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出版者:西南师范大学出版社

作者:吴培秀

出品人:

页数:135

译者:

出版时间:2006-8

价格:58.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787562136750

丛书系列:

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装饰画：光影、色彩与肌理的诗篇 在纷繁的世界里，寻找那份宁静与灵动，捕捉稍纵即逝的美好。 《装饰画》并非一本关于装帧技艺或绘画模板的指导手册，它更像是一场穿越时空的视觉盛宴，一次深入心灵的情感共鸣。这本书，将带您走进一个由光影、色彩与肌理编织而成的奇妙国度，在那里，平凡的物体焕发新生，日常的场景被赋予诗意的表达。它所呈现的，是艺术家们如何运用极致的观察力与细腻的情感，将眼中所见、心中所感，转化为一幅幅触动人心的画作，它们或静谧，或奔放，或神秘，或温暖，共同谱写着属于装饰画的独特乐章。 光影的雕琢：塑造空间的呼吸感 光，是所有色彩的源头，也是形态的塑造者。《装饰画》深入剖析了光影在画面构成中的核心作用。它不仅仅是明暗的对比，更是空间深度与体积感的营造者。书中通过对大量经典装饰画作品的解读，展示了艺术家们如何精准地捕捉光线的方向、强度与质感。无论是窗边洒落的一缕温暖阳光，还是月光下朦胧的剪影，抑或是舞台上戏剧性的光束，都被赋予了生命。 您将看到，光线如何在物体的表面流转，勾勒出精致的轮廓，留下微妙的阴影，从而赋予画面一种呼吸般的立体感。例如，一幅描绘静物的画作，艺术家可能通过强化高光与暗部的对比，让水果的饱满光泽，或是金属器皿的冷峻质感跃然纸上。又或者，在风景画中，斜阳投下的长长影子，不仅界定了地平线，更渲染出一种宁静而辽远的氛围。本书将引导您去理解，那些看似不经意的光影处理，背后蕴含着艺术家对空间、对形体的深刻洞察，以及对观众视觉感受的巧妙引导。它教导的不是如何“画”光，而是如何“感受”光，如何将光的语言融入到画面之中，让观者仿佛能触摸到那流动的光线，感受到空间的起伏与韵律。 色彩的交响：传递情感的语言 色彩，是情感最直接的表达。《装饰画》将带您领略色彩世界的无限魅力，认识到色彩不仅具有装饰作用，更是传递情绪、营造氛围的强大媒介。本书精心挑选了不同时代、不同风格的装饰画作品，从印象派画家对光与色的微妙捕捉，到野兽派艺术家大胆的色彩运用，再到东方绘画中沉静而富有禅意的色彩哲学，为您展现了色彩的千姿百态。 您将学习到，艺术家如何运用色彩的纯度、明度、饱和度来表达内心的喜悦、忧伤、宁静或激昂。例如，一幅描绘夏日午后的画作，画家可能会用鲜艳的黄、橙、绿来展现蓬勃的生机与热烈的阳光；而一幅描绘冬日夜晚的风景，则可能运用深邃的蓝、灰、紫，辅以微弱的白色点缀，营造出一种冰冷而肃穆的意境。本书还会探讨色彩的搭配原理，冷暖色的对比与和谐，互补色的碰撞与融合，以及单色系所能传达的独特韵味。更重要的是，它将引导您去理解，色彩的背后，往往蕴含着艺术家个人的审美取向、文化背景，甚至是时代精神。通过解读这些色彩的“语言”，您可以更深层次地理解作品所要传达的情感与思想，甚至可以从中获得启发，去创造属于您自己的色彩世界。 肌理的触感：赋予画面生命力 肌理，是画面触觉的延伸，是赋予二维平面以三维质感的关键。《装饰画》强调了肌理在增强画面表现力方面的重要性，它能让观者在视觉的同时，仿佛也能感受到物体的粗糙、光滑、细腻或厚重。本书将展示艺术家们如何通过不同的绘画技法和材料，创造出丰富多样的肌理效果。 例如，厚涂法（Impasto）可以展现颜料堆叠的立体感，模拟画布的纹理，或是表现出岩石的粗犷、泥土的厚实。而刮刀、刷子、海绵等工具的不同运用，都能在画面上留下独特的痕迹，形成毛绒、涟漪、甚至抽象的图案。一些艺术家甚至会在颜料中加入沙子、纸屑、或是其他物质，来创造出更加意想不到的肌理效果，赋予画面一种原始而粗犷的美感。本书还将探讨，肌理与光影、色彩的互动关系。粗糙的表面如何散射光线，形成柔和的明暗过渡；光滑的表面又如何反射光线，产生耀眼的高光。通过对这些肌理表现手法的深入剖析，您将认识到，肌理不仅仅是技术层面的追求，更是艺术家赋予画面生命力、使其更具感染力的重要手段。它鼓励您去“触摸”画面，去感受那些隐藏在色彩与线条之下的物质质感，从而更全面地欣赏艺术作品的魅力。 从微观到宏观：装饰画中的世界 《装饰画》所呈现的世界，并非局限于对具体物体的写实描绘，它更注重整体的氛围营造与情感的表达。本书将带领您进入一个更加广阔的视野，去理解装饰画如何从微观的细节中提炼出普遍的美学规律，又如何将这些规律应用于宏观的画面构图与整体风格之中。 您将看到，一朵花的细微脉络，被放大并加以变形，成为一幅图案的核心；一片叶子的边缘，被抽象化，成为连接色彩与结构的桥梁。艺术家们并非简单地复制自然，而是对自然元素进行提炼、简化、变形与重组，使其更符合画面整体的节奏与韵律。这种对细节的关注与升华，使得装饰画中的每一个元素，无论是植物的藤蔓、动物的纹理，还是建筑的线条，都仿佛被赋予了生命，它们相互呼应，共同构建出和谐而富有张力的画面。 更进一步，《装饰画》还会探讨艺术家如何从生活中汲取灵感，将那些日常的、平凡的景象，通过独特的视角与表现手法，转化为具有装饰性的艺术语言。一束光线穿过窗户的轨迹，一滴水珠落入水面的涟漪，甚至是云朵变幻的形态，都可能成为艺术家创作的起点。本书所展现的，是一种超越简单模仿的艺术创作理念——它强调的是艺术家对世界的感受力，对美的感知力，以及将这些内在体验转化为视觉语言的能力。它鼓励读者去发现生活中的美，去留意那些被忽略的细节，去感受那些流动的光影与色彩，并尝试用自己的方式去表达。 跨越时空的对话：不同文化下的装饰画 《装饰画》并非囿于一隅，它更是一次跨越时空的文化对话。本书将带领您感受世界各地不同文化背景下，装饰画所展现出的独特魅力与审美情趣。从古埃及壁画中象征性的符号与鲜明的色彩，到古希腊陶瓶画中流畅的线条与神话故事的描绘；从伊斯兰艺术中精美绝伦的几何图案与植物纹样，到中国传统绘画中对意境的追求与水墨的写意；从日本浮世绘的鲜明色彩与平面化处理，到欧洲新艺术运动中流畅的曲线与自然元素的融合…… 您将看到，尽管文化背景、宗教信仰、历史演变各不相同，但装饰画作为一种艺术形式，却始终承载着人类对美好事物的追求，对自然的敬畏，以及对精神世界的探索。本书通过对不同地域、不同时期装饰画作品的赏析，揭示了不同文化在色彩运用、构图方式、题材选择等方面的差异与共性。它会让您意识到，艺术的语言是普遍的，而装饰画，作为一种直观而富有表现力的艺术形式，能够有效地跨越语言的障碍，直接触动观者的心灵。通过这场文化之旅，您不仅能够拓宽艺术视野，更能深刻理解不同文明之间的联系与影响，体会到人类共同的审美情感。 结语 《装饰画》不是一本教你如何“复制”的作品集，也不是一本教你如何“技巧性”绘画的指南。它是一扇窗，透过它，您可以看见艺术家们如何用眼睛去“听”光影的声音，用心灵去“读”色彩的语言，用双手去“触摸”肌理的灵魂。它是一次邀请，邀请您一同走进一个充满诗意与想象的视觉世界，去感受那些被赋予生命力的画面，去体验那些超越言语的情感共鸣。 这本书，希望能够激发您内心深处的艺术感知，让您在日常生活中，也能发现那些不被注意的美丽，并尝试用自己的方式，去捕捉、去表达，去创造属于您自己的“装饰画”。它所呈现的，是一份对美的执着，一份对生活的热爱，一份对内心世界的真诚探索。愿您在这本书的陪伴下，开启一段与光影、色彩、肌理的奇妙邂逅，找到属于您的那份宁静与灵动。

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这本书的知识密度大得惊人，但行文却保持了一种令人赞叹的克制和优雅。它没有使用过多晦涩难懂的专业术语来炫耀学识，相反，作者似乎非常注重如何将深奥的艺术理论转化为普通读者也能理解的、具有画面感的语言。我最欣赏的是它对“流动性”的把握。装饰艺术往往被认为是静止的、被固定的，但《装饰绘画》通过对水波纹、火焰图样、以及自然界中藤蔓生长的分析，揭示了装饰图案内在的生命力与动态变化。书中专门用了几页篇幅来比较不同文化中对“蛇形”图案的运用，从古希腊的缠绕到凯尔特人的结饰，展现了同一个自然意象如何被不同的文化滤镜重塑出截然不同的寓意——有时是智慧的象征，有时是混乱的代表。阅读这些对比，就像在进行一次跨文化的思维体操，它迫使我的大脑去建立新的连接。这本书并非那种读完可以炫耀的快餐读物，它更像是工具箱里的一把瑞士军刀，每一次翻阅都会在不经意间提供一把精确的、解决特定视觉困惑的小工具。

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对于我这种偏爱现代主义极简风格的人来说，《装饰绘画》无疑是一次对固有审美的巨大冲击。我原本认为，真正的美感来源于“去除冗余”，是“少即是多”的胜利。然而，这本书如同一个强大的辩护律师，为那些曾经被视为“过度”和“矫饰”的艺术形式进行了有力的辩护。它并没有简单地赞美那些繁复的洛可可曲线或者巴洛克式的镀金装饰，而是深入剖析了在特定的历史时期，这些极尽奢华的装饰是如何满足当时社会阶层对身份、权力以及情感表达的刚性需求。作者的观点是，装饰的价值不在于它是否“简洁”，而在于它是否“诚实”地表达了那个时代的精神气质。通过大量高清的局部放大图，我看到了那些在远观时被忽略的微小细节——那些极其复杂的曲线交织、那些精心设计的阴影和高光——它们共同构筑了一个宏大的叙事。这本书让我开始重新审视我一直以来坚持的“去装饰化”的理念，它并非是终点，而只是漫长艺术演变中的一个小小分支。

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这本《装饰绘画》的装帧设计简直是视觉的盛宴，厚实的铜版纸触感温润，色彩的还原度高得惊人，仿佛能透过纸张感受到颜料的肌理。我原本以为这会是一本偏向于技法讲解的工具书，毕竟“绘画”二字就带着一丝学院派的严肃，但翻开后才发现，它更像是一部移动的、活生生的艺术史诗。书中的案例选取非常独到，从古罗马壁画的细腻笔触到拜占庭马赛克的璀璨斑斓，再到洛可可时期那种轻盈、充满柔媚感的室内装饰，每一页都像是一扇通往不同时代美学殿堂的窗户。我尤其欣赏作者在选取案例时，对“功能性”与“审美性”之间平衡的探讨。装饰画从来不只是孤立的美化，它是空间、文化、生活方式的载体。书中对于不同文化背景下装饰母题的演变进行了深入的剖析，比如东方美学中对“留白”的推崇如何影响了屏风和隔断的设计，与西方巴洛克时期追求的“满溢”和“戏剧性”形成了鲜明的对比。读完这些章节，我对于如何在一个现代空间中融入恰到好处的装饰元素，有了全新的、更具历史深度的理解。它不是教你如何“画”，而是教你如何“看”和“思”装饰背后的文化逻辑。

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我得承认，刚拿到这本《装饰绘画》时，内心是有些许保留的。我期待的是那种能迅速提升操作层面的指南，比如如何调配出最完美的金色或者掌握那种特定的晕染技巧。然而，这本书似乎完全不在乎这些“小伎俩”。它的视角宏大得令人敬畏，与其说它是一本绘画教程，不如说它是一部关于“空间叙事”的哲学著作。内容中大量篇幅聚焦于装饰动机的心理学根源——为什么人类需要用图案和色彩来界定和美化自己的居住环境？作者引用了大量的社会学和人类学的观点来佐证，比如原始部落的图腾如何演变成后来的宗教纹样，以及工业革命后，批量生产的廉价装饰如何反噬了人们对“手工之美”的渴望。这种深挖本质的做法，使得阅读过程充满了智力上的挑战，但也带来了巨大的启发。它让我意识到，那些看似简单的花边、卷草纹或几何图案，背后都凝结着几代人的集体潜意识和对秩序的追求。对于那些想从表面现象探究事物深层规律的读者来说，这本书无疑是一剂猛药，它会让你停下手中的画笔，转而思考：我到底在为谁的眼睛绘制这些图案？

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说实话，我花了很长时间才完全进入《装饰绘画》的节奏，因为它采取了一种非常非线性的叙事方式。它没有按照时间顺序或者风格流派进行严格的划分，反而更像是一场由主题串联起来的巡回展览。比如，有一章专门讨论“对称与秩序的美学”，从埃及神庙的轴线布局跳跃到维多利亚时期壁纸的重复单元，再到包豪斯设计中的功能性几何结构，虽然跨越千年，但内在的逻辑却被作者用一种极其精妙的文笔无缝衔接了起来。这种跳跃式的结构，一开始让我有些手足无措，总感觉在寻找一个清晰的导航图，但一旦适应了这种思维的“漫步”方式，你会发现它极大地拓展了你的联想空间。它鼓励你在不同的历史碎片中寻找共通的语言。特别是其中关于“材质的诗意”那一章节，作者对不同装饰材料——从矿物颜料到植物染料，再到现代合成材料——在光线下表现出的微妙差异的描摹，细腻入微，几乎能让人闻到空气中旧木材和灰泥的味道。这本书，真的需要静下心来，像品一壶陈年的老茶一样，慢慢去体会。

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