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出版者:人民大学

作者:章安祺等

出品人:

页数:453

译者:

出版时间:2007-6

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787300080529

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现代艺术的演变：从印象派到后现代主义 一、导言：变革的序曲 本书旨在深入剖析十九世纪中叶至二十一世纪初，西方艺术领域所经历的翻天覆地的变革。我们关注的不是宏大的理论体系建构，而是艺术实践本身如何回应社会、技术和哲学思潮的冲击，并最终塑造出我们今日所见的审美图景。与其说这是一部艺术史，不如说它是一部关于“观看”与“表达”方式的演进录。 我们从印象派对光影和瞬间感性的捕捉开始，探讨他们如何打破学院派的僵硬规范；随后，我们将目光转向后印象派对主观情感和结构形式的强调，这为二十世纪初的艺术爆发奠定了基础。这不是一部简单的罗列作品和流派的教科书，而是试图梳理出一条清晰的、由技术进步、社会动荡和个体焦虑共同驱动的脉络。 二、冲击与解构：现代主义的诞生（1860s – 1940s） 现代主义并非一个统一的阵营，而是一系列激进的“否定”与“重建”的尝试。 2.1 印象派与后印象派：主体感官的解放 莫奈及其同仁们对外部世界的观察，是对启蒙理性主义“客观再现”的一次温柔反叛。他们将焦点从描绘对象转移到描绘“感受”对象的过程。随之而来的塞尚，则开始探索事物内在的几何结构和多重视角，他的工作预示着对传统透视法的彻底瓦解。梵高和高更则将色彩和线条推向极端的主观化，情感的强度压倒了对现实的忠实记录。 2.2 形式的革命：立体主义与未来主义 立体主义，以毕加索和布拉克为代表，是对文艺复兴以来“单点透视”原则的决定性颠覆。通过将物体分解、重组，并在二维平面上展示多重时间点和空间关系，他们直接挑战了“什么才是真实再现”的根本问题。与此同时，在意大利，未来主义者们狂热地拥抱工业化、速度与暴力，试图将艺术彻底融入现代生活，描绘机器的轰鸣和运动的残影。 2.3 内在的探索：表现主义与抽象的起源 面对日益紧张的社会氛围和个体精神的疏离感，德国表现主义（如“桥社”和“蓝骑士”）转向对内心恐惧、焦虑和非理性欲望的直白表达。色彩不再是自然光学的产物，而是心理状态的直接投射。 在俄国，康定斯基探索了纯粹的非再现性艺术的可能性，他坚信色彩和线条本身即具有精神震颤的力量，是表达“内在必然性”的媒介。蒙德里安则通过对垂直线与水平线的严格限定，追求一种宇宙秩序的和谐与纯粹，标志着几何抽象艺术的成熟。 2.4 超越现实：达达与超现实主义的叛逆 第一次世界大战的残酷彻底摧毁了人们对“进步”和“理性”的信仰。达达主义以其彻底的非理性、偶然性、反艺术的姿态出现，杜尚的现成品（Readymades）是对艺术品神圣性的最大嘲弄，他将“观念”置于“技艺”之上。 紧随其后，超现实主义者们（如达利、马格利特）则试图发掘弗洛伊德精神分析所揭示的潜意识领域，通过梦境逻辑、自动书写和拼贴，构建一个比清醒现实更具真实性的心理景观。 三、战后格局的重塑：从纽约到全球（1940s – 1970s） 二战后，艺术的中心从巴黎转移至纽约。美国艺术家们在继承欧洲现代主义遗产的基础上，发展出具有强烈自我指涉性的新形式。 3.1 抽象表现主义：行动与尺幅的壮阔 以波洛克为代表的“行动绘画”，将画布视为一个进行“事件”的竞技场。绘画行为本身，即滴溅、泼洒、流淌的过程，成为作品的核心。它强调艺术家的身体参与和即兴创作，将作品推向了前所未有的巨大尺幅，试图涵盖观众的全部视野。而罗斯科等人的“色域绘画”，则专注于大面积色块对观看者产生的冥想式、近乎宗教体验的影响。 3.2 走向日常：波普艺术的挪用与消费主义的映照 面对抽象表现主义的精英化倾向，波普艺术（如安迪·沃霍尔、李奇登斯坦）发起了一场“回归平庸”的运动。他们直接挪用商业广告、漫画、丝网印刷技术和大众偶像的形象，模糊了高雅艺术与低俗文化之间的界限。这种艺术不再试图揭示深层秘密，而是冷静地反射了战后西方社会对物质消费的迷恋与符号的泛滥。 3.3 极简主义：去除一切多余的意义 与波普的喧哗相对，极简主义（如唐纳德·贾德、弗兰克·斯特拉）追求极致的物性与客观性。他们拒绝隐喻、拒绝叙事、拒绝个人情感的介入，作品往往是预制、重复、工业化生产的几何形体。他们的关注点在于作品与所处空间的关系，以及观看者对“物体本身”的直接感知。 四、边界的消融：后现代的语境转向（1970s – 2000s） 七十年代以后，艺术领域进入了对现代主义自身前提的反思与解构阶段。 4.1 观念艺术的胜利：从作品到提议 观念艺术（Conceptual Art）将艺术的本质彻底从物质载体中剥离出来。作品的核心不再是画作或雕塑，而是“想法”或“指令”。艺术家们通过文件、文本、地图或简单的陈述来完成作品，质疑了艺术市场对“物”的依赖，并强调了语境和阐释的重要性。 4.2 拼贴与参照：后现代的戏仿与混杂 后现代艺术的显著特征是“不确定性”和“杂糅性”。艺术家们不再相信存在单一的、进步的艺术史线索，而是积极地从历史、大众文化、异域文化中“借用”元素。这种戏仿和参照，挑战了原创性、作者权威以及宏大叙事的有效性。艺术创作成为一场关于符号和意义的复杂游戏。 4.3 身体、身份与政治：新兴议题的浮现 随着社会政治环境的变化，艺术的焦点进一步转向被边缘化的群体经验。女性主义艺术开始挑战艺术史中的男性凝视；后殖民艺术探讨文化身份的复杂性与权力结构；身体艺术（Performance Art）则利用艺术家的肉体作为媒介，直接探讨性别、疼痛、社会规范等敏感议题，强调了艺术现场性和即时互动的重要性。 五、结语：持续的探索 本书在二十一世纪初的当代艺术图景中收尾，展现了一个高度碎片化、全球化且媒介多元的艺术生态。现代主义曾试图寻找普遍真理或纯粹形式的努力，已被后现代的多元声音和对权力的持续审视所取代。艺术不再寻求定义世界，而是更专注于提出问题，并邀请观众在不断变化的语境中寻找自己的立场。这条线索清晰地展示了艺术如何从对外部世界的描摹，逐步转向对观看者自身感知、社会结构以及符号系统的深刻反思与重构。

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说实话，一开始拿到《西方文艺理论史》这本书，我还有点担心它会过于枯燥和学术化。毕竟，“理论”这两个字听起来就让人望而却步。然而，事实证明我的顾虑是多余的。作者的文笔非常生动活泼，即使是复杂的理论概念，也能被他解释得通俗易懂。他善于用生动的例子和巧妙的比喻，将抽象的理论具象化，让读者能够轻松地理解。我尤其喜欢他对于一些关键人物和事件的描述，比如亚里士多德的“诗学”，康德的“审美判断力”，或者黑格尔的“美学大纲”。这些章节的叙述，既有深度又不失趣味性，仿佛是一场场精彩的讲座，让我受益匪浅。这本书不仅让我了解了西方文艺理论的发展历程，更重要的是，它引发了我对艺术本身的思考：什么是美？什么是艺术的价值？艺术应该服务于什么？这些问题，我在阅读过程中不断地问自己，也在书中找到了各种各样的答案。它像是一位睿智的长者，循循善诱地引导我探索知识的海洋。

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这本书真是太令人着迷了！我一直对文学的根源和演变充满好奇，而《西方文艺理论史》就像一把钥匙，为我打开了通往西方思想殿堂的大门。从柏拉图对艺术的深刻反思，到亚里士多德对悲剧的精辟剖析，再到中世纪经院哲学对神圣文本的解读，每一步都充满了智慧的光芒。作者以一种流畅而富有洞察力的方式，梳理了历代思想家对“美”的追求、对“真理”的探寻以及对“表达”的思考。读这本书，我仿佛置身于一个思想碰撞的沙龙，亲眼见证了这些伟大的理论是如何在历史的长河中孕育、发展、甚至相互辩驳的。尤其是文艺复兴时期人文主义的兴起，对古典文化的复兴以及对个体价值的强调，给我留下了深刻的印象。那些关于模仿、关于想象、关于情感的讨论，至今仍能引起我强烈的共鸣。这本书不仅仅是一部理论史，更是一部关于人类精神探索的史诗，它让我重新审视了艺术的意义，以及它在我们生活中扮演的不可或缺的角色。

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作为一名对艺术充满热情但知识储备有限的读者，《西方文艺理论史》这本书无疑是我的一次幸运的邂逅。我一直觉得，理解艺术，尤其是文学艺术，需要一种更深层次的洞察力，而这本书正好提供给了我这样的视角。作者将庞杂的西方文艺理论梳理得井井有条，从古希腊的模仿论到中世纪的神学阐释，再到文艺复兴的人文主义思潮，以及近代以来各种流派的兴衰更迭，如浪漫主义的激情澎湃、现实主义的冷静观察、现代主义的实验创新，一直到后现代的解构与多元，仿佛在眼前展开了一幅波澜壮阔的思想画卷。我特别欣赏作者在介绍每个理论时，都能清晰地勾勒出其时代背景、代表人物以及核心观点，并且能够巧妙地连接起不同理论之间的内在逻辑和历史演变。这本书不仅让我认识了众多重要的文艺理论家及其思想，更重要的是，它启发了我对艺术本体的深刻思考：艺术的本质是什么？它如何与社会、与人类情感发生联系？这本书为我打开了一扇通往更广阔艺术世界的大门，让我对文学的理解不再停留在表层，而是能够触及到其更深邃的精神内核。

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我一直觉得，理解一部文学作品，光看内容是远远不够的，背后蕴含的理论和思想才是其精髓所在。《西方文艺理论史》这本书，则恰恰满足了我对这方面知识的渴求。它详细地介绍了从古希腊到现当代的各种文艺理论流派，比如浪漫主义对情感和个性的张扬，现实主义对社会现实的忠实描摹，以及现代主义对形式和语言的革新等等。阅读过程中，我常常会联想到自己读过的那些经典作品，比如莎士比亚的戏剧，简·奥斯汀的小说，或是陀思妥耶夫斯基的深刻剖析。书中的理论视角，像是为我提供了一副新的眼镜，让我能够以更深邃、更全面的方式去解读这些作品。我特别欣赏作者在介绍不同理论时，总是能够清晰地阐述其核心观点，以及它与之前理论之间的联系和区别。这种梳理脉络的能力，使得整个理论体系变得清晰可见，而不是杂乱无章。这本书对于任何想要提升文学鉴赏能力，或者深入理解文学发展史的读者来说，都是一本不可多得的宝藏。

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一直以来，我对文学的理解都比较零散，缺乏一个系统的框架。《西方文艺理论史》这本书，正好填补了这一空白。它以清晰的逻辑和宏大的视野，勾勒出了西方文艺理论发展的主线。从古希腊的模仿说，到中世纪的神学解读，再到启蒙运动的理性主义，以及后来的浪漫主义、现实主义、现代主义，直到后现代思潮的涌现，每一个阶段都充满了思想的火花。我最喜欢的部分是关于形式主义和结构主义的讨论，它们对于文学作品的语言、结构和意义的分析，让我对文本的解读有了全新的认识。而且，作者并没有将这些理论孤立开来，而是强调它们之间的传承、演变和批判关系，这使得整个理论体系更加完整和生动。读完这本书，我感觉自己对文学作品的理解能力有了质的飞跃，能够更敏锐地捕捉到作品背后隐藏的深层含义，也能更清晰地辨析不同风格和流派的特点。这是一本值得反复阅读，每次都会有新收获的书。

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就看了几章。没看完。

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这本书的封面真的是我见过的中文系教材里面最花的啦(〃ﾉωﾉ)这是这个暑假翻开的第一本文学理论史的书，当时梳理外国文学史正好在启蒙主义和浪漫主义，所以就对着这本书，一边复习文学一边看该时期的文学理论。当然，现实主义理论还是没看…就像现实主义小说没读几本一样 ????????????

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就看了几章。没看完。

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比起国内其他的西方文论史来靠谱多了。至少有思辨，有信息量。不过对德国的偏爱确实相当明显。