荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:陈之佛

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:1991-1

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787500300946

丛书系列:

图书标签:

• 陈之佛
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好的，这是一份关于一本名为《宋代瓷器鉴赏与收藏指南》的图书简介，内容详实，旨在提供深入的学术视角和实用的收藏建议，力求展现专业性和人文关怀，避免任何人工智能痕迹。 --- 《宋代瓷器鉴赏与收藏指南》 一、绪论：千年一瞬的瓷韵流光 宋代（960年—1279年），是中国陶瓷艺术发展史上的一个高峰，被誉为“中国陶瓷的黄金时代”。彼时的瓷器，不再仅仅是日常的器皿，而是士大夫阶层审美情趣与哲学思想的物质载体。它们以素雅、内敛、追求釉色与造型的自然天成，构筑了一种超越实用性的艺术境界。 《宋代瓷器鉴赏与收藏指南》的问世，旨在系统梳理这一时期五大名窑（汝、官、哥、定、钧）及其他重要窑口（如耀州、龙泉、磁州等）的艺术成就、技术演变与市场价值。本书不仅是一部技术手册，更是一部穿越时空、触摸历史温度的文化之旅。我们深入探究宋人“尚简、重雅”的审美哲学，如何渗透到每一件釉色的微妙变化和器型结构的细微之处。 二、卷一：五大名窑的形制与精神溯源 本卷聚焦于宋瓷的巅峰代表——汝、官、哥、定、钧，详细解析其独特的“身份特征”与历史背景。 1. 汝窑：雨过天青的极致追求 汝窑，传世极少，被誉为“宋代之冠”。本书将细致剖析其标志性的“天青色”，这种颜色并非简单的蓝色调，而是融合了铁、钛等多种元素在特定还原气氛下烧制出的、带有微弱乳光和绸缎般质感的色彩。我们将结合考古发现，重点研究其支钉的形态（芝麻钉）与器物底部特有的“香灰胎”，并对比分析不同时期窑址出土的残片，以期还原其“雨过天青云破处”的烧制工艺秘密。书中收录了大量高清对比图谱，辨析真伪标准中的“蟹爪纹”与“冰裂纹”的细微差别。 2. 官窑与哥窑：紫口铁足的时代印记 官窑（主要指北宋晚期设立的内府窑）与哥窑的烧制工艺存在诸多交叉与争议。本书通过对台北故宫博物院、上海博物馆等重要收藏机构的藏品进行比较研究，梳理了官窑“重釉不重饰”的特点，强调其釉层厚而不流，开片自然形成的“金丝铁线”。对于哥窑，我们将侧重于解读其开片形成机理（釉料热膨胀系数差异），并深入探讨“紫口铁足”现象的成因，即在素烧后的垫圈或支钉处，因铁元素析出和釉层稀薄化而呈现的深色边缘，这是区别于仿品的关键技法。 3. 定窑：“泪痕”与“覆烧”的艺术 定窑的精妙在于其精细的化妆土和超凡的刻花、划花技艺。本书详细介绍了定窑的“覆烧法”——将器物倒扣在匣钵内烧制，这使得其口沿往往无釉或少釉，形成独特的“白口”。我们对定窑特有的“泪痕”（釉水流淌的痕迹）和精美的印花纹饰进行专题分析，阐释其如何在南北两宋的审美变迁中，从初期的浅浮雕转向后期的密集的刻花，并探讨其对元明青白瓷审美的深远影响。 4. 钧窑：入窑一色，出窑万彩的窑变奇迹 钧窑以其变幻莫测的釉色闻名。本卷将深入浅出地解释钧瓷“窑变”的科学原理——釉中含有磷酸盐等特定矿物，在高温中受气氛影响，析出结晶而形成紫、红、蓝等斑块。书中图谱重点展示了“蚯蚓走泥纹”（器物底部在垫圈上留下的痕迹）与“灯盏型”支座的特征，并提供了鉴定宋代钧窑与明清仿钧瓷在釉面光泽、气泡大小和色彩分布上的直观对比方法。 三、卷二：非主流窑口的独特光芒与收藏策略 宋瓷的精彩远不止于五大名窑。本卷致力于发掘其他地方窑口的艺术价值，并提供面向藏家的实用建议。 1. 耀州窑与磁州窑：世俗生活的镜像 耀州窑（以铜川黄堡镇为中心），其青釉刻花工艺达到了极高的水平，尤其对莲瓣纹、婴戏纹的刻划，线条流畅有力，具有明显的北方雄浑之气。本书将对比唐代黄堡镇窑与宋代耀州窑在刻花深度和釉色上的演变。 磁州窑：作为当时产量最大、最贴近民间生活的瓷窑，磁州窑以白地黑花最为著名。我们分析了其装饰技法的多样性（剔花、化妆土写花、铁锈花），并阐释了这些带有民间故事和世俗情趣的图案，如何成为研究宋代社会文化的重要窗口。 2. 龙泉窑：从青瓷到梅子青的色阶谱 龙泉窑以其厚釉青瓷闻名海内外。本卷重点梳理了龙泉窑釉色的发展序列，从北宋的粉青过渡到南宋的梅子青和灰青。我们将详细解析“梅子青”的产生需要极高的还原气氛控制，并强调收藏龙泉瓷时，必须关注其造型的端庄大气和釉面如玉的质感，辨别其与元代青瓷在器型上的细微区别。 3. 收藏的艺术：真伪辨识与市场脉络 本部分是本书的实践核心。我们提供了一套多维度的鉴别体系： 胎质与釉面分析： 针对不同窑口的胎土含铁量、颗粒度及釉面结构进行细致入微的探讨，例如定窑的“贼光”与汝窑的“酥光”的区别。 时代特征与纹饰语汇： 梳理宋代主流纹饰（如折枝花卉、宝相花、婴戏）在不同窑口的应用习惯和风格演变，揭示纹饰背后的文化语境。 市场趋势与风险规避： 结合近二十年的拍卖数据和重要出土报告，分析宋瓷市场的稳定性和风险点，为初级和资深藏家提供理性投资的参考框架，特别警示高仿品在工艺上的“过火”与“不足”。 四、结语：审美永恒的价值 宋代瓷器代表了一种对“物哀之美”的极致追求，它们朴素、含蓄，却蕴含着深沉的力量。研习宋瓷，不仅是掌握一项收藏技能，更是对一种高雅生活态度的致敬。本书期望能成为每一位热爱中国古典艺术的同仁，案头必备的、能够共同探讨和深入学习的参考典籍。 ---

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我接触国画有一段时间了，市面上关于技法讲解的书籍浩如烟海，但大多都是理论堆砌，实操性不强，或者就是只注重某一个朝代或画种的片面介绍。然而，这套书的价值在于它的广博和纯粹。它像一个巨大的艺术宝库，网罗了不同时期、不同流派的精品。当我遇到创作瓶颈时，我常常会翻阅这些大师的作品，不是去模仿他们的笔触，而是去感受他们是如何处理复杂题材的结构布局。比如，有些山水画的层次感处理得极其高明，近景的皴法、中景的渲染、远景的留白，构成了一幅立体的空间感。这比任何枯燥的讲解都来得直接有效。它让我明白，真正的艺术是融会贯通的，不能拘泥于一格。每一次翻阅，都能发现新的细节，就像和古人进行了一场跨越时空的对话。

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对于收藏者而言，这套书的文献价值是毋庸置疑的。在数字化时代，能够拥有一套如此精美、印刷质量如此上乘的实体画谱，本身就是一种收藏的乐趣。它的装帧和用纸标准，都体现了对原作的尊重。我特别关注的是它对历史版本和钤印的保留程度，这在很多现代影印本中是缺失的。通过比对不同时期的作品，可以清晰地感受到艺术史的脉络和风格的流变。我不是专业研究美术史的学者，但仅仅通过这些直观的图像对比，我都能感受到那种历史的厚重感。它让学习不再是简单的技法模仿，而成为了一场与历史长河的对话，充满了探索的乐趣和对文化传承的敬畏之心。这绝对是书架上不可或缺的一份珍藏。

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这套书的装帧简直是艺术品，拿在手里沉甸甸的，那种纸张的质感，微微泛黄的色调，仿佛能嗅到墨香和岁月的痕迹。我特别喜欢那种传统的手工装订方式，每一页的折痕都透着匠心。光是翻阅这本册子，就已经是一种享受了。我通常会在一个安静的午后，泡上一壶清茶，然后慢慢地、仔细地欣赏里面的每一幅作品。那些线条的力度，墨色的浓淡变化，简直是教科书级别的示范。很多时候，我只是盯着其中一笔一画看很久，试图去理解画家当时的心境和运笔的微妙之处。对于一个刚入门的爱好者来说，这本书提供的不仅仅是图像，更是一种审美启蒙，让我对中国画的“气韵生动”有了更直观的认识。它里面的排版也很有讲究，留白的处理恰到好处，衬托出主体画面的意境深远。

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说实话，我原本对这种“画谱”类的书籍抱有一定的保留态度，总觉得它们可能只是名家作品的简单汇编，缺乏深入的解读和研究价值。但当我真正开始使用它的时候，我的看法彻底改变了。它更像是一套精心编纂的视觉词典。里面的题材非常丰富，从花鸟鱼虫到山水人物，几乎涵盖了中国画的主要门类。最让我感到惊喜的是，某些卷册中对一些经典题材的变体和演化都有所体现，这对于我进行自己的创作构思非常有启发性。比如，研究不同画家处理同一棵松树时，如何通过枝干的虬曲和苔点的分布来表现其生命力，这比看一篇论文更有说服力。它不是告诉我“应该”怎么画，而是直观地展示了“可以”怎么画，给了我极大的自由度去探索自己的风格。

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我不是科班出身的画家，更多的是把绘画当作一种修身养性的方式。过去买了很多速成的教程，结果发现自己的作品总是缺乏“神采”。这本书的出现，让我对“神采”有了更深的理解——它源于对生活和自然的敏锐观察，而这些大师的作品就是最好的观察范本。我特别喜欢其中几册关于工笔花卉的部分，那些对花瓣脉络和昆虫翅膀的描绘，细致到令人发指，但又绝不呆板，反而充满了生机。通过临摹这些细节，我开始注意观察我周围世界里的细微之处，比如阳光下叶子的透明感，或者水滴在花瓣上的光影效果。这本书像一面镜子，映照出我观察力的不足，也激励我不断提升对美的感知能力。它的价值，已经超越了一本绘画工具书的范畴，变成了一种生活态度的引导。

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画面构图非常密集，颜色鲜艳，搭配起来几乎没有禁忌，各种搭。南京博物院的陈之佛展厅里就有吐槽过他的这种毛病。

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童年回忆。时代大师。

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