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出版者:Focal Press

作者:Blain Brown

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2011-8-1

价格:USD 49.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780240812090

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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建筑的演变：从古典到现代的结构革命 图书简介 本书深入探讨了建筑艺术自古典时代奠基以来，所经历的波澜壮阔的演变历程，重点聚焦于结构技术、材料革新与社会需求的相互作用如何塑造了人类的居住与公共空间。我们试图超越纯粹的风格分类，揭示隐藏在宏伟立面和精巧细节背后的工程智慧与时代精神。 第一部分：秩序与永恒——古典主义的逻辑基石 本章首先回溯至古希腊和古罗马的辉煌时期。我们将详细解析多立克、爱奥尼克和科林斯柱式的比例系统，它们并非仅仅是装饰元素，而是精确的数学关系在空间中的物化。重点讨论帕特农神庙和万神殿的结构成就。万神殿巨大的无筋混凝土穹顶，其开眼的巧妙设计如何解决了结构上的巨大张力问题，至今仍是结构工程的典范。我们分析了罗马拱券和筒形拱的系统性应用，它们如何使建筑体量得以扩张，为公共浴场和引水渠等大型基础设施的建造提供了坚实的基础。 进入中世纪，建筑的重心从水平的稳定转向垂直的追求。哥特式建筑的兴起是一场技术革命。本书将详尽阐释飞扶壁（Flying Buttress）和肋拱（Ribbed Vault）的发明如何突破了传统厚墙的限制，使得墙体可以被玻璃彩绘所取代。这种结构上的创新，直接服务于宗教对“天堂之光”的象征性表达。我们不仅仅描述了巴黎圣母院或沙特尔大教堂的美学效果，更深入剖析了这些支撑系统在承载重量、分散推力上的力学原理，以及它们如何催生了尖拱这种全新的几何形态。 文艺复兴时期，建筑师们重新拾起了对古典“黄金比例”的痴迷。然而，与复兴表面形式不同，布鲁内莱斯基（Brunelleschi）在佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶上的创举，展示了对古罗马工程知识的重新理解与超越。本书将分析他如何利用双壳结构和人字形拱（Herringbone Arching）解决了巨型穹顶的无支撑建造难题，这是技术理性回归的标志。随后，我们将探讨帕拉第奥（Palladio）如何将古典元素转化为一套可复制的、具有普适性的设计语汇，影响了此后数百年间英美两地的府邸和公共建筑。 第二部分：工业的冲击与材料的解放 十八世纪末和十九世纪初的工业革命，彻底颠覆了建筑的材料与建造范式。本书将重点分析铁、钢和玻璃这“新三元素”的登场，对传统承重体系造成的根本性挑战。 铸铁最初被应用于桥梁建设，但很快便被引入建筑领域。我们详细考察了克里塔斯·伯顿（Isambard Kingdom Brunel）的工程实践，以及水晶宫（The Crystal Palace）的快速建造。水晶宫的预制化、标准化构件，展示了工业化生产如何以前所未有的速度和规模进行建造，极大地降低了成本，并模糊了结构与表皮的界限。 二十世纪初，钢筋混凝土技术的成熟是另一个里程碑。它兼具混凝土的可塑性和钢筋的抗拉强度，赋予了建筑师前所未有的自由度，使得悬挑、自由平面和“纤细的”柱子成为可能。本书将分析奥古斯特·佩雷（Auguste Perret）如何将钢筋混凝土的结构美学推向极致，强调结构本身的诚实表达。 在此基础上，现代主义建筑的理论应运而生。勒·柯布西耶的“新建筑五点”——底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和屋顶花园——无一不是基于钢筋混凝土的结构自由度。我们将对照分析萨伏伊别墅和巴西利亚的规划，考察这些结构解放如何与新的社会住房理念相结合，追求效率、功能与纯粹的几何形式。 第三部分：结构与形式的对话——后现代的解构与在地性 进入后半个二十世纪，对现代主义“机器美学”的反思催生了新的方向。高技派（High-Tech）建筑，如蓬皮杜中心，选择将建筑的结构和机械系统（管道、电梯、通风系统）暴露在外，使结构本身成为建筑的视觉主题和信息载体。这并非对结构的背离，而是对结构表达方式的重新强调——从隐藏到展示。 与此同时，结构复杂性也在不断提升。巨型结构（Megastructures）的出现，如斜拉索和预应力技术的大规模应用，使得跨度和高度的极限不断被刷新。本书将讨论诸如伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）或诺曼·福斯特（Norman Foster）等大师如何运用复杂的空间桁架系统来应对极端环境或巨大的功能需求。 最后，本书将探讨当代建筑中对“在地性”（Locality）和复杂几何形态的探索。例如，解构主义建筑师如何利用计算机辅助设计（CAD）来处理复杂的非线性结构，挑战传统的垂直与水平规范。这部分将分析结构如何从提供稳定性的单一角色，演变为与环境、文化语境进行对话的复杂介质。我们探讨了如何在追求创新形态的同时，仍需坚守材料的内在逻辑和结构行为的物理规律。 总结 本书旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解建筑是如何通过对结构材料的不断征服、材料特性的深入理解以及对时代需求的响应，一步步地从简单的庇护所演变为复杂的、具有深刻文化意义的艺术与工程的结晶。它是一部关于人类如何利用科学原理来塑造其物质世界的历史。

评分☆☆☆☆☆

这书是不是好多错误啊??前后矛盾的地方很多,用词也不准确,还是说我买的是倒版?!有人完整地看完了么??  

评分☆☆☆☆☆

我不是导演亦或电影幕后相关专业及工作人员，仅仅从电影爱好者的角度出发，赏读这一本《电影摄影：理论与实践》。说赏读，并不完整，除了欣赏之外，还有研究的成分。或许，对于行外人来说，这本书的内容显得深奥了一些，但通过对这本书的解读和研究，我也了解了“电影故事”—...  

评分☆☆☆☆☆

这书是不是好多错误啊??前后矛盾的地方很多,用词也不准确,还是说我买的是倒版?!有人完整地看完了么??  

评分☆☆☆☆☆

还在上大学的时候有几个想做的事儿，一个是搞乐队，另一个是拍一个小故事，前者实现了，后者却依然是未完成。 那两年是微电影爆炸的时代，大一的我趴在思修课的最后看了筷子的老男孩，内心躁动着、翻腾着，意淫自己站在烟雾缭绕灯光闪烁的老式舞台上摇摆。 等真的上台了，是...  

评分☆☆☆☆☆

《电影摄影：理论与实践》是我跨年后看的第一本书，之前以为是32开本的书，拿到手后一看16开，而且400多页，着实有点傻眼。 虽然我的专业和这个真是相差十万八千里再隔座山，但好在是自己感兴趣的，所以边读边整理整理思绪吧~ 首先我扫了本书的目录，嗯，果然是专业的T T 其中...

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这本书的叙事风格非常具有感染力，读起来丝毫没有枯燥感，反而像是一位经验丰富的大师在你耳边娓娓道来他的创作心得。最让我拍案叫绝的是，作者似乎有一种天赋，能够将极其复杂的视觉原理，用最生动、最日常的语言阐述清楚。比如在解释“焦点转移”技巧时，他没有用复杂的数学公式，而是用了一个关于“偷窥与被发现”的情景模拟，瞬间就让读者理解了焦点变化在构建悬念和引导观众注意力上的巨大作用。而且，这本书的视角非常国际化，它没有将好莱坞的叙事模式视为唯一标准，而是广泛地涉猎了欧洲艺术电影、亚洲新浪潮电影，甚至是纪录片领域的视觉语言实践。这种全球化的视野让这本书的理论框架异常坚固和全面。我尤其欣赏作者在讨论“数字时代的光线处理”时展现出的那种批判性思维，他既肯定了新技术带来的便利，也深入探讨了过度依赖数字美化对真实感和质感的潜在损害。这本书无疑会成为我未来工作中反复查阅的工具书，它教会我的不仅仅是“怎么做”，更是“为什么这么做”。

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我对内容深度和广度的要求一向很高，很多同类的书籍往往只停留在表层的技巧罗列上，但这一本给我的感觉完全不同。它像是一部百科全书，但又充满了锐利的个人洞察力。我特别喜欢它对“色彩心理学在叙事中的应用”这一部分的处理。作者并没有简单地给出“红色代表危险，蓝色代表忧郁”这样的刻板印象，而是通过分析具体电影的调色板，展示了色彩是如何在潜意识层面操控观众情绪的，以及不同文化背景下对特定色彩的集体无意识反应。例如，书中对北欧电影中那种偏冷、饱和度极低的画面风格进行了细致的剖析，探讨了这种视觉语言如何完美地契合了北欧文学中那种疏离和内省的主题。更令人称道的是，它还大胆地将叙事理论与摄影技术结合，探讨了长镜头、景深运用如何影响时间感知和观众的代入感。读完这部分，我立刻想回头重温几部经典影片，用全新的视角去解码那些我过去忽略掉的视觉信息。这本书的严谨性毋庸置疑，引用了大量的学术研究和行业内部的访谈记录，为它的论点提供了坚实的支撑。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，拿到手里的时候，那种沉甸甸的质感和封面那种复古又带着一丝未来感的摄影剧照拼贴，立刻就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本偏向技术手册的那种书，侧重于光圈、快门和焦距的枯燥解析，但翻开第一页我就被吸引住了。作者的文字功底很扎实，他没有直接跳入晦涩的专业术语，而是先从“光线如何讲述故事”这个哲学性的角度切入，探讨了人类视觉感知与电影叙事之间的深层联系。尤其让我印象深刻的是其中关于“阴影的哲学”那一章节，作者引用了大量的哲学理论，将光影的运用提升到了对人性、道德困境进行深度挖掘的层面。我感觉这不像是在读一本关于“如何拍摄电影”的书，更像是在进行一场关于“如何观看世界”的深度对话。书中穿插的那些历史案例分析也做得非常到位，比如对早期默片时代布莱森特对光线的革命性运用，以及后现代主义电影中对高对比度、低调照明的戏仿和重构，都让我对电影美学有了全新的认识。这本书的排版也非常讲究，大量留白和精心挑选的印刷字体，使得阅读体验本身就成为一种享受，让人愿意慢下来，细细品味每一个段落的节奏和韵味。

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我最近一直在思考如何突破自己目前在视觉表达上的瓶颈，尤其是在捕捉那种“转瞬即逝的情绪”方面感到力不从心。这本书给我的触动是多方面的，但最核心的，是它让我重新审视了“留白”的力量。作者花费了不少篇幅讨论了如何在画面中“不表现”什么，以及如何通过控制信息量来放大观众的想象空间。他引用的古代东方美学观点，与现代电影中极简主义的构图理念产生了奇妙的共鸣，这彻底颠覆了我过去总想把画面塞满细节的习惯。书中探讨了环境光、自然光如何影响角色内在状态的微妙变化，这一点对于那些希望通过细微之处体现人物成长的导演来说，无疑是宝贵的财富。此外，这本书还非常巧妙地融合了跨学科的视角，比如引用了建筑学中关于空间序列的概念来分析场景设计与镜头运动的关系，使得整个理论体系更加立体和坚实。读完之后，我感觉自己不仅在学习一种技术，更是在培养一种全新的、更具洞察力的观察世界的方式，这种收获是无可替代的。

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坦白说，我之前对这类专业书籍抱有一种敬而远之的态度，总觉得门槛太高，害怕自己半途而废。然而，这本书的结构设计简直是为自学者量身定做的。它采用了模块化的编写方式，每一个章节都是一个相对独立但又相互关联的主题，你可以根据自己的兴趣点随意切入阅读，而不会感到迷失。例如，我先跳到了介绍不同胶片时代光敏度和颗粒感对心理影响的部分，那一段写得尤为细腻，对比了伊文斯和柯达不同世代胶片在表现皮肤质感上的微妙差异，那简直是技术与艺术完美融合的典范。更妙的是，书中每到关键的技术点，都会插入一些“创作挑战”的小节，提出一些假设性的问题，迫使读者立即将学到的知识应用到实际的想象场景中去，有效地避免了纸上谈兵。这本书的实践导向性非常强，它不是在讲述一段历史，而是在搭建一个可以让你亲手去实践和验证的思维框架。它成功地将理论的深度和操作的易得性做到了一个绝妙的平衡，让我对自己的下一部作品充满了新的灵感和信心。

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读得3版，乱乱的，有用但乱乱的，工具书

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工具书吧，掌握一些基本技术规则和术语。

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工具书吧，掌握一些基本技术规则和术语。

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Cinematography<第二版>

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