具体描述
出版说明（部分）：
本书较系统的简述了古代画论的发展，把中国绘画理论的精髓，加以剖析，脉络清楚，立论明确，并由作者自己的学术见解。可作为阅读中国画论原著的辅助读物。
上传者：是老先生写的书，虽然很薄很小的一本书，和《读书》杂志差不多，但尽是精髓，读后受益匪浅。
作者简介
男，原名葛光植，1926年生于陕西定边。
1948年，毕业于北平华北文法学院国文系。
1953-1961年，担任《美术》杂志编辑。
1961-1979年，执教于吉林艺术学院美术系。
1979年后，执教于北京大学哲学系，教授。
1989年，息肩教坛，转入书法创作。
葛路教授在40余年的学术生涯中，取得了很高的学术成就，在当代中国美学研究界享有盛誉。主讲中国美学史与中国美术史课程，著有《中国古代绘画理论发展史》（1982年）、《中国绘画美学范畴体系》（1989年）、《中国艺术神韵》（1993年，与克地合著）、《神游丹青》（1993年，与克地合著）等著作，并担任八卷本《中国美术通史》（1988年）的副主编及作者。2004年，中国美术家协会表彰葛路教授为“卓有成就的美术史论家”。现为中国书协会员、中国美协会员、中华全国美学会会员、北大书画协会理事、国际美术家联合会中韩文化艺术专家委员会委员。
葛路教授晚年潜心于艺术创作，书法达到极高水平。他的书法出入于汉晋碑帖之间。有书法家称赞葛路教授的书法“骨力殊胜”，盖因其书法特重风骨，体势合一，并以数十年之学问修养为积淀，厚积而薄发。其书大篆，既有汉碑之开阖气势，又能圆润有墨意。其作行草，本之晋帖而参诸汉简，故质胜于文，美而不媚。葛路教授视书法创作为抒发性灵之活动，不趋时流，不屈我趣。作篆书，擅方圆二法，以圆笔作篆，浑厚古拙；以方笔作篆，雄刚大气。作行草，以章草为基础，汲取汉简、晋帖，以及颜真卿、黄庭坚、鲁迅等行草书体，融而为一，探索新境界。葛路教授的书法所以能达此境界，关键在于其中深蕴易理，以方圆笔法比拟阴阳，故能取势于阴阳之间而几于道。
目录信息
读后感
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用户评价
这本书如同一位博学的老者，娓娓道来中国古代绘画理论的沧桑变迁。它的文字严谨而不失温度，将复杂的理论体系以一种引人入胜的方式呈现出来。我一直觉得，理解一个民族的艺术，必须先理解其背后的思想文化。而这本书，正是带领我们走进中国古代绘画艺术灵魂深处的一把钥匙。作者在论述过程中，非常注重对史料的考证和辨析，对于历代画论家提出的观点，都有详细的出处和背景介绍，这使得整个论述显得既扎实又可信。我印象深刻的是书中对“气韵生动”这一最高绘画境界的探讨，作者不仅解释了它为何被视为中国画的灵魂，更梳理了不同时期学者如何理解和追求这一境界。从曹不兴的“神彩”，到谢赫的“气韵”，再到后来的画家们如何通过写意、借古抒今等方式来达成“气韵生动”，这一过程的阐述，让我对中国画的审美追求有了更深刻的认知。书中有大量的篇幅是关于如何理解中国古代绘画中的“意境”，作者通过分析山水画中的“可游可居”，花鸟画中的“寄情”，以及人物画中的“传神”，展现了不同题材的绘画如何在理论层面上去追求超越具体形象的精神内涵。这本书的价值在于，它不仅仅提供了知识，更是一种思维方式的启迪，让我们能够以更深邃的视角去品味中国古代绘画的无穷魅力。
评分我最近阅读了一本关于中国古代绘画理论的书，它给了我前所未有的惊喜。我原以为这种学术性的著作会显得枯燥乏味，但这本书却以一种充满生命力的叙述方式，展现了中国古代绘画理论的博大精深。作者在处理不同流派、不同时期的理论时，并没有简单地进行堆砌，而是巧妙地将它们串联起来，形成了一部连贯而有机的历史画卷。我特别被书中关于“应物象形”与“应情写意”的讨论所吸引，这不仅仅是两种不同的绘画方法，更代表了两种不同的世界观和人生观。作者通过对历代画家的实践和论述进行梳理，揭示了这两种倾向在不同历史时期是如何此消彼长，又如何相互影响的。例如，在士人阶层崛起之后，“写意”的精神逐渐成为主流，绘画也从单纯的技艺层面上升到了表达个人情怀和哲学思考的高度。书中对“笔墨”的细致剖析也让我大开眼界，它不再仅仅被视为线条和墨色的运用，而是蕴含着创作者的情感、意志和对自然的理解。作者通过对不同时期“用笔”和“用墨”的特点进行分析，展现了中国画在笔墨精神上的不断探索和演进。这本书让我认识到，中国古代绘画理论不仅仅是关于绘画的规则，更是关于如何理解世界、如何表达情感、如何实现人生价值的一种独特智慧。
评分我最近读完这本关于中国古代绘画理论的书，感觉仿佛经历了一场思想的盛宴。它不仅仅是一部枯燥的学术著作，更像是一部充满智慧和艺术魅力的散文集。作者在叙述中，巧妙地将历史、哲学、文学与绘画理论融为一体，使得整个阅读过程充满趣味性和启发性。我特别被书中对“应物象形”与“应情写意”的讨论所吸引，这不仅仅是两种不同的绘画方法，更代表了两种不同的世界观和人生观。作者通过对历代画家的实践和论述进行梳理，揭示了这两种倾向在不同历史时期是如何此消彼长，又如何相互影响的。例如，在士人阶层崛起之后，“写意”的精神逐渐成为主流，绘画也从单纯的技艺层面上升到了表达个人情怀和哲学思考的高度。书中对“笔墨”的细致剖析也让我大开眼界，它不再仅仅被视为线条和墨色的运用，而是蕴含着创作者的情感、意志和对自然的理解。作者通过对不同时期“用笔”和“用墨”的特点进行分析，展现了中国画在笔墨精神上的不断探索和演进。这本书让我认识到，中国古代绘画理论不仅仅是关于绘画的规则，更是关于如何理解世界、如何表达情感、如何实现人生价值的一种独特智慧。
评分这本书给我带来了巨大的惊喜，它以一种非常独特且引人入胜的方式，展现了中国古代绘画理论的演进历程。我一直对中国的水墨画情有独钟，但对其背后抽象的理论总感到难以捉摸。这本书却以一种极其清晰和系统的方式，将这些理论一一展现在我面前。作者在梳理理论发展脉络时，非常注重对早期理论的溯源，例如从《周礼》中的“画缋”到《论语》中关于“文质”的讨论，再到《易传》中的“象”，作者层层剥茧，展现了中国绘画理论的哲学根基。我尤其被书中关于“意境”的阐述所吸引，作者并非简单地定义“意境”，而是通过分析山水画、花鸟画等不同题材在追求“意境”时的具体方法和理论依据，让我对其有了更深刻的理解。例如，他介绍了画家们如何通过“虚实相生”、“留白”等手法来营造画面中的空灵感和想象空间，从而达到“言有尽而意无穷”的艺术效果。书中对“形神关系”的深入探讨也让我受益匪浅，它不再是简单的“写实”与“写意”的二元对立，而是展现了两种追求在不同历史时期的相互渗透和融合。这本书让我认识到，中国古代绘画理论，是对自然、人生、艺术最深刻的哲学思考，它所追求的不仅仅是视觉上的美，更是心灵上的契合和精神上的共鸣。
评分这是一本让我耳目一新的书，它以一种非常宏观的视角，将中国古代绘画理论的发展脉络梳理得清晰而流畅。我一直对中国古代的绘画艺术颇感兴趣，但往往停留在欣赏层面，对于其背后深邃的理论体系却了解不多。这本书恰好填补了我的这一空白。作者在开篇就点明了绘画理论与哲学、文学、历史之间的紧密联系，这种跨学科的视角让原本可能枯燥的理论变得生动起来。我特别喜欢书中关于“笔墨”的论述，它不再仅仅被看作是绘画的技巧，而是上升到了精神象征和文化符号的层面。从最早的“用笔”的强调，到后来“笔墨”本身所蕴含的“书写性”和“哲学意味”，作者层层递进地展现了这一概念的演变。例如，他详细介绍了王维、苏轼等文人画家是如何将诗、书、画融为一体，以及这种融合如何影响了绘画理论的发展，使得绘画不再只是视觉的艺术，更是一种精神的表达。书中对“格法”的探讨也十分精彩，它既是对绘画创作规范的总结，也是艺术家在遵循规范中寻求创新的体现。作者通过分析历代画论中关于“格法”的不同解读，揭示了中国古代绘画在追求统一性与创造性之间的微妙平衡。读这本书，我仿佛置身于一个思想的熔炉，看到历代智者如何在墨与纸之间，在笔尖的游走中，探索着宇宙人生的真谛，并将这份感悟凝结成了一套套独具东方智慧的绘画理论。这本书不仅仅是一部学术著作，更像是一次关于中国文化精神的深度对话。
评分我最近读了这本关于中国古代绘画理论的书，真的让我受益匪浅。它以一种非常宏观的视角，将中国古代绘画理论的发展脉络梳理得清晰而流畅。我一直对中国古代的绘画艺术颇感兴趣，但往往停留在欣赏层面，对于其背后深邃的理论体系却了解不多。这本书恰好填补了我的这一空白。作者在开篇就点明了绘画理论与哲学、文学、历史之间的紧密联系，这种跨学科的视角让原本可能枯燥的理论变得生动起来。我特别喜欢书中关于“笔墨”的论述，它不再仅仅被看作是绘画的技巧，而是上升到了精神象征和文化符号的层面。从最早的“用笔”的强调，到后来“笔墨”本身所蕴含的“书写性”和“哲学意味”，作者层层递进地展现了这一概念的演变。例如，他详细介绍了王维、苏轼等文人画家是如何将诗、书、画融为一体，以及这种融合如何影响了绘画理论的发展，使得绘画不再只是视觉的艺术，更是一种精神的表达。书中对“格法”的探讨也十分精彩，它既是对绘画创作规范的总结，也是艺术家在遵循规范中寻求创新的体现。作者通过分析历代画论中关于“格法”的不同解读，揭示了中国古代绘画在追求统一性与创造性之间的微妙平衡。读这本书，我仿佛置身于一个思想的熔炉，看到历代智者如何在墨与纸之间，在笔尖的游走中，探索着宇宙人生的真谛，并将这份感悟凝结成了一套套独具东方智慧的绘画理论。这本书不仅仅是一部学术著作，更像是一次关于中国文化精神的深度对话。
评分这是一本让我爱不释手的书，它就像一位循循善诱的老师，带领我走进了中国古代绘画理论的奇妙世界。我一直对中国的水墨画情有独钟，但对其背后抽象的理论总感到难以捉摸。这本书却以一种极其清晰和系统的方式，将这些理论一一展现在我面前。作者在梳理理论发展脉络时，非常注重对早期理论的溯源，例如从《周礼》中的“画缋”到《论语》中关于“文质”的讨论，再到《易传》中的“象”，作者层层剥茧，展现了中国绘画理论的哲学根基。我尤其被书中关于“意境”的阐述所吸引，作者并非简单地定义“意境”，而是通过分析山水画、花鸟画等不同题材在追求“意境”时的具体方法和理论依据，让我对其有了更深刻的理解。例如，他介绍了画家们如何通过“虚实相生”、“留白”等手法来营造画面中的空灵感和想象空间，从而达到“言有尽而意无穷”的艺术效果。书中对“形神关系”的深入探讨也让我受益匪浅，它不再是简单的“写实”与“写意”的二元对立，而是展现了两种追求在不同历史时期的相互渗透和融合。这本书让我认识到，中国古代绘画理论，是对自然、人生、艺术最深刻的哲学思考，它所追求的不仅仅是视觉上的美，更是心灵上的契合和精神上的共鸣。
评分这是一本让我读后掩卷长思的书，它以一种非常独特且引人入胜的方式，展现了中国古代绘画理论的演进历程。我一直对中国的水墨画情有独钟，但对其背后抽象的理论总感到难以捉摸。这本书却以一种极其清晰和系统的方式，将这些理论一一展现在我面前。作者在梳理理论发展脉络时，非常注重对早期理论的溯源，例如从《周礼》中的“画缋”到《论语》中关于“文质”的讨论，再到《易传》中的“象”，作者层层剥茧，展现了中国绘画理论的哲学根基。我尤其被书中关于“意境”的阐述所吸引，作者并非简单地定义“意境”，而是通过分析山水画、花鸟画等不同题材在追求“意境”时的具体方法和理论依据，让我对其有了更深刻的理解。例如，他介绍了画家们如何通过“虚实相生”、“留白”等手法来营造画面中的空灵感和想象空间，从而达到“言有尽而意无穷”的艺术效果。书中对“形神关系”的深入探讨也让我受益匪浅，它不再是简单的“写实”与“写意”的二元对立，而是展现了两种追求在不同历史时期的相互渗透和融合。这本书让我认识到，中国古代绘画理论，是对自然、人生、艺术最深刻的哲学思考，它所追求的不仅仅是视觉上的美，更是心灵上的契合和精神上的共鸣。
评分这本书如同一位博学的老者，娓娓道来中国古代绘画理论的沧桑变迁。它的文字严谨而不失温度，将复杂的理论体系以一种引人入胜的方式呈现出来。我一直觉得，理解一个民族的艺术，必须先理解其背后的思想文化。而这本书，正是带领我们走进中国古代绘画艺术灵魂深处的一把钥匙。作者在论述过程中，非常注重对史料的考证和辨析，对于历代画论家提出的观点，都有详细的出处和背景介绍，这使得整个论述显得既扎实又可信。我印象深刻的是书中关于“气韵生动”这一最高绘画境界的探讨，作者不仅解释了它为何被视为中国画的灵魂，更梳理了不同时期学者如何理解和追求这一境界。从曹不兴的“神彩”，到谢赫的“气韵”，再到后来的画家们如何通过写意、借古抒今等方式来达成“气韵生动”，这一过程的阐述，让我对中国画的审美追求有了更深刻的认知。书中有大量的篇幅是关于如何理解中国古代绘画中的“意境”，作者通过分析山水画中的“可游可居”，花鸟画中的“寄情”，以及人物画中的“传神”，展现了不同题材的绘画如何在理论层面上去追求超越具体形象的精神内涵。这本书的价值在于，它不仅仅提供了知识，更是一种思维方式的启迪，让我们能够以更深邃的视角去品味中国古代绘画的无穷魅力。
评分我最近在翻阅一本关于中国古代绘画理论的著作，虽然书名看起来颇为宏大，但深入阅读后，才发现其中蕴含的精妙之处远超想象。它不仅仅是罗列历代画论家的名号和观点，更重要的是，它将这些理论置于具体的历史语境下进行考察，展现了不同时代社会思潮、哲学观念、审美取向如何深刻地影响了绘画理论的形成与演变。我尤其被书中所描绘的“神似”与“形似”的长期辩论所吸引，作者并没有简单地将两者对立起来，而是细致地梳理了历代学者是如何理解、阐释和调和这一对概念的。从顾恺之的“以形写神”，到宗炳的“卧游”，再到苏轼强调的“意”，每一个理论的提出都伴随着当时的时代背景和现实需求。例如，在文人士大夫阶层兴起后，绘画的功用和意义发生了转变，从最初的记录现实、宣扬教化，逐渐转向了抒发个人情怀、寄托精神世界，这一转变也直接体现在了绘画理论的重心从“形似”向“意境”的偏移上。书中对不同画派的理论贡献也做了深入剖析，山水画、花鸟画、人物画等各自在理论发展过程中呈现出不同的侧重点和演进路径，这些细节的呈现，让读者能够更清晰地认识到中国古代绘画理论是一个丰富而多元的体系，而非单一的教条。作者在叙述中，也常常穿插对具体画作的解读，以此来印证和说明理论的实际应用，这种理论与实践相结合的叙述方式，极大地增强了本书的可读性和说服力。读完这本书，我对中国古代绘画的理解不再停留在表面的色彩和构图，而是能够深入到其背后所承载的哲学思想和审美追求，这种认识上的提升，让我受益匪浅。
评分葛路老师写中国绘画历史很有料，思路清晰，语言简练，有实有据，即使非专业学生读来也通畅。
评分薄薄一本，挺精华的。中国古代画论史入门。
评分全是精华
评分很薄的小册子 启发了一代人
评分全是精华
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