具体描述
傅雷先生的这部名作，目前是国内被阅读最广的美术史著作，影响深远。
作者简介
傅 雷(1908-1966)，我国著名文学艺术翻译家、文艺评论家。一生译著宏富，译文以传神为特色，更兼行文流畅，用字丰富，工于色彩变化。翻译生涯历三十年代载，翻译作品达三十四部，主要有罗曼·罗兰长篇巨著《约翰·克利斯朵夫》、传记《贝多芬传》、《托尔斯泰传》、《米开朗琪罗传》，巴尔扎克名著《高老头》、《欧也妮·葛朗台》、《贝姨》、《邦斯舅舅》、《亚尔培·萨伐龙》、《夏倍上校》、《搅水女人》、《都尔的本堂神甫》、《幻灭》、《赛查·皮罗多盛衰记》、《于絮尔·弥罗埃》，伏尔泰的《老实人》、《天真汉》、《查第格》，梅里美的《嘉尔曼》、《高龙巴》，丹纳名著《艺术哲学》；巴尔扎克的《高老头》、《欧也妮·葛朗台》、《贝姨》、《夏倍上校》等名著十五部；译作约五百万言，现已全部收录于《傅雷译文集》。近年来，他的遗著《世界美术名作二十讲》、《傅雷家书》等也深受读者喜爱，一版再版，一百余万言的著述也已收录于《傅雷文集》。
目录信息
序
第一讲 乔托与阿西西的圣方济各
第二讲 多那太罗之雕塑
第三讲 波提切利之妩媚
第四讲 莱奥纳多·达·芬奇（上）《瑶公特》与《最后之晚餐》
第五讲 莱奥纳多·达·芬奇（下）人品与学问
第六讲 米开朗琪罗（上）西斯廷礼拜堂
第七讲 米开朗琪罗（中）圣洛伦佐教堂与梅迪契墓
第八讲 米开朗琪罗（下）教皇尤里乌斯二世墓与《摩两》
第九讲 拉斐尔（上）《美丽的女园丁》与《西斯廷圣母》
第十讲 拉斐尔（中）梵蒂冈宫壁画——《圣体争辩》
第十一讲 拉斐尔（下）毡幕图稿
第十二讲 贝尔尼尼巴洛克艺术与圣彼得大教堂
第十三讲 伦勃朗在卢浮宫《木匠家庭》与《以马忤斯的晚餐》
第十四讲 伦勃朗之刻版画
第十五讲 鲁本斯
第十六讲 委拉斯开兹西班牙一定画像
第十七讲 普桑
第十八讲 格勒兹与狄德罗
第十九讲 雷诺兹与庚斯勃罗
第二十讲 浪漫派风景画家
编校后记
全书所述主要美术家及名作简列
· · · · · · (收起)
读后感
这书是从翻看时起，就令我一直处于强烈的感撼中 从前只是略知傅雷先生一生译作颇丰，极是令人仰慕，翻译功底自不必多言，就例如他曾译托尔斯泰之句 “世上的生活不是一泓泪水，也不是试练，而是超越我们想象的事物。只要我们能够坦然面对现状，生活也可以是无限的喜悦。” 字句...
傅雷先生在26岁写出这样的文章，细处不提，气度上首先就很不凡。序中可见先生颇有些愤世情绪，但正文始终则保持在客观和鉴赏者雅致的基调上。通篇二十个小节毫无懈怠，从历史背景到艺术家的个人气质切入得恰到好处，每一讲都有清晰的内核，确是在授人以美慧而无虚浮之心。
1.文言序言非常精彩。傅雷当年26岁，留法海归，在上海美专任教，故发起议论来掷地有声，神气完足。80年代出版的序言是庞薰琹写的，这位是工艺美术大牛，他说波提切利的画让他注意到绘画的装饰性。 2.Bereson论乔托：绘画之热情的流露、生活的自白，与神明之皈依者，自乔托始。...
难以想像傅雷在那么年轻时就写出了这样一本通俗而高雅的书，因为它，我对西方的绘画和雕塑也充满了兴趣，在伦敦时特别安排了国家画廊的参观，从这点出发，这本讲义也达到了它的目的。精装本文图搭配协调，阅读起来真是一种享受。
用户评价
《世界美术名作二十讲》让我体验到了一种“温故而知新”的乐趣。书中介绍的许多名作，我之前可能在博物馆或者画册上见过，但从来没有像这次一样，能够如此深入地了解它们的背景和意义。作者就像一个经验丰富的向导，带领我重新审视这些熟悉的艺术品，发掘它们身上新的闪光点。他会从不同的角度去解读同一件作品，比如从技术层面分析其笔触和色彩，从历史层面探讨其时代背景，从文化层面挖掘其象征意义，甚至从心理层面分析艺术家的创作动机。这种多维度的解读，让我对每一件作品都产生了全新的认识。我发现，很多之前觉得“美”的作品，在了解了它们背后的故事之后，变得更加动人；而一些我曾经不太理解的作品，在作者的引导下，也逐渐显露出其独特的魅力。这本书让我明白，艺术的欣赏是一个不断积累和深化认知all的过程，每一次的阅读，都是一次全新的发现。
初次翻开《世界美术名作二十讲》，我内心是带着一丝期待的。我并不是科班出身的艺术史专业人士，但从小就对那些流传千古的画作和雕塑充满了好奇。我总觉得，那些跨越时空的艺术品，一定蕴含着人类最深刻的情感和最闪耀的智慧。这本书的书名本身就有一种厚重感，仿佛在邀请我踏上一场穿越时空的艺术之旅。我希望它能用一种相对易懂、又不失专业性的语言，为我揭开这些名作背后隐藏的故事。我尤其期待作者能够带我走进那些伟大的艺术家们的生活，了解他们的创作灵感，以及他们如何用画笔或刻刀，将自己的内心世界具象化。毕竟，艺术品不仅仅是静态的图像，它们是艺术家灵魂的投射，是时代精神的载体。我渴望能够透过这些名作，看到更广阔的世界，理解不同文化背景下的审美观念，甚至是人类文明发展演变的脉络。这本书的出现，对我来说，就像是打开了一扇通往知识宝库的门，我迫不及待地想去探索里面的奥秘，去感受那些被时间沉淀下来的美，去学习如何欣赏艺术，如何从艺术中汲取力量。
《世界美术名作二十讲》最吸引我的地方在于，它打破了我对于艺术的刻板印象。我之前一直认为艺术史是枯燥的，充斥着各种专业术语和难以理解的理论。然而，这本书的作者用一种非常亲切、幽默的语言，将那些看似高冷的艺术品拉近了距离。他会用一些生活化的比喻来解释复杂的艺术概念，比如将色彩的运用比作味蕾的体验，或者将构图的比作一场精心编排的舞蹈。这些巧妙的比喻，让我瞬间茅塞顿开，对那些抽象的艺术理论产生了直观的理解。而且，作者在介绍每一位艺术家时，都不仅仅是罗列他们的作品，更会讲述他们的人生故事、他们的爱情、他们的友情，甚至他们与时代之间的羁绊。这些鲜活的人物故事，让艺术史不再是冰冷的历史事件，而是充满情感和温度的人类传奇。我感觉自己不是在阅读一本艺术史教材，而是在听一位老朋友娓娓道来他所钟爱的那些艺术家和他们的杰作。
在我翻阅《世界美术名作二十讲》的每一页时，我都能感受到作者对艺术的深厚情感和严谨态度。他不仅仅是一位知识的传授者，更是一位热情的艺术鉴赏家。他在评价每一幅作品时，都充满了真挚的赞叹和独到的见解。他会注意到那些常人容易忽略的细节，比如画作中人物微小的表情变化，或者是背景中隐藏的象征意义。更重要的是，他不会生硬地给出结论，而是鼓励读者自己去观察、去感受、去思考。他会提出一些开放性的问题，引导我们去探索作品的多重含义。这种互动式的讲解，让我的阅读体验变得非常主动和有益。我不再是被动地接受信息，而是积极地参与到对艺术的解读过程中。我开始学会用批判性的眼光去审视每一件作品，去思考它为什么能成为“名作”，它又给这个世界带来了什么。这本书让我明白，艺术的欣赏并非一蹴而就，而是一个不断学习、不断探索、不断提升的过程。
《世界美术名作二十讲》给我带来的惊喜，在于它不仅仅是一本关于“看”的书，更是一本关于“思考”的书。作者在引导我们欣赏名作的同时，也抛出了许多发人深省的问题。例如，在讨论某幅印象派作品时，作者不仅仅介绍了光影的运用和笔触的特点，还引发了关于“真实”与“感知”的哲学思考。他会问，艺术家所描绘的世界，究竟是我们肉眼所见的世界，还是艺术家内心所感受到的世界？这种引导性的提问，促使我开始主动地去分析、去判断，而不是被动地接受。我开始意识到，艺术的价值并不仅仅在于它的技法有多么高超，或者它多么写实，更在于它能否触动我们的内心，能否引发我们对生活、对人性的思考。这本书让我明白，艺术是一种沟通，是一种对话，艺术家通过作品与我们交流，而我们也通过自己的理解和感受，与作品建立联系。这种双向的互动，让阅读过程充满了乐趣和挑战。
读完《世界美术名作二十讲》，我最大的感受是，艺术的魅力远比我想象的更加丰富和深刻。我原以为这仅仅是一本介绍画作的书，但实际上，它为我打开了一个全新的视角。作者在讲解每一幅名作时，不仅仅停留在对画面本身的描绘，更深入地挖掘了作品的历史背景、创作动机，以及其在艺术史上的重要意义。比如，在介绍某幅文艺复兴时期的作品时，作者详细阐述了当时社会思潮、宗教信仰对艺术家创作的影响，以及这幅作品是如何突破了当时 conventions，引领了艺术的新方向。这种深入浅出的讲解方式，让我这个非专业读者也能轻松理解那些复杂的艺术理论和历史发展。我尤其喜欢作者在描述作品细节时的生动笔触，仿佛我正站在画作前，亲眼目睹那些色彩的碰撞、光影的变幻，以及人物眼神中流露出的细腻情感。每当读到一个我之前从未了解过的艺术家或流派，我都感到一种莫名的兴奋，仿佛发现了新的大陆。这本书不仅仅是一次阅读体验，更是一次心灵的洗礼，让我对“美”有了更深层次的理解和感悟。
说实话，我一开始对《世界美术名作二十讲》并没有抱有太高的期望，我以为这会是一本比较学术化、枯燥的艺术史读物。但当我真正开始阅读时，我被书中内容的深度和广度所震撼。作者并没有拘泥于某个特定的艺术流派或者某个单一的地区，而是以一种宏观的视角，梳理了世界美术史的发展脉络。从古埃及的壁画到现代抽象艺术，从欧洲的古典绘画到亚洲的传统艺术，几乎涵盖了人类文明史上的重要艺术成就。而且，在介绍每一件作品时，作者都会对其在整个艺术史中的地位和影响进行详细的阐述，让我能够清晰地看到不同艺术风格之间的传承与演变。这种系统性的梳理，对于我这样想要建立起一个完整艺术史框架的读者来说，具有非常重要的意义。它帮助我构建了一个清晰的认知体系，让我能够更好地理解艺术史的整体面貌。
在我阅读《世界美术名作二十讲》的过程中，我体验到了一种前所未有的沉浸感。作者的文笔流畅而富有感染力，他能够将那些遥远年代的艺术品，以一种鲜活、生动的方式呈现在我的眼前。我仿佛能够听到中世纪画家们在作坊里的低语，能够感受到巴洛克时期艺术家们对戏剧性表现的追求，甚至能想象到现代艺术先锋们挑战传统时的勇气。书中的图片质量也非常高，每一幅作品都仿佛触手可及，让我能够仔细地观察笔触的纹理、色彩的层次。我特别喜欢作者在描述某些具有象征意义的细节时，会旁征博引，引用相关的神话、传说或者当时的社会习俗，这让我对作品的理解更加立体和深刻。有时候，我甚至会放下书本，闭上眼睛，在脑海中回味刚刚读到的作品，想象作者所描述的场景，那种感觉真的非常奇妙，就好像我自己也置身于那个艺术创作的时代。
在我拿起《世界美术名作二十讲》之前，我对“名作”这个词的理解，仅仅停留在“有名”的层面。但读完这本书，我才真正理解了“名作”的含义。作者通过对每一件作品的深入剖析，让我看到了它们之所以能够成为“名作”的真正原因：它们不仅仅是技艺的巅峰，更是思想的结晶，是情感的载体，是时代精神的缩影。他让我明白，艺术的价值不在于价格的标签，而在于它能够触动人心，能够引发思考，能够跨越时空，与后人产生共鸣。这本书让我改变了过去那种“以貌取人”的欣赏方式，让我学会了去探究作品背后的深层含义，去理解艺术家创作的初衷，去感受艺术带给我们的精神滋养。它让我从一个被动的旁观者，转变为一个积极的探索者，一个对艺术充满敬意的学习者。
《世界美术名作二十讲》带给我的，是一种难以言喻的精神享受。作者的语言充满了诗意和哲思，他不仅仅是在介绍艺术品，更是在抒发自己对美的热爱和对人生的感悟。读他的文字，我仿佛置身于一个充满艺术气息的雅致空间，与作者一起品味那些流传千古的杰作。他对于色彩、光影、线条的描绘，都极其生动，让我能够通过文字“看”到作品的灵魂。而且，他会引用许多文学作品、诗歌，甚至是哲人的名言来佐证自己的观点，这让整本书的内涵更加丰富和深刻。我感觉自己不仅仅是在学习艺术史，更是在进行一场关于美、关于人生、关于文明的对话。每一次的阅读，都能从中汲取到新的力量和启示，让我对生活有了更深的理解和感悟。这本书就像是一盏明灯，照亮了我艺术探索的道路。
3.5。青年傅雷的美术讲稿，从乔托讲到了柯罗。把文字和图片分离的版式设计太不友好。
有些段落还是很有启示啊！
先生的这本书读来浅显易懂，但是又能足见他观察的角度不同，理解的独到。那些对于画作的描写细致入微，即使不看原作，也能在脑海中描绘出大概。之前对文艺复兴时期的作品一直很有兴趣，但是总是没有花时间去了解。读了此书之后，决心去研究一番。
作为美术史，这本书无甚亮点啊，还是看翻译比较靠谱
叙述里有情谊，是很好的入门读物
