荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:荣宝斋出版社

作者:梁树年

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:2001-7

价格:18.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787500301004

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 传统绘画
• 艺术
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• 绘画作品

《丹青妙手：中国历代名家绘画技法解析》 一、全景式梳理中国绘画的源流与演变 本书并非简单地罗列画家姓名与作品年代，而是致力于构建一幅清晰、立体的中国绘画发展脉络图。从新石器时代的岩画遗迹，到魏晋南北朝的形神兼备，隋唐的恢弘气象，五代宋元的文人画兴起，直至明清的流派纷呈与地域特色，我们力求展现中国画“以形写神”的核心精神是如何在历史长河中不断被阐释、发展和重塑的。 1. 早期探索与哲学基础的奠定（先秦至魏晋） 我们将深入探讨春秋战国时期漆画、帛画的初探，以及汉代画像石、画像砖所体现的生命力与叙事性。重点剖析魏晋时期“气韵生动”的提出，这不仅是艺术理论的飞跃，更是中国哲学思想——特别是道家“自然无为”与儒家“中和”思想——对绘画审美取向的深刻影响。我们详细考察顾恺之的“以形写神”理论在实践中的具体体现，并分析其对后世人物画的决定性影响。 2. 盛世气象与文人画的萌芽（隋唐五代） 唐代的绘画艺术达到了空前的繁荣。本书将分篇介绍唐代山水画（如李思训的青绿山水）与人物画（如吴道子的“吴带当风”）的巅峰成就。特别需要指出的是，五代时期，随着士大夫阶层的壮大，绘画开始从宫廷的教化功能中逐渐分离出来，董源、巨然等画家所开创的南方山水画风，标志着“文人画”思潮的初步形成，强调主观情感的抒发，而非纯粹的客观再现。 3. 笔墨语言的成熟与理论高峰（宋元） 宋代是中国绘画技巧与理论体系臻于成熟的时代。米芾、苏轼等人将文人画提升至理论高度，确立了“论画以学问文章为外’)的审美标准。我们对北宋李成、范宽等“浑厚壮阔”的山水画派，以及南宋马远、夏圭“一角两角”的意境营造进行细致的技法拆解。元代则进一步将文人画推向极致，赵孟頫提出“书画同源”，将书法笔法融入绘画，形成了高度程式化的笔墨语言系统。 4. 地域性与创新性的交织（明清） 明代初期，以“浙派”为代表的院体画依旧保持了对宋代画风的继承，但以吴门画派（沈周、文徵明）为核心的文人画最终占据了主流，他们更注重笔墨的意趣与个人性情的表达。清代则呈现出多元化的格局：董其昌提倡的“南北宗论”影响深远，龚贤、石涛等“四僧”在笔墨技法和个人情感表达上进行了极富探索性的试验，为近现代绘画变革埋下了伏笔。 二、核心技法精解：从工具到意境的转化 本书的重点之一在于对传统绘画核心技法的还原与解析，深入到笔墨的物质层面和精神层面。 1. 笔法：中锋、侧锋与飞白 详细解析了不同线条的质感与表现力。如颜料的浓淡干湿如何通过提按顿挫形成“十八描”等丰富变化。重点探讨了“皴法”的运用，包括披麻皴、斧劈皴、荷叶皴等，它们如何不仅是描绘山石的手段，更是画家内心力量和气质的外化。 2. 墨法：墨分五色 “墨分五色”不仅仅指用墨的层次，更是对光影、空间、湿度的模拟。我们将展示从焦墨到淡墨，如何通过调水和用笔速度的控制，在宣纸上创造出“润含春雨，干裂秋风”的视觉效果。对泼墨、破墨等技法的应用场景进行了辨析。 3. 设色体系：青绿与水墨的对话 系统介绍中国画的设色材料——矿物颜料（石青、石绿、朱砂）的特性与晕染方式，以及它们在唐代金碧山水中的应用。并与水墨画的纯粹性进行对比，探讨浅绛山水、小写意花鸟画中色彩的取舍与平衡之道。 三、专题研究：文人画的审美范式 本书花费大量篇幅探讨“文人画”这一中国绘画体系中最具特色和深度的部分。 1. 书画同源的内在逻辑 阐释书法如何成为绘画的基础训练。不仅仅是笔画的相似，更在于对“气”的把握和节奏的控制。通过对比王羲之的笔法与顾恺之的线条，说明文人如何在运笔中注入个人的学养与修养。 2. 诗、书、画、印的四绝合一 解析题跋、印章在画面构成中的作用。诗句如何点破画意，印章如何平衡构图，以及印泥的色彩如何与画面色彩形成呼应。这四者的有机结合，使得中国画成为一种融汇了文学、哲学、书法与视觉艺术的综合性表达。 3. 意境的营造与留白哲学 重点分析中国画中“虚”与“实”的辩证关系。留白（计白当黑）不仅是未画之处，更是“虚空”和“无限可能”的象征，体现了中国传统美学中对无限空间和永恒时间的向往。 四、花鸟、人物的专项技法进阶 除了宏大的山水画分析外，本书也细致考察了其他画科的技法重点： 人物画： 从线条的韵律（如铁线描、兰叶描）到人体结构与服装的简化与程式化处理，追溯人物画中对“气韵”的持续追求。 花鸟画： 探讨写意花鸟与工笔花鸟的区别，重点剖析如徐渭的大写意中“以草书入画”的奔放，以及宋代院体花鸟画对自然形态的精确捕捉与象征意义的赋予。 结语：超越技法，直抵心灵 本书旨在引导读者理解，中国绘画的伟大之处，不仅在于其精湛的技巧，更在于它作为一种修身养性的媒介，如何承载了数千年来士大夫阶层的审美理想、人生哲学与对自然万物的敬畏之心。学习这些技法，最终是为了体悟“为天地立心，为生民立命”的艺术精神。

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翻开这本精装画集，我立刻被那种强烈的时代气息所笼罩。这不是那种追求新奇、哗众取宠的现代作品集，而是沉淀着数百年文人墨客心血的结晶。我注意到其中对于某些特定画科，比如花卉和山水，有着近乎苛刻的收录标准，每一幅都像是经过了严格的筛选，保证了其艺术性和历史价值。特别是那些古代大师的手稿摹本，其笔触的力度与神韵，即便是通过印刷品也能窥见一斑，这对于我们理解古代画家是如何“写”出画面而非仅仅“画”出画面的，提供了极大的帮助。我甚至可以想象，如果能亲眼目睹原作，那种扑鼻而来的松烟墨香和绢帛的微光，该是何等震撼的体验。这本画集对于那些渴望深入研究中国画技法，特别是想探究传统笔墨语言的爱好者来说，绝对是案头必备的参考书。它强迫你慢下来，去体会每一个点、每一条线的背后所蕴含的哲学思考。

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我一直认为，衡量一本艺术图录的价值，关键在于它能否激发读者的创作冲动。而这本画集，成功地做到了这一点。它所收录的作品风格多样，从工笔的精细入微到写意的挥洒自如，提供了极为丰富的“语言库”。当我对着其中的某几幅大幅山水布局图反复揣摩时，脑海中已经开始构思自己的作品了。它不是简单地告诉你“应该怎么画”，而是通过展示“他们是如何画的”，让你自己去领悟其中的“道”。这种启发性是任何理论书籍都无法替代的。印刷的高清晰度确保了即便是那些只靠几笔勾勒的抽象性线条，其内在的逻辑和气势也能被准确捕捉。它是一本工具书，更是一座精神的灯塔，指引着我在中国艺术的广袤海洋中，找到属于自己的航向。它的价值，远超其标价本身。

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说实话，当我第一次拿到这本厚重的画集时，内心是有些许期待落空的，并非质量问题，而是因为它的“传统”得近乎“刻板”。它没有引入任何现代的解读视角，也没有穿插时下流行的艺术评论，所有内容都是对经典的梳理与呈现。但这很快就转化成了一种敬畏。在当今这个信息碎片化、审美快速迭代的时代，能有一本如此专注于“本真”的出版物，实在难得。它拒绝了迎合潮流，坚持用最朴实无华的方式，将中国艺术史上那些看似遥远的高峰，以一种可触摸的方式呈现在我们面前。那些古代大师对自然万物的观察，那种深入骨髓的写意精神，通过这些清晰的图像得以传递。它教会了我，真正的创新往往建立在对传统的深刻理解之上。它不喧哗，却有着撼动人心的力量，需要静下心来细细品味。

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作为一名痴迷于传统审美的业余爱好者，我必须说，这本书的装帧和印刷质量完全配得上它所承载的艺术价值。市面上很多画册为了追求成本，往往在色彩还原度上大打折扣，使得原作的精妙之处大打折扣。然而，这本画册在色彩的层次感和墨韵的过渡上处理得极为精湛，即便是最细微的赭石渲染或花青晕染，都得到了忠实的再现。这对我进行色彩临摹练习至关重要，因为色彩的微小偏差足以改变一幅画的整体气质。此外，版式的设计也体现出一种克制的美学，留白得当，使得画面本身成为了绝对的焦点，没有多余的干扰文字或装饰元素来分散读者的注意力。这本画集更像是一套严肃的学术资料，它传递的信息是纯粹的、直接的——纯粹的艺术本身。阅读它，与其说是欣赏，不如说是一种沉浸式的学习体验。

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这本画册，初翻时便被那种扑面而来的古韵深深吸引住了。它仿佛是一扇通往古代艺术殿堂的门，里面的每一页都像是经过了岁月精心打磨的珍宝。装帧设计典雅，纸张的手感温润而厚重，即便是隔着指尖也能感受到制作者的用心良苦。我尤其欣赏它在细节处理上的考究，无论是装订的线脚，还是扉页上的题签，都透露出一种不事雕琢的大家气象。内容的选择上，似乎囊括了不同历史时期、不同流派的精品，展现了中国传统绘画艺术的广阔视野和深厚底蕴。看着那些线条的起承转合，墨色的浓淡干湿，不禁让人沉浸在古人的审美情趣之中，思考着“形神兼备”的真谛。对于我这个初涉绘画领域的新手来说，它提供了一个极好的参照系，那些清晰的范本，无疑是学习和模仿的绝佳素材。它不仅仅是一本画册，更像是一部无声的艺术史，让人在翻阅间与历史对话，感受艺术的生命力。

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