具体描述
虚谷，本姓朱，名虚白，字怀仁，安徽新安人，生于清道光四年（１８２４年）卒于光绪二十二年（１８９６年），家居江都，客居扬州，他原为清军参将（武官），因同情太平天国革命运动，不愿奉命去攻打太平军，而出家做了和尚，但他不愿恪守佛道清规。因此改名虚白，字虚谷，号紫阳山民，倦鹤，读书作画处常题为“三十七峰草堂”、“一粟庵”，“觉非庵”等，他的书斋取名“觉非”，正是他痛感往日之“非”，彻底与之决裂之意，后来在上海他曾暗地帮助太平天国。
虚谷出家后携笔带砚，云游四方，足迹遍涉大江南北的江、浙，皖三省，尤多往来于上海、苏州、扬州一带，以卖画为生。正如虚谷诗云：“闲中写出三千幅，行乞人间作饭钱。”
虚谷与当时寓居上海的名画家任伯年、胡公寿、高邕之、顾鹤逸、吴昌硕、倪墨耕等都有往来。尤与任伯年交往密切，任伯年对虚谷的人品，画艺、十分钦佩、敬慕，他曾为虚谷画过肖像，为虚谷画扇题字，虚谷对任伯年出众的艺术才华同样十分钦佩，１８９６年任伯年病世，虚谷闻讣、失声痛哭。作挽联云：“笔无常法，别出新机，君艺称极也！天夺斯人，谁能继起，吾道其衰乎？”
就在任伯年去世的同年，七十四岁的虚谷也在上海城西关庙与世长逝。
虚谷善画花卉，蔬果、禽鱼、山水、人物肖像，尤精花鸟动物，所绘金鱼、松鼠、仙鹤、花果、活泼清新，富于动感，形态简练夸张，情趣动人。
虚谷用笔很有特色，善用“战笔”、“断笔”，中锋、侧锋、逆锋互用，线条断续顿挫，笔断而气连，苍劲而楹秀，形成和中“清虚”的笔墨韵味。他的构图实实相生，善于处理空间，敷色清淡，又间用生色点醒，这些都使他的作品清虚冷隽而又富于变化，形成一种质朴而又耐人寻味的艺术格调。在海派画家中独树一帜。
虚谷的山水画独具一格，绝无“四王”末流的陈腐气息、多写真山实景，以独创的“战笔”与浓淡墨相结合。吴昌硕曾题虚谷《佛手画轴》云：“十指参成香色味，一拳打破去来今！辣阑华药谈风格，旧梦黄炉感不禁。”
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读后感
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用户评价
作为一名长期从事书法和篆刻的同行，我对古代画作中的“书画同源”理论有种天然的亲近感。我特别留意了那些画作边缘留白的运用，以及画中题款的书法风格与主体绘画的协调统一性。我设想这套书能涵盖一些关于“画中诗”的排版研究，比如不同朝代的画家是如何在有限的空间内安排题字，达到视觉上的平衡与意境的升华。此外，对于画中人物的衣纹处理，特别是唐宋时期那种严谨的线条勾勒，我希望能看到更细致的“单线描”的示范或者分解图。遗憾的是，这本书在对线条艺术的解析上似乎不够深入。它展示了成品的美，却没有充分揭示构成美的基本元素——线——的训练方法和演变路径。如果能附带一些关于“用笔力度”的理论阐释，比如如何通过控制笔锋的枯湿浓淡来表达材质的不同，那就太棒了。它更像是一场视觉的盛宴，而非一次对笔墨工具使用的技术研讨会。
评分我最初购买这套书的目的是想深入研究一下明清文人画中那种“逸笔草草，不求形似”的哲学内涵是如何在实际的笔墨运用中体现出来的。尤其是关注那些看似随意却蕴含深意的写意花鸟，如何通过极简的几笔勾勒出生命力的勃发。我对康熙、乾隆时期的一些私家收藏画作的印章布局和题跋的书法风格特别感兴趣，想看看那些题跋文字的排列方式是如何与画面的整体气韵相呼应的。说实话，这套画谱在图版的清晰度和色彩还原度上做得相当出色，很多细节的墨色层次感都得到了很好的保留。但是，我发现书中对于每一幅作品的时代背景、作者生平以及最重要的——创作心境的解读篇幅稍显不足。很多时候，我只能通过作品本身去揣摩，如果能有一段扎实的考据文字，指出某位画家在创作特定主题时所处的时代氛围或心境变化，我相信这套画谱的学术价值和可读性会提升一个档次。现在看起来，它更像是一个精美的“画廊目录”，而非一本具有深度导读的“学术图谱”。
评分我对古代画谱的期待，往往是希望能从中找到不同流派在“写生”与“摹古”之间权衡的影子。比如，宋代院体画那种对自然物象的精准捕捉，与元代文人画强调主观情感抒发的区别，是如何体现在设色和构图上的。我特别想对比观看那些描绘同一主题（比如竹子或山石）的画作，看一看不同时代、不同学派的画家是如何解构和重塑自然形态的。这本书收录的作品无疑代表了各个时期的顶尖水平，但我在翻阅时，感觉这些作品更像是被孤立地呈现出来。如果能增加一个“对比赏析”的版块，将风格迥异的几幅作品并置，并辅以专业的对比分析，说明它们在笔法、设色、意境上的取舍和侧重，那么它对于教学和研究的实用价值将无可估量。目前来看，它提供的是大量的“实例”，但缺乏“对比分析的框架”，这让学习者在吸收知识时需要花费更多心力去自行建构体系。
评分我是一位对古代卷轴画的装裱形制非常着迷的收藏者。我关注的重点不仅是画面的内容，还有它作为载体的完整形态——从绢本到纸本的质感差异，以及装裱时砑光（熨平）的技术要求。我希望看到一些关于“裱边”风格的介绍，比如清代宫廷画作的装裱与民间画作在绦边（丝织边饰）的选择上，是否存在规制上的区别。对于那些年代久远的画作，其纸张老化、颜色晕散的自然痕迹，我非常希望能通过高清的复制品看到其微观的细节，例如矿物颜料在绢布上的附着状态。这本书在画幅的完整展示上做得不错，很多长卷的局部都得到了细致的呈现。然而，它似乎完全跳过了对“装裱艺术”本身的讨论，这对于完整理解一件古代艺术品是相当重要的一个环节。一套优秀的画谱，理应包含对“物性”的尊重，而装裱恰恰是这种尊重的物化体现，缺少这方面的内容，总觉得像是在欣赏一张被剥离了“容器”的画作，少了些许完整性。
评分这套画谱的装帧实在没得挑剔，从纸张的触感到油墨的散发出的那种典雅气息，都能让人感受到出版方对传统的敬畏。尤其是装裱的工艺，那种古朴的韵味，拿在手里沉甸甸的，仿佛捧着一部流淌着历史的珍宝。我本来是想找一些关于宋代山水画的技法细节的，比如皴法如何运用才能体现出北方山脉的雄浑，或者江南水墨的灵动如何通过笔触的轻重变化来表现。然而，当我翻开目录时，发现内容似乎更侧重于某种特定流派的集锦，而非我所期待的那种系统性的、跨越朝代的技法解析。虽然能看到历代名家的作品选粹，但如果能增加一些针对具体技法的深入剖析，比如不同时期对“点苔”的理解差异，或者对“界画”中透视原理的图解说明，那就更加完美了。作为一位钻研中国传统绘画多年的爱好者，我更渴望看到的是技法层面的“内功心法”的传授，而非仅仅是作品的展示。这本书无疑是艺术鉴赏的极品，但就学习技法的角度而言，我还在寻找更精准的“教材”。
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