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☆☆☆☆☆

出版者:Routledge

作者:Thomas Elsaesser

出品人:

页数:232

译者:

出版时间:2009-12-18

价格:USD 44.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415801010

丛书系列:

图书标签:

电影理论
电影
Thomas_Elsaesser
电影研究
visualculture
電影
英文
英国
电影理论
影像分析
叙事结构
视觉语言
导演手法
镜头运用
电影史
美学原理
文化批判
类型电影

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具体描述

What is the relationship between cinema and spectator? That is the central question for film theory, and renowned film scholars Thomas Elsaesser and Malte Hagener use this question to guide students through all of the major film theories—from the classical period to today—in this insightful, engaging book. Every kind of cinema (and film theory) imagines an ideal spectator, and then imagines a certain relationship between the mind and body of that spectator and the screen. Using seven distinctive configurations of spectator and screen that move progressively from ‘exterior’ to ‘interior’ relationships, the authors retrace the most important stages of film theory from 1945 to the present, from neo-realist and modernist theories to psychoanalytic, ‘apparatus’, phenomenological and cognitivist theories.

片场之外：电影艺术的结构与感知一部深度剖析电影制作流程、美学选择与观众体验的权威指南本书旨在带领读者深入电影制作的复杂领域，超越单纯的叙事欣赏，进入对影像、声音、剪辑及表演等核心元素的结构性考察。我们探讨的并非某一种特定流派或单一理论框架下的“电影理论”，而是更侧重于将电影视为一种工艺、一种语言和一种社会现象的多维分析。第一部分：光影的物质性与空间构建本部分聚焦于电影的物理基础——摄影机、胶片（或数字传感器）以及它们对现实的捕获与重构。我们将详细解析不同镜头（焦距、光圈、景深）如何塑造空间感和心理距离。从早期电影对浅景深和固定视角的依赖，到现代电影中复杂的运动镜头和数字合成，电影对三维空间的二维呈现始终是一场精心的平衡术。摄影机的运动语言：追踪、摇摄、俯仰和推轨等运动方式如何潜移默化地引导观众的注意力，并暗示角色的内心状态或叙事节奏的变化。我们不探讨“蒙太奇”的理论性定义，而是分析具体运动如何服务于场景的张力构建。光线的雕塑作用：从伦勃朗光到高调和低调照明，光线不仅仅是照亮场景的工具，更是情感的载体和人物性格的隐喻。我们将对比经典好莱坞片场中对三点布光法的精细调整，以及欧洲艺术电影中对自然光的粗粝利用，分析光影如何定义画面的质感（Texture）。场面调度（Mise-en-scène）的精确性：深入解析场景设计、服装、布景和演员站位如何协同工作，在单帧画面中嵌入丰富的信息。这涉及对符号学在视觉元素中的应用，例如色彩的文化联想及其在特定场景中的颠覆性使用。第二部分：时间的碎片与节奏的编织电影是时间的艺术，而剪辑则是这部艺术作品的心跳。本部分将详尽审视剪辑选择对叙事效率、情感冲击力和观众认知负荷的影响。我们关注的重点是剪辑的“技艺”而非“理论”。连续性剪辑的“隐形魔法”：剖析180度轴线规则、匹配剪辑（Match Cut）和跳切（Jump Cut）在不同语境下的功能。连续性剪辑的终极目标是让观众“忘记”剪辑的存在，我们追溯实现这一目标的具体技术手段。节奏的控制：讨论镜头长度（Shot Duration）如何直接影响观众对时间流逝的主观感受。长镜头带来的沉浸感与快速剪辑带来的紧张感之间，存在着一套精密的数学和心理学关系。声音的非对称性：声音设计在塑造电影空间中的作用，往往被观众忽略。我们将分析同步音、环境音、对白和配乐的层次划分。声音如何超越画面，提供叙事中缺失的信息，或通过不和谐音效来打破预期的感知平衡。第三部分：表演的现场性与角色建构表演是连接剧本意图与观众共鸣的桥梁。本部分着重探讨演员在镜头前的独特挑战，以及导演如何引导表演以适应电影媒介的特性。镜头前的微妙尺度：舞台表演与电影表演之间的根本差异在于镜头的特写能力。特写镜头要求演员对细微的面部表情进行精确控制。我们将考察不同表演流派——如方法派（Method Acting）和基于技术精准度的表演——在镜头下的实际效果。身体语言的编码：姿态、眼神接触（或缺乏眼神接触）如何构成角色的非语言信息。通过对具体场景中演员动作轨迹的分析，我们探究如何通过身体的运动来展现内在的冲突或权力关系。群戏的动态平衡：在多人场景中，导演如何调度演员的焦点和反应镜头（Reaction Shots），确保焦点人物被清晰界定，同时保持场景的整体活力。第四部分：工业流程与美学边界的拉扯电影制作是一个高度工业化的过程，技术革新和商业压力始终在形塑着最终的美学成果。本部分将从更宏观的角度审视电影生产的现实环境。技术更迭对叙事的影响：从宽银幕到3D再到高帧率（HFR），技术升级总是伴随着对传统叙事模式的挑战或强化。我们考察这些技术变化如何改变了导演和观众对“真实感”的期待。后期制作的“第二次创作”：电影的最终形态往往在剪辑室和调色间最终定型。色彩校正（Color Grading）作为一种强大的美学工具，如何将原本中性的画面转化为具有强烈情感倾向的视觉体验。类型片中的结构性约束与突破：分析特定电影类型（如黑色电影、科幻片、西部片）在视觉、声音和叙事结构上所遵循的“惯例”，以及优秀创作者如何在遵守这些约束的同时，注入颠覆性的个人风格。本书不致力于建立宏大的理论体系，而是通过对技术细节、工艺选择和物质载体的细致入微的考察，揭示一部电影从概念到银幕呈现过程中，无数个“选择”是如何汇聚成最终的艺术作品。它面向所有对电影制作过程的内在逻辑感兴趣的实践者、学生和资深影迷。

作者简介

Thomas Elsaesser is Professor of Film and Television Studies in the Department of Art and Culture at the University of Amsterdam. A renowned film scholar, he is the author and editor of many books, including Weimar Cinema and After, also published by Routledge.

Malte Hagener is Associate Professor of media studies at the Leuphana Universität Lüneburg. He has written Moving Forward, Looking Back: The European Avant-garde and the Invention of Film Culture, 1919-1939 and edited many volumes, including Cinephilia: Movies, Love, and Memory.

目录信息

Introduction: film theory, cinema, the body and the senses
1. Cinema as window and frame REAR WINDOW -- Constructivism -- Realism -- Open and closed film forms (Leo Braudy) -- Classical cinema -- Central perspective -- Rudolf Arnheim -- Sergej Eisenstein -- Andre Bazin -- David Bordwell -- Cinema as shop- window and display
2. Cinema as door -- screen and threshold THE SEARCHERS -- Entry into the film -- Etymology of screen -- Thresholds of the cinema/movie theater -- Beginnings: credits and credit sequences -- Neoformalism (Bordwell/Thompson) -- Post- structuralism (Thierry Kuntzel) -- Michail Bachtin -- Door/screen as filmic motif in Buster Keaton and Woody Allen
3. Cinema as mirror and face PERSONA-- Bela Balazs -- The close- up -- The face -- Face as mirror of the unconscious -- Christian Metz -- Jean- Louis Baudry -- Apparatus- theory -- Early cinema and the close- up (Tom Gunning) -- Reflexive doubling in modern (art) cinema -- Mirror neurons -- Paradoxes of the mirror
4. Cinema as eye -- look and gaze BLADE RUNNER -- Active and passive eye -- The mobile eye of early cinema -- Dziga Vertov -- Apparatus- theory -- Suture -- Continuity- editing -- Laura Mulvey -- Feminist film theories -- THE SILENCE OF THE LAMBS -- Historicity of modes of perception -- Regimes of the gaze -- The big Other (Jacques Lacan) -- Slavoj A iA ek -- The panoptic gaze (Michel Foucault) -- Niklas Luhmann and selfmonitoring
5. Cinema as skin and touch CRASH -- Critique of "ocularcentrism" -- Skin and identity -- THE NEW WORLD-- Vivian Sobchack -- Phenomenology -- The (re-)turn to the body --Avant- garde practices -- Body and genre (Linda Williams, Barbara Creed) --The skin of film (Laura Marks) -- Accented cinema (Hamid Naficy) --Siegfried Kracauer
6. Cinema as ear -- acoustics and space SINGIN' IN THE RAIN -- Sound as spatial phenomenon -- Silent cinema and the introduction of sound -- Sound in classical cinema ---- The acousmetre (Michel Chion) -- Reversals in the hierarchy of image and sound -- Surround- systems -- Materiality and plasticity of sound
7. Cinema as brain -- mind and body ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND-- Propaganda and cult films -- Five concepts for connecting mind and cinema -- Gilles Deleuze -- Annette Michelson -- Torben Grodal -- Mind- game films -- Mind and body, spectator and film -- Cognitivism -- Phenomenology -- Empathy -- Embodiment and disembodied vision Conclusion: digital cinema -- the body and the senses refigured? TOY STORY -- Animation and (photo-)graphics -- The future of projection -- Screens: bigger and smaller -- The new body norm: face or hand? -- Productive contradictions: digital cinema, virtual reality, media convergence -- Interface and portal instead of window, door and screen -- MONSTERS INC. and doors -- Public and private -- Mobility and hybridity -- Film theory and philosophy: radical reformulations or rescue missions?
· · · · · · (收起)

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个周末的时间，才算把这本书的前三分之一读完，坦白说，这完全不是因为内容太难，而是因为它太“饱满”了，每一页都充满了需要停下来反复咀嚼的观点。这本书的叙事逻辑简直是大师级的。它没有采用那种线性的、按照时间顺序梳理理论流派的做法，而是像一个经验丰富的策展人，将看似不相干的理论碎片巧妙地编织在一起。比如，它会突然将某位早期先锋派导演的镜头语言，和近十年来的数字影像美学进行一次跨时代的对话，这种不拘一格的比较，彻底打碎了我脑中固有的知识壁垒。我原以为理论分析会是一条笔直的隧道，结果这本书更像是一个充满回廊和转折的迷宫，每当我以为我理解了某个理论的根基时，作者总能从一个意想不到的角度引入新的变量，让我不得不重新审视自己的认知结构。这种处理方式非常考验作者的掌控力，稍有不慎就会显得杂乱无章，但《Film Theory》却做到了天衣无缝的融合，读完一个章节，我感觉自己像是参与了一场精彩的学术辩论，而不是被动地接受灌输。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太抓人眼球了，封面那种做旧的质感，仿佛直接从某个古老的电影资料馆里淘出来的一样，泛黄的纸张边缘和略微粗糙的触感，让人一上手就觉得这不是一本普通的学术读物。我本来对理论书籍都有点敬而远之，总觉得它们会是密密麻麻的术语和晦涩难懂的论证，但《Film Theory》这本书的排版却非常人性化。它用了一种非常优雅的字体，行距和字间距都把握得恰到好处，即便是深夜阅读，眼睛也不会感到特别疲劳。更让我惊喜的是，书里穿插着一些高清的、但又带着艺术滤镜的经典电影截图，这些图片不仅仅是装饰，它们往往是紧跟着某一理论段落出现的，像是一种视觉上的注解，帮助我这个非科班出身的读者快速捕捉到抽象概念的核心意象。比如，当作者讨论到某种特定的镜头运动如何影响观众的潜意识时，旁边紧跟着的画面往往就是那个镜头的完美范例，那种“原来如此”的顿悟感，是单纯阅读文字难以企及的。这本书在视觉呈现上，完全超越了我对“理论书”的刻板印象，它更像是一件精心制作的艺术品，让人愿意捧在手里细细摩挲，而不是仅仅当作工具书供参考。这种对阅读体验的重视，无疑提升了理论的亲近感。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的是它对“身体在场”这个概念的探讨，简直是教科书级别的深度挖掘。我过去看电影理论时，很多讨论都停留在叙事结构、意识形态批判层面，相对抽象和宏大。但《Film Theory》却将焦点放到了观众最原始、最本能的物理反应上。作者细致地分析了影院环境的物理特性——光线的衰减、声音的环绕、座椅的震动——是如何与屏幕上的人物动作共同作用，构建出一种“共感”体验的。书中举例分析了几部特定类型的恐怖片，不仅描述了剪辑点的精准性，更深入探讨了当角色的恐惧投射到观众胸腔时，心率和呼吸模式会发生何种生理变化。这部分内容我已经不只是在“阅读”了，我感觉作者正在通过文字，直接“操作”着我的身体感知。读到一半时，我甚至停下来，特意调暗了房间的灯光，想模拟书中描述的那种沉浸感。这种将理论分析与生理学、现象学结合起来的写作手法，绝对是当前电影研究领域里一个非常新颖且强有力的突破点。

评分☆☆☆☆☆

从语言风格上来说，这本书的作者似乎有着一种独特的、近乎诗意的批判精神。它没有那种常见的、冷冰冰的学术腔调，相反，行文间充满了对光影和运动本身的敬畏。很多理论家的名字被提及，但作者引用他们时，往往不是为了证明自己的观点正确，而是将这些理论家看作是探索道路上的同伴。比如，在论述“非线性时间”时，作者引用的句子充满了画面感，仿佛他本人就是那个坐在蒙太奇剪辑台前的艺术家，而不是一个旁观的分析者。这种代入感极强的叙事，使得即便是那些原本我以为我已经掌握得差不多的概念，也被重新赋予了生命力。我尤其喜欢他处理矛盾观点的方式——他从不简单地否定前人的理论，而是像一个高明的调酒师，将不同的理论元素精确地混合，创造出一种全新的、更具包容性的解读视角。整本书读下来，与其说我学到了知识，不如说我重新点燃了对电影艺术最纯粹的好奇心。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的讨论范围广阔得有些令人吃惊。它不仅仅停留于主流的欧洲或好莱坞电影范畴，而是勇敢地将触角伸向了那些常常被学术界忽视的边缘地带。我在其中读到了关于某种特定地区纪录片中“沉默的镜头”如何对抗国家叙事的深入剖析，也看到了对实验性动画短片中色彩心理学应用的细致考察。这种全球视野和对媒介多样性的尊重，让这本书的价值瞬间提升了好几个档次。很多理论书籍往往会陷入对单一文本或流派的过度聚焦，导致视野受限，但《Film Theory》却成功地构建了一个宏大的、多维度的理论生态系统。它要求读者不仅要思考“电影是什么”，更要思考“电影在何处，以及为谁而存在”。这种对电影作为一种社会、政治和文化现象的全面审视，使得它远超了一般的电影鉴赏或历史梳理，更像是一部探索人类视觉文化边界的地图集。读完后，我立刻开始计划重看一些之前觉得“晦涩难懂”的艺术电影，因为现在我有了更坚实的理论工具去欣赏它们内在的复杂性。

评分☆☆☆☆☆

不得不说有些类比还挺牵强的。

评分☆☆☆☆☆

按照不同的理论分章，特别好读

评分☆☆☆☆☆

以前也用过Elsaesser的其他文章，不过这本读起来特别晦涩，不好理解，觉得简单易懂的童鞋可以留个联系方式，讨论下cinema as window and frame这一章

评分☆☆☆☆☆

朝天大喊三个字：好！好！好！电影理论界的小红书，每一章的footnotes疯狂种草。Elsaesser的wording十分精妙，读最后一章，惊讶这么跟得上时代；最后对现在film and philosophy的流行现象的评价也是、很见功力了。常读常新。

评分☆☆☆☆☆

按照不同的理论分章，特别好读