具体描述
音乐和好莱坞的共通之点是，欢乐时，它们陪伴着我们；悲伤时，它们安慰着我们；需要打气时，它们激励着我们。是什么让音乐和好莱坞能拥有这样的力量呢？
夏泰，艾美奖获得者、三座泰利奖奖杯的持有者。首次向世人敞开心扉，诉说他从南非—澳大利亚—美国—中国横跨四大洲的传奇经历。以音乐为导航，揭晓不为人知的好莱坞名人轶事以及音乐所带给他的神奇体验和丰富感悟。通过本书，你不仅会了解到音乐的巨大能量以及佐证其的科学依据，从而触发你使用音乐来改变自己的人生；夏泰作为业内权威人士，也对正在蓬勃发展的中国文化及音乐产业发表了独到的见解。
作者简介
马克•夏泰（Mark Chait）出生于南非开普敦，是好莱坞著名的电影作曲家，其音乐作品曾多次获得艾美奖及泰利奖。同时，他也是国际知名的钢琴演奏家，众多国家元首及社会名流，包括斯威士兰国王、美国前国务卿希拉里•克林顿等都曾为其钢琴技艺折服。
2012年，夏泰的音乐旅程终于到达中国。应德稻集团邀请，夏泰成为德稻大师学院电影、电视、艺术及媒体音乐大师。2015年，夏泰在上海建立了全亚洲独一无二的好莱坞式电影配乐及声音设计工作室。夏泰工作室与国内娱乐产业及政府部门积极合作，并致力为中国的电影、电视、戏剧、节庆活动及新兴媒体创造世界级音乐。夏泰工作室也为中国年轻的作曲家和音乐家开设指导课程，帮助他们创作好莱坞式电影音乐，开启职业生涯。
目录信息
第一章 缘起（初会音乐）
第二章 歌之版图
第三章 音乐即改变
第四章 中国古代音乐
第五章 一位好莱坞电影作曲家的诞生
第六章 信念，信念，信念——好莱坞电影音乐界的新人
第七章 《小子要自强》（The Power of One），唐娜•桑默和华纳兄弟的一位音乐总监
第八章 一琴一世界，即可让听众获得力量
第九章 导师的力量是无穷的
第十章 好莱坞的故事
第十一章 电影音乐的历史
第二部分 音乐如何塑造我们
第十二章 塑造我们的音乐
第十三章 治愈我们的音乐
第十四章 声音设计
第十五章 音乐品牌营销
第三部分 大师们，三位古典音乐大师对世界产生的巨大影响
第十六章 巴赫
第十七章 莫扎特
第十八章 贝多芬
第四部分 现在与未来
第十九章 人生配乐，找寻改变生活的节奏、旋律和配乐
第二十章 中国和世界音乐的未来
· · · · · · (收起)
读后感
《音乐的真相》不厚，才150页左右。无论是对音乐的真相有兴趣，还是对作者马克-夏泰何许人的好奇，都会很快读完。马克-夏泰，出生于南非开普敦，是好莱坞著名的电影作曲家，其音乐作品多次获艾美奖和泰利奖。在《音乐的真相》里，马克.夏泰讲述了自己充满冒险的音乐经历，电影...
《音乐的真相》副标题很长——从开普敦到上海:一位好莱坞电影作曲家的回忆录，提到“回忆录”八成以上的人都认为很厚重，然而本人才150页。Mark Chait本人不老，还远远没到坐下来“追忆似水年华”的岁数，说是“回忆录”也并不很确切。我从昨天开始阅读，到今天下午就已经读完...
《音乐的真相》不厚，才150页左右。无论是对音乐的真相有兴趣，还是对作者马克-夏泰何许人的好奇，都会很快读完。马克-夏泰，出生于南非开普敦，是好莱坞著名的电影作曲家，其音乐作品多次获艾美奖和泰利奖。在《音乐的真相》里，马克.夏泰讲述了自己充满冒险的音乐经历，电影...
《音乐的真相》副标题很长——从开普敦到上海:一位好莱坞电影作曲家的回忆录，提到“回忆录”八成以上的人都认为很厚重，然而本人才150页。Mark Chait本人不老，还远远没到坐下来“追忆似水年华”的岁数，说是“回忆录”也并不很确切。我从昨天开始阅读，到今天下午就已经读完...
《音乐的真相》不厚，才150页左右。无论是对音乐的真相有兴趣，还是对作者马克-夏泰何许人的好奇，都会很快读完。马克-夏泰，出生于南非开普敦，是好莱坞著名的电影作曲家，其音乐作品多次获艾美奖和泰利奖。在《音乐的真相》里，马克.夏泰讲述了自己充满冒险的音乐经历，电影...
用户评价
这本书的叙事节奏掌握得非常到位，它不是一本百科全书式的汇编，更像是一次精心策划的“声景漫游”。作者很擅长使用类比，将抽象的音乐概念具象化。举个例子，他描述节奏的生成时，引用了城市交通的脉动和心跳的规律，这种生活化的视角立刻拉近了理论与读者的距离。我尤其欣赏作者对“即兴创作”这一主题的探讨。他没有将即兴视为一种随性的发挥，而是深入剖析了爵士乐手中那种在极短时间内完成复杂决策的能力，实际上是建立在对乐理的深刻内化和无数次肌肉记忆之上的“结构性自由”。这种对“自由背后的规则”的挖掘，让我对任何创造性活动都有了新的认识。此外，书中对不同乐器音色的细致描绘，简直是一场听觉的盛宴。他能用文字捕捉到大提琴温暖的木质感，小提琴在高音区的锐利与穿透力，以及铜管乐器那种庄严的金属光泽。读到描述木管乐器如何模仿自然界中的鸟鸣时，我仿佛真的能从纸面上“听见”那些轻盈跳跃的音符，让人不禁想立刻放下书本，去寻找那些被遗忘已久的美妙录音。
这本关于声音和旋律的探索之作，简直是为我这种从小就对音乐有着莫名的痴迷的听众量身定做的。作者没有像那些枯燥的音乐理论书籍那样，上来就抛出一堆艰涩的术语，而是用一种近乎诗意的笔触，带领我们重新审视我们日常生活中那些最简单却也最容易被忽略的听觉体验。比如，书中对“寂静”的描绘，就让我深思了很久。我们总以为音乐是与寂静对立的，但作者却巧妙地指出，没有了背景的宁静，音乐的冲击力便无从谈起。他通过剖析不同文化背景下对“有效噪音”和“无用噪音”的定义，揭示了音乐在人类社会中扮演的不仅仅是娱乐的角色，更是一种深层次的文化载体和心理慰藉。我尤其喜欢他分析早期录音技术如何改变了人们对现场感的认知，那种从“在场”到“再现”的转变，是技术进步带来的美学革命，也让我们开始质疑，我们所听到的“真实”到底是什么。书中对巴赫赋格结构那种近乎建筑学的解构，也让我这个非专业人士看得津津有味，原来那些复杂的对位法，背后竟然蕴含着如此严谨而又充满生命力的逻辑，简直是一场智力与情感的双重盛宴。
这本书的结构处理非常巧妙，它没有按照时间线索推进，而是围绕几个核心的“听觉悖论”展开讨论，这使得阅读过程充满了惊喜。其中一个章节专门讨论了“重复”的魅力。在流行音乐中，重复往往被视为缺乏创意的标志，但作者追溯了民间歌谣和宗教圣咏中重复的催眠和仪式性功能，指出重复是构建“集体共识”和“心流体验”的关键机制。他甚至分析了为什么某些广告歌曲的洗脑旋律如此有效，揭示了人脑对特定频率和节奏模式的依赖性，这让我在下次听到那些“魔性”音乐时，能以一种更审慎、更具批判性的眼光去看待它。这本书对于理解现代媒介传播中音乐的作用也极具启发性。它不仅仅关注音乐本身，还探讨了音乐如何被剪辑、被混音、被情感化地“嫁接”到视觉叙事中，从而产生远超其本身内容的力量。对我而言，这本书就像是一把瑞士军刀，它不仅能剖析交响乐，也能拆解电子乐的节拍，甚至能帮助我理解我喜欢的电影配乐是如何悄无声息地操纵我的泪腺的。
这是一部极具人文关怀的作品，它超越了技术分析的范畴，触及了音乐与人类精神状态的深层连接。作者对音乐的情感疗愈作用的阐述尤其打动我。他不像某些心理学家那样将情感量化，而是通过回顾历史上的重要音乐片段——比如战后人们如何通过特定旋律来处理集体创伤——来展现音乐作为一种非语言的“集体记忆库”的功能。书中关于“失落的旋律”的讨论令人神伤。他探讨了口头传承的音乐在记录载体出现后如何逐渐消失，以及这种消失对文化多样性的影响，这让我对那些未被记录下来的声音产生了无限的敬意和惋惜。全书最让我震撼的是对“聆听”本身的反思。作者认为，在信息爆炸的时代，我们听到的东西越来越多，但“听懂”的却越来越少，我们习惯了被动接受，失去了主动去“捕捉”声音细节的能力。这本书就像是一个温柔的提醒，督促我放慢脚步，重新激活我那近乎休眠的听觉雷达，去真正地、有意识地“听”这个由无数振动构成的奇妙世界。
读完这本书，我有一种感觉，作者仿佛是一位技艺高超的魔术师，他揭示了旋律背后的魔术线索，却又巧妙地保留了音乐本身令人心神荡漾的神秘感。我一直以为自己对古典音乐有些了解，但这本书拓宽了我对“和声”的理解维度。它不只是讲解三和弦或七和弦的构成，而是深入探讨了人类在进化过程中对特定音程组合产生共鸣的生理基础。书中引用了一些神经科学的研究，阐述了升调和降调如何在大脑中激活不同的情绪回路，这让那些激动人心的交响乐高潮部分，不再仅仅是音符的堆砌，而是一种精准操控听者情绪的科学实践。更让我拍案叫绝的是，作者对二十世纪先锋派音乐的梳理。那些曾经被我视为“噪音”的作品，在作者的解读下，突然展现出其革命性的意义——它们是对既有音乐范式的挑战，是对听觉习惯的强行重塑。他把勋伯格的无调性音乐比喻为一次对音乐语言的“断骨疗法”，目的是让音乐从既定的语法中解放出来，寻找新的表达自由。这种深刻的洞察力，让原本敬而远之的现代音乐，变得可以理解，甚至令人着迷。
不是很符合這本書的名字，但有幾章是值得閱讀的，包括音樂品牌營銷，從我出國前到現在，其實並沒有什麼變化，但我自身因為音樂本身變成廣告去購買產品這件事不足為奇，我對蘋果的審美也來自於對廣告音樂如此精準hook所敬佩。
虽然读的快，但是不管从科普还是正能量的角度，还是生存技能方面来讲，都收获蛮多。
1个半小时读完的 知识点很少 更别提什么思想了 失望 大概是作者给自己的上海工作室做广告所著
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1个半小时读完的 知识点很少 更别提什么思想了 失望 大概是作者给自己的上海工作室做广告所著
