著作权法

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出版者:北京大学出版社 作者:崔国斌 出品人: 页数:914 译者: 出版时间:2014-9-1 价格:CNY 99.00 装帧:平装 isbn号码:9787301248355 丛书系列:
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具体描述

《光影流转:电影艺术的百年变迁与未来趋势》 书籍简介 本书以宏大而细致的笔触,系统梳理了自十九世纪末电影诞生至今,横跨百余年的光影艺术演进历程。它并非一部单纯的电影史编年录,而是一部深入剖析电影作为一种独特艺术媒介,如何在技术革新、社会思潮与文化碰撞中,不断自我革新、拓展边界的深度研究。 第一部分:默片的黄金时代与古典好莱坞的构建 本书从卢米埃尔兄弟的“活动影戏”说起,细致描绘了电影从马戏团的奇观,一步步蜕变为叙事艺术的艰难过程。重点剖析了乔治·梅里爱对魔术与奇观的运用,以及爱德森公司在技术标准化方面所做的努力。 随后,我们将目光聚焦于默片时期的巅峰——那个由光影、肢体语言和字幕共同构建的纯粹叙事世界。鲁宾·梅尔切斯特、格里菲斯等先驱者如何确立了蒙太奇理论(包括拼贴式蒙太奇、吸引式蒙太奇等),并初步完成了电影语言的语法构建。我们详细探讨了德国表现主义电影如何利用夸张的布景和光影,表达战后欧洲的集体焦虑与精神错乱,分析了魏玛时期对现代主义思潮的深刻反思。 本部分的高潮在于对“古典好莱坞体系”的解构。二十世纪二三十年代,在米高梅、派拉蒙等“五大制片厂”的运作下,明星制、制片人中心制以及类型片的成熟,共同构筑了一个高效、稳定且具有强大商业影响力的电影工业模式。书中通过对《大都会》、《战舰波将金号》、《日出》等里程碑作品的案例分析,揭示了早期电影美学如何服务于工业化生产,并初步形成了观众对“电影感”的集体认知。 第二部分:有声时代的冲击与世界电影的觉醒 有声电影的出现,被视为电影史上第一次颠覆性的技术革命。本书详尽考察了《爵士乐歌唱家》问世后,电影工业所经历的阵痛与转型。声音的加入,一方面极大地丰富了叙事层次,另一方面也使得默片时期依赖视觉张力的表达方式受到挑战。我们分析了如何平衡对白、音乐与画面的关系,以及这种转变如何影响了演员的表演风格。 在战后东西方格局剧变的背景下,世界范围内的电影创作出现了强烈的反思浪潮。 欧洲新浪潮的先声: 意大利新现实主义的“弃用布景,走上街头”的创作理念,是对二战后社会现实的直接回应。书中细致比较了罗西里尼、德西卡等人的作品,阐释了他们如何用近乎纪录片的真实感,重建人与环境、人与历史的复杂关系。 法国的革命性探索: 聚焦于“法国新浪潮”(Nouvelle Vague)。这不是一次简单的风格更迭,而是一场关于“作者论”(Auteur Theory)的理论运动。特吕弗、戈达尔、夏布洛等影评人转变为导演,他们质疑传统叙事规范,大胆运用跳切、手持摄影、即兴表演,将主观感受和哲学思考直接嵌入电影本体。本书将这些探索置于存在主义哲学思潮的背景下进行解读。 亚洲电影的勃兴: 我们将重点关注日本电影的“黄金年代”。黑泽明的史诗叙事与对人性的深刻洞察,小津安二郎对家庭日常的“物哀”式凝视,以及沟口健二对传统女性命运的关怀,共同构成了对世界电影语言的独特贡献。 第三部分:新好莱坞、类型片的解构与视觉奇观的崛起 二十世纪六七十年代,老派的制片厂制度衰落,一批受欧洲新浪潮熏陶的年轻导演(如科波拉、斯皮尔伯格、马丁·斯科塞斯)登上历史舞台,开启了“新好莱坞”时代。他们带着对电影史的熟稔和对美国社会弊病的批判精神,开始解构古典叙事,创作出充满道德模糊性和个人英雄主义的复杂作品。 本书深入分析了类型片(如西部片、黑帮片)在新浪潮导演手中如何被颠覆和重塑,探讨了他们如何将个人化的叙事风格融入商业制作。 随后,我们将视线投向技术驱动的电影革命。从乔治·卢卡斯和史蒂文·斯皮尔伯格对特效的痴迷,到詹姆斯·卡梅隆对数字技术的不断挑战,本书详细梳理了好莱坞如何逐渐从叙事主导转向视觉奇观主导的过程。重点剖析了CGI技术(计算机生成图像)对叙事边界的拓展,以及由此引发的关于“真实性”与“人造景观”的艺术争论。 第四部分:全球化、数字革命与未来的光影形态 进入新世纪,电影艺术面临着前所未有的挑战与机遇:数字摄影的普及、发行渠道的多元化(流媒体的崛起),以及全球化背景下的文化交融。 本书探讨了诸如侯孝贤、是枝裕和等当代亚洲导演如何继承并发展了早期亚洲电影的克制美学,在当代语境下探讨身份认同、记忆和疏离感。同时,我们也审视了独立电影运动在数字工具降低门槛后,如何实现爆炸性的内容爆发。 最后,本书展望了电影作为一种艺术形态的未来走向。在虚拟现实(VR)、增强现实(AR)以及沉浸式叙事技术不断发展的今天,电影的“框景”概念正在被打破。我们将讨论这些新技术如何影响观众的参与方式和导演的表达媒介,并对“电影的终结”与“新媒介的诞生”等宏大命题进行深入思辨。 总结: 《光影流转》是一部旨在帮助读者穿越电影艺术的百年迷宫,理解其技术基石、美学理论和文化影响的综合性读物。它强调电影不仅仅是娱乐,更是一种记录时代精神、探索人类情感极限的强大而多变的艺术语言。通过对经典作品的剖析和对前沿趋势的关注,本书提供了一个全面而深刻的视角,用以审视光影艺术永无止境的自我演化之旅。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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说实话,我原本以为这会是一本读起来会让人昏昏欲睡的专业书籍,但事实证明我完全错了。这本书最让我惊喜的地方在于它的“烟火气”。作者没有停留在高深的理论殿堂,而是非常接地气地处理了许多现实生活中大家都会遇到的困惑。举个例子,关于社交媒体上的二次创作和“梗图”的法律边界,书里给出了非常细致的推演和操作建议。那种感觉就像是请了一位顶级的法律顾问在你身边,手把手教你如何在不触碰红线的前提下,尽情享受创作的乐趣。文笔上,它采用了非常少见的对话式叙述,像是老朋友间的娓娓道来,使得阅读过程充满了探索的乐趣。我甚至在咖啡馆里读得入了迷,以至于差点错过了我的约会。如果非要挑一个不完美的地方,那就是某些关于特定国家法律对比的部分,信息量略显密集,需要反复阅读才能完全消化。但瑕疵不掩瑜,它成功地将一本严肃的法律读物,变成了一场酣畅淋漓的思维冒险。

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这是我近年来读到的,关于文化产业法律保护方面,最富有人情味的一本书。它没有强加给读者任何既定的“道德”标准,而是专注于呈现不同利益相关方——从独立音乐人到大型流媒体平台——各自的立场和困境。我尤其欣赏作者在处理“公共领域”与“私有产权”的张力时所持有的中立和富有同理心的态度。比如,书中对于历史文献数字化和重新诠释的版权争议分析,既考虑了保护原作者的权益,也顾及了文化传承的必要性。文字运用上,它非常注重意境的营造,很多段落读起来像散文,充满了对“美”和“独创性”的赞颂,让人在学习法律条文的同时,也能感受到艺术创作的珍贵。每一次翻阅,都能发现一些新的解读角度,特别是那些关于“默示许可”的微妙之处,处理得极其细腻,让那些模糊地带的操作有了清晰的参照系。这本书就像一面镜子,照见了数字时代文化消费的复杂人性。

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这本书给我的冲击是结构性的,它颠覆了我对现有法律框架的某些固有认知。我一直认为,法律是滞后的,总是跟不上科技的脚步。然而,这本书却展现了法律思想是如何主动适应并试图引导新兴技术,而不是被动反应。作者在讨论算法生成内容(AIGC)的版权归属时,所展现出的哲学思辨深度,令人叹服。这不是简单地套用旧有概念,而是对“创造性劳动”这一核心概念进行了深刻的重构与反思。阅读过程中,我仿佛进入了一个思想的迷宫,但每一步都有清晰的逻辑指引,最终总能找到一个令人信服的出口。语言风格上,它充满了学术的严谨性,但绝不故作高深,那些复杂的法律术语总是被恰到好处的类比和精辟的总结所包裹,如同包裹在巧克力外壳里的坚果,硬核但美味。对于那些想在未来商业布局中抢占先机的战略规划者来说,这本书提供的预判价值,远超其纸面上的价格。

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这本新书简直是为我量身定做的!我一直对知识产权的保护机制抱有浓厚的兴趣,尤其是近年来数字内容的爆炸式增长带来的新挑战。这本书的结构设计非常巧妙,它不像那些枯燥的教科书,而是通过一系列生动的案例分析,将复杂的法律条文变得清晰易懂。比如,书中对“合理使用”界限的探讨,简直是教科书级别的分析,它深入剖析了如何在技术发展的大潮中平衡创作者权益与公众获取信息的自由。作者的文字功力深厚,行文流畅自然,即便是初次接触相关法律概念的读者,也能迅速抓住重点。我特别欣赏其中关于国际著作权条约演变的那一部分,它不仅仅是罗列了条文,而是将法律置于全球化的历史背景下进行考察,让读者能体会到这部法律背后的国际政治与文化博弈。这本书的深度和广度都超出了我的预期,我强烈推荐给所有从事创意产业、互联网技术开发,乃至仅仅是对文化产品价值保有敬畏之心的朋友们。它提供的视角非常前瞻,读完后,我对如何在全球数字生态中维护自身的合法权益,都有了更清晰的认识。

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我是一个痴迷于电影制作的业余爱好者,我买这本书的初衷是想弄清楚电影改编权的复杂纠葛。这本书没有让我失望,它在影视、音乐和文学作品交叉领域的论述,精准且有力。它不像很多法律书籍那样干巴巴地堆砌法条,而是将法律条文作为工具,去解构现实中那些错综复杂的商业纠纷。我尤其喜欢它对“署名权”这一精神权利的探讨,作者将其提升到了关乎艺术家尊严的高度,这点让我深有感触。在叙事结构上,它采用了多线索并行推进的方式,时而聚焦宏观的立法趋势,时而切入微观的合同条款细节,这种节奏的切换把握得恰到好处,使得阅读体验跌宕起伏,绝无冷场。这本书的论证逻辑非常清晰,犹如一套精密的钟表,每一个齿轮都咬合得天衣无缝,让人不得不佩服作者对材料的驾驭能力。读完后,我对如何构建一个更公平、更可持续的创意产业生态系统,有了一种全新的、更加坚定的信念。

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理论与实务

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理论与实务

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毕业论文参考书,研究生阶段的著作权理论观点主要来自这本书,以表感谢。

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夯实基础不可不读

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Expression:以保护作品独占权为手段,唤起更多的接触和利用作品的机会;参与创作 = 智力投入(主) + 资本投入(辅)。