荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋出版社

作者:吴作人

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:1991-12

价格:14.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787500301264

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 传统绘画
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• 绘画入门

《中国古代书画鉴赏辞典》 编纂者按： 本书旨在为广大文物爱好者、艺术史研究者以及书画收藏人士提供一部全面、系统、深入的中国古代书画鉴赏指南。我们深知，中国书画艺术源远流长，脉络繁复，精品浩瀚，一部词典式的工具书，必须以严谨的学术态度、清晰的条目划分和详实的资料支撑，方能真正发挥其实用价值。本书并非简单地罗列艺术家名录或作品清单，而是着重于构建一个多维度的鉴赏知识体系，帮助读者洞察不同历史时期书画风格的演变规律、技法特征及其背后的文化意蕴。 内容结构与特点： 本书内容涵盖了自新石器时代晚期陶器上的简单图画符号，直至清末民初的近现代书画交替阶段，重点聚焦于魏晋南北朝至明清的成熟期。全书结构严谨，主要分为三大核心板块： 第一部分：基础术语与材料工艺释义 此部分是理解中国书画鉴赏的基石。我们详尽解释了数以千计的专业术语，力求准确无误。 笔法技艺类： 细致区分“皴法”的种类（如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等）及其在不同山水画流派中的应用差异；阐述“点染”、“泼墨”、“积墨”等墨法在层次构建中的作用；对书法中的“永字八法”、“藏锋”、“出锋”、“侧锋”等关键概念进行了图解式的剖析。 设色与材料类： 系统梳理了中国画颜料的来源、制作与演变，如石青、石绿的矿物学基础，朱砂、铅粉的古代使用情况，以及“汁绿”、“靛蓝”的调配技巧。对绢、纸的材质特性（如宣纸的洇化性、绫罗的吸墨性）如何影响笔墨效果进行了深入探讨。 款识与印鉴类： 详细解析了历代文人、书画家落款的格式演变、纪年方式，并收入了大量具有代表性的鉴藏印、斋号印的拓片和辨伪要点。尤其对清代中后期官窑印章、名人鉴藏印的特征进行了细致比对。 第二部分：朝代风格流变与重要流派解析 本部分是本书的核心，旨在梳理中国书画艺术史的清晰脉络，避免将不同时代的美学标准混为一谈。 魏晋风骨： 重点分析了顾恺之、陆探微等早期人物画的“骨法用笔”，探讨其如何将哲学思辨融入线条的力度与气韵之中，以及曹衣带水、吴带当风等审美范式的形成。 唐代气象： 划分了盛唐（如李思训的金碧山水，吴道子的“吴带当风”）与晚唐（如周昉的仕女画）的风格差异，分析了唐代佛教艺术（壁画、经变画）对世俗绘画的影响与融合。 宋元转折： 这是鉴赏的重中之重。 北宋： 详述了“院体画”的精谨与写实，如范宽的雄伟、郭熙的“可行、可望、可游、可居”的理论实践，以及苏轼倡导的“意象”观念如何影响文人画的萌芽。 南宋： 重点剖析了马远、夏圭的“边角构图”与“半幅”之法，分析了其与靖康之变后的时代心境的关联。 元代四家： 对赵孟頫的“复古主义”、黄公望的“平淡天真”、倪瓒的“疏简萧瑟”、吴镇的“雄厚古拙”进行了深入的风格廓清与代表作的技法剖析。 明清演变： 细致区分了“浙派”的雄强与“吴门画派”的秀逸；对比了董其昌提出的“南北宗论”的理论影响与实际应用；深入阐述了清代“四王”的摹古路径，以及“四僧”（石涛、八大山人）的创新精神和笔墨语言的突破性贡献。 第三部分：典型作品的鉴赏案例精析 为了帮助读者将理论应用于实践，本书精选了数百件具有里程碑意义的绘画和书法作品（不包含《荣宝斋画谱》收录的特定题材或画家集），进行局部放大与综合分析。 山水画案例： 以一幅著名的巨碑式山水画为例，系统分析其“章法”（布局）、“品格”（气韵）、“笔墨”（细节），指出其如何运用特定皴法营造空间深度，以及在设色上如何体现古人“墨分五色”的追求。 人物画案例： 选取仕女、道释、花鸟等不同题材，讲解人物画中“传神写照”的要诀，如梁楷减笔人物的心理刻画，或仇英工笔的典雅富丽所依赖的精微线条控制。 书法案例： 选取不同书体（篆、隶、楷、行、草）的典范之作，分析其“结体”的疏密变化、用笔的提按顿挫，以及墨色的干湿浓淡如何服务于书家的性情表达。例如，对颜真卿楷书的“颜筋”与怀素草书的“狂逸”进行结构上的对比解析。 学术价值与适用对象： 本书力求成为一本权威的鉴赏工具书，其严谨的考证和详尽的技法描述，使其成为艺术院校师生、博物馆策展人员、专业拍卖行鉴定师必备的参考书。对于有志于学习传统中国画的爱好者而言，本书提供的分门别类的技法解析，能够有效避免盲目模仿，帮助学习者建立正确的审美坐标和技法认知框架。我们相信，只有深入理解了历代大师的创作心境与技术密码，才能真正领略中国书画艺术的博大精深。 【编后语】 编纂历时数载，参考了近百种古代画论、碑帖、传记及现代考古报告，力求在浩如烟海的史料中梳理出清晰的脉络。本书的完成，旨在提供一个坚实的学术平台，以供后人在此基础上，继续探索中国艺术的无尽宝藏。读者在翻阅时，请时刻铭记，书画鉴赏的核心，永远在于“笔墨”与“性情”的统一。

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说实话，我一开始接触这类传统画集，心里总有些忐忑，生怕内容过于晦涩难懂，或者仅仅是堆砌名家作品而缺乏系统性梳理。然而，这部画谱却以一种近乎“润物细无声”的方式，将复杂的技法和审美情趣融入了范例之中。它没有那种居高临下的说教感，反倒是通过一系列精心挑选的、由浅入深的示例作品，引导观者自行去体会“为何如此”的创作逻辑。尤其欣赏它对于不同流派、不同时期风格的兼收并蓄，这使得它具备了一种宏大的视野。对于像我这样，试图在扎实传统基础上寻求个人突破的习画者而言，这种广博的参照系至关重要。我尤其喜欢它对某些经典主题——比如竹子的不同画法——所做的对比展示，不同的线条处理方式，呈现出的生命力和精神气质迥然不同，这极大地拓宽了我对“表现力”的理解范畴。

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这部画谱，光是捧在手里，就能感受到那种沉甸甸的历史分量。装帧设计考究，纸张的肌理感也极佳，即便是初次翻阅，也能察觉到它在装帧细节上倾注的心血。内页的印刷清晰度简直是教科书级别的示范，即便是那些极其细腻的笔触和墨色的微妙变化，也都被忠实地还原了出来，这对于我们这些热衷于临摹和研究传统绘画的爱好者来说，无疑是极大的福音。我记得有一次，我对着其中一幅写意花卉的局部反复揣摩，那浓淡干湿的层次感，那种仿佛能透过纸面嗅到墨香的韵味，完全得益于这套画谱精良的制版技术。它不仅仅是一本工具书，更像是一扇窗，让我得以窥见古代大师们对物象的独特观察角度和他们炉火纯青的笔墨掌控力。每一次翻阅，都像是一次与古人隔空对话的体验，那种精神上的滋养是其他任何形式的艺术品鉴赏都无法替代的。

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我得承认，我对艺术史和古典美学有着近乎偏执的追求，因此对于任何声称具有权威性的艺术出版物都会抱持极其审慎的态度。这部画谱，在我看来，它所承载的价值已经超越了一般的“技法参考”范畴，它更像是一部经过时间淘洗的“审美辞典”。评价它的好坏，不能仅从某一张图画是否完美入手，而要看它整体所构建的那个艺术生态系统。这里的每一幅作品，都像是一个文化符号，蕴含着特定时代背景下的哲学思考和人文关怀。它的编排逻辑非常清晰，从宏观的布局到微观的用墨焦淡，都有着内在的韵律感。我常常在研究其中关于“气韵生动”的体现时，沉浸许久，因为这些大师的作品，卖弄技巧的痕迹极少，更多的是一种自然流露的生命力。这种对“神”的追求，是这部画谱最为珍贵的馈赠。

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说句实在话，我不是那种追求“一目了然”的速成派，我更喜欢那些需要反复咀嚼、才能品出真味的宝藏。这部画谱就是这样一部作品。初次翻阅时，可能会觉得内容庞杂，信息量极大，甚至有些眼花缭乱。但只要耐下心来，从头到尾，用一种“朝圣”的心态去对待它，你会发现其内在的逻辑体系是何等的严谨和自洽。它就像一座信息密度极高的宝库，每一次深入挖掘，都能发现新的线索和理解的盲点。我最欣赏它那种对传统“文人画”精神的坚持，那种不拘泥于形似，而着力于写“意”的表达。这使得即便是几近失传的某些笔墨诀窍，也能在这些精心选取的范例中找到蛛丝马迹。它不是让你成为某位名家的复制品，而是引导你去思考，如何建立起属于你自己的、扎根于深厚传统之上的艺术语言。这是任何速成手册都无法比拟的深度和厚度。

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作为一名业余爱好者，我最看重的是作品的“实用性”与“启发性”之间的平衡点。很多画册可能侧重于“展示”，而忽略了“教学”的维度。这部画谱的精妙之处在于，它似乎预设了读者的学习路径。比如，在描绘山石皴法的部分，它不仅展示了最终完成的作品，还能隐约看到那种“落笔处即是收笔处”的果断和自信，这在其他许多画集中是很难捕捉到的细节。我尝试用它里面的某些用笔心得去实践，哪怕只是模仿其中一笔的力度和速度，都能立刻感受到自身的局限，但这恰恰是进步的动力。它没有提供僵硬的公式，而是展现了一种“可能性”——即用最精炼的笔墨去捕捉对象最本质的“神态”。每次合上书本，我总会觉得自己的心手之间，似乎又多了一丝灵犀的连接，这是一种潜移默化的提升，远比死记硬背口诀来得有效。

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