃力，因为作者对某些哲学流派的背景知识假设读者有所了解，这在初期构筑了一道小小的门槛。然而，一旦跨越了最初的几章，你会发现这种略带挑战性的写作方式，恰恰是对读者智识的一种尊重。这本书的妙处在于其结构安排的巧妙：它没有采取传统的线性时间轴推进，而是以几个核心的哲学母题（如“再现”、“本质”、“体验”）为轴心，不断回溯和向前探寻，将看似不相关的艺术现象串联起来。这种螺旋上升的结构，使得知识的密度非常高。读完后，我感觉自己对整个西方艺术思想史有了一个全新的、更高维度的俯瞰视角，不再是零散的知识点记忆，而是一个有机的、相互关联的知识网络。它教会我的，是如何带着审视和质疑的眼光，去重新审视每一个我们习以为常的艺术概念。
读完这本厚重的著作，我感到头脑中那些关于“美学”的固有框架正在被一点点松动，甚至可以说，是被彻底拆解重塑了。它最出彩的地方在于其跨学科的广度与深度。作者毫不吝啬地引用了大量的心理学、社会学乃至神经科学的最新研究成果，来支撑其对“观看行为”的分析。例如，探讨到印象派的光影处理时，他引入了人眼视觉暂留的生理机制，这种将艺术创作与人类生物本能挂钩的写法，实在是太有说服力了。我曾经对后现代艺术中那些看似荒诞的作品感到困惑，总觉得少了点什么“正统”的意味，但这本书提供了一种全新的视角：艺术的价值不再仅仅取决于其形式的完美或主题的崇高，而更多地体现在它对我们既有认知体系的挑战和冲击能力上。书中的论证逻辑严密，层层递进，你仿佛能看到作者构建起一个庞大而精密的分析系统，将艺术史的脉络、理论的流变以及个体的感受都纳入其中，形成一个自洽的知识闭环。
这本书给我的感觉，与其说是一本理论书，不如说是一部充满个人激情的思想漫游指南。作者的笔触充满了强烈的个人色彩，那种近乎于“叛逆”的批判精神贯穿始终。他敢于挑战那些被神化的艺术大师和约定俗成的艺术史叙事，这一点，我非常赞赏。比如，他对于浪漫主义艺术中“天才”概念的解构，就异常犀利，直指其背后隐藏的精英主义和性别偏见。阅读过程中，我常常需要停下来，合上书本，反思自己过去对某些艺术流派的判断是否过于武断。作者的叙述风格极其富有画面感，他不是在描述理论公式，而是在重现一场场思想交锋的现场。他的语言富有张力，像是一把锋利的解剖刀，精准地剖开艺术作品背后的意识形态和权力结构。对于那些渴望从艺术中寻找“终极真理”的读者来说，这本书或许会带来一丝“幻灭感”，但对于追求独立思考、不甘于接受既定答案的人来说，它无疑是一剂强效的清醒剂。
如果用一个词来概括这本书带给我的体验，那就是“震撼”。震撼于作者对艺术史料的扎实掌握，更震撼于他对当代艺术现象的敏锐洞察。它避开了许多传统美学著作中常见的，那种过于注重形式和技法的描述，转而将焦点完全放在了艺术与社会变迁的交互作用上。书的后半部分对“媒介”的探讨尤其精彩，作者深入分析了摄影术、电影乃至数字艺术如何从根本上改变了我们对“真实”和“再现”的理解。我从中读出了一种紧迫感，仿佛作者在催促我们，必须跟上技术和观念迭代的速度，否则就将被艺术的洪流所抛弃。这种论述不仅有理论深度，更有强烈的时代关怀。它迫使我思考：在一个充斥着信息碎片和快速消费的时代，艺术究竟还能扮演怎样的角色？作者的论述是开放的，他没有给出标准答案，而是提供了一套强大的分析工具，让读者自己去构建属于自己的艺术意义体系。
这本书的封面设计得非常引人注目，那大胆的用色和抽象的构图，一下子就抓住了我的眼球。初翻阅时，我本以为会是一本晦涩难懂的理论大全，毕竟“哲学”这个词本身就带着点距离感。但很快，我就发现自己错了。作者的叙述方式极其灵活，时而像一位经验老到的策展人，带领我们穿梭于古希腊的雕塑与文艺复兴的壁画之间，细致入微地剖析每一笔触背后蕴含的时代精神；时而又化身为一位充满激情的艺术评论家，毫不留情地解构那些被奉为圭臬的“经典”，直指其在特定历史语境下的局限性。我特别欣赏其中关于“审美经验的当下性”的讨论。它彻底颠覆了我过去将艺术视为纯粹历史遗物的观念，让我开始重新审视自己在面对一件作品时，那种瞬间被击中的、难以言喻的情感波动，原来那才是解读艺术最直接的路径。全书行文流畅，即便是复杂的概念，作者也能用日常生活中常见的例子来佐证，读起来毫无压力，像是在进行一场与智者的深度对谈，让人茅塞顿开，对艺术世界的理解提升到了一个新的维度。
27岁写出这本书，令人汗颜。
为什么这本书评分这么高？是有些可以借鉴的观点，但是谢林看到现代艺术的发展会不会疯掉？完全脱离了他的理论体系。
（未来会有读书笔记的）鲍桑葵说，《美学》中的大多数观点都可以在谢林这里找到对应，二人的最大不同似乎是“建构”与“反思”的差异（先刚），前者使艺术充满可能，后者导致了艺术的终结。谨按：谢林似乎比黑格尔更具有鉴赏力，但黑格尔做到了后出转精，在宏观框架和微观论述上都要比谢林做得更好一些。谢林笔下的艺术史，如同“普遍”“特殊”和“无差别”的联防，是平面的对抗；艺术作为绝对者，古今的差异将会被扬弃，现代艺术回重新回归古代艺术的完满，这固然敞开了艺术的可能性，但却流露出一种复古主义的论调。我认为，谢林超过黑格尔之处，在于他把“艺术家”这一维度纳入到自己的体系中：艺术的本质是上帝通过特殊而成为客观的，人作为“天地之心”，正如上帝在艺术中创造不同的艺术门类，艺术家通过天才“成为上帝”，创造不同的艺术作品。
对德国古典哲学无感，但谢林这本绝对是艺术哲学的奠基性著作，先把艺术从哲学的附庸地位中解放出来，其次在对艺术门类进行细致划分的基础上，再展开逐项研究。谢林把哲学和艺术看作真理的一体两面，而艺术哲学便是按照客观的形式呈现出那个绝对者。挑着看了论述绘画和诗歌的部分，论述古代艺术和现代艺术对立的部分很有启发性～
有艺术哲学课上那味了，我明白老师那晦暗不明神神叨叨的语言从何而来了
