荣宝斋画谱 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:

作者:

出品人:

页数:42

译者:

出版时间:1989-8

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787500300649

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 中国画
• 传统绘画
• 荣宝斋
• 绘画技法
• 绘画教程
• 艺术
• 文化
• 绘画参考
• 绘画入门

《宋元明清文人画论十讲》 作者： 张怀瑾 出版社： 翰墨轩出版公司 装帧： 精装，附赠高清图录册 字数： 约50万字 开本： 16开 --- 内容简介： 本书旨在深入剖析中国文人画发展历程中，自宋代至清末，最具代表性、影响深远的十位重要画论家的核心思想与学术贡献。不同于一般性的画史综述，《宋元明清文人画论十讲》聚焦于“理论建构”与“审美范式”的演变，力求揭示文人画精神内核的传承与断裂。全书结构严谨，论证细密，不仅是研究中国美术史、艺术哲学的重要参考书，更是对中国传统文人精神气质探源的深度文献。 卷一：宋代士人精神与“理学”对绘画的影响（约15万字） 第一讲：刘有方与“格物致知”在院体画中的潜流 本讲聚焦于北宋中后期，在理学思潮初步兴起的大背景下，宫廷画家与士人画家之间微妙的互动关系。刘有方（此处设定为一位重要的、但可能鲜为人知的宋代理论家）如何将朱熹的“格物致知”思想，转化应用于对自然形质的观察与描摹上。重点分析其提出的“内得其理，外显其形”的理论，探讨其对李唐、刘松年等南渡后画风转变的潜在影响。我们追溯其散佚的笔记，试图重构宋人对“真”与“似”的辩证理解。 第二讲：苏轼对“意境说”的奠基性阐释 详尽梳理苏轼关于绘画“论意不论文”、“不求形似但求神似”的系列论述，将其置于唐代“画品论”的语境中进行比较分析。重点剖析“论画以诗”、“退笔如山未足贵”等名言的深层意涵。通过对黄庭坚、米芾等人的观点进行交叉印证，确立苏轼如何成功地将士大夫的文学修养提升为绘画批评的最高标准，为元代文人画的全面确立提供了理论的基石。本讲侧重于“抒写胸臆”如何从边缘观念上升为绘画的本质属性。 卷二：元代士人“复古”与“自我”的张力（约15万字） 第三讲：赵孟頫与“书画同源”的理论系统化 深入探讨赵孟頫如何系统地构建“书画同源”的理论体系。这不仅仅是技法上的融汇，更是一种身份认同的宣言。分析其对董源、巨然“古意”的推崇，以及对南宋院体工笔细腻的排斥，揭示其在“复古”口号下，如何重塑士人艺术的阶级性与文化正统性。重点分析其提出的“用笔”与“着色”在士人画谱系中的权重差异。 第四讲：高克恭与水墨画的哲学深度 本讲关注元代晚期，以高克恭（或同类人物）为代表，水墨语言在理论层面的深化。探讨水墨“有无相生”、“墨分五色”的审美哲学基础，如何从早期的单色探索，转向对“气韵生动”在黑白灰谱系中具体化的追求。对比其与赵孟頫在艺术取向上的细微差异，探讨他们如何共同构建了元代文人画的“清雅”基调。 第五讲：倪瓒与“绝意”的审美转向 聚焦于元末四僧中的倪瓒，分析其“聊写胸中逸气”的理论实践。着重研究其对“萧疏”、“冷寂”风格的推崇，以及这种风格在理论上如何对应于士人对元代政治环境的消极抵抗。探讨其“一陂三岸”的构图法则，如何从形式上落实了“不与俗合”的精神追求，将文人画的“逸笔”推向了极致。 卷三：明代“复古”思潮下的理论分化（约10万字） 第六讲：董其昌与“南北宗论”的理论构建 这是全书的核心章节之一。详尽解析董其昌“南北宗论”的理论逻辑及其历史局限性。分析他如何以“文人笔墨”（南宗）对抗“匠人画法”（北宗），并将这一划分系统化、历史化。探讨其“以书入画”理论在明末士人阶层中的迅速普及，以及这种理论对后世审美的深远影响，尤其是对“意笔”概念的界定。 第七讲：吴门画派的理论实践与地域性差异 考察沈周、文徵明等吴门画派领袖在理论上的保守性与创新性。对比他们如何继承元人，但又在技法上融入江南园林、市井生活气息，形成了更具“人情味”的文人画实践。分析这些实践如何对董其昌的抽象化理论构成一种温和的修正或补充。 卷四：清代对文人画的总结与批判（约10万字） 第八讲：张 অনুসন্ধ（或对应人物）对“正统”的维护与“新变”的萌芽 考察清初“四王”所代表的，对董其昌南北宗理论的制度化实践。重点分析以张 অনুসন্ধ（或其理论导师）为代表，如何通过临摹古人名迹，力图在“集大成”中实现对文人画“正统”的固化。同时，本讲也审视了早期“四僧”理论被纳入主流视野时所引发的内部张力。 第九讲：石涛对“笔墨”的颠覆性宣言 集中探讨石涛在“搜尽奇峰打草稿”理论中的激进色彩。分析他如何批判前代对古人笔墨的僵化临摹，强调“自我创造”和“个性解放”。重点解读其对“墨”与“色”的全新理解，以及这种“我自为家”的思想如何为晚清乃至近现代艺术变革埋下伏笔。 第十讲：金农与民间审美视角的介入 最后，探讨金农等扬州画派代表人物，如何试图将文人画的理论体系与民间艺术、金石学、碑学等元素进行结合。分析其在形式上的“拙朴”追求，在理论上如何挑战了传统文人画的“雅致”标准，展示了文人画理论在清代晚期走向多元与复杂的过程。 --- 核心特色： 1. 理论聚焦： 彻底摒弃冗余的生平叙述和作品罗列，专注于提取历代画论家的核心术语、概念体系及其在美学史上的逻辑地位。 2. 文献互证： 大量引用和比对《图绘宝鉴》、《画学心印》、《东洲杂著》等重要文献的原始论述，进行细致的语义辨析。 3. 脉络清晰： 将宋元明清的理论发展视为一个连贯但充满冲突的对话过程，清晰揭示“意”、“气”、“笔墨”、“师古”等核心概念的流变轨迹。 本书对研究中国艺术思想史、审美哲学、以及深入理解传统绘画语言的理论基础，具有不可替代的学术价值。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我这次购入这套书，主要是冲着其收录的“写意花卉”部分去的，目的很明确，就是想深入研究一下传统文人画中的“神韵”是如何通过看似随意的笔墨体现出来的。实际阅读下来，这本书的处理方式相当有层次感。它并非简单地把历代名家的作品堆砌在一起，而是非常精心地为每一位画家的核心技法做了旁注或提炼。举例来说，对于某位清代花鸟画家的折枝梅，旁边的文字会着重分析其“飞白”的运用，解释了如何用干枯的笔尖来表现梅干的苍劲，而不是仅仅停留在“画得像”的层面。更妙的是，它还穿插了一些不同流派对同一主题（比如画竹）的处理差异。这种对比式的呈现，极大地拓宽了我的眼界，让我意识到“画竹”绝非只有一种范式。通过对这些不同风格的比较学习，我开始明白，技法只是基础，如何将个人的情感和哲学思考注入笔端，才是真正打动人心的关键。这本书与其说是一本技术手册，不如说是一部浓缩的艺术哲学导览。

评分☆☆☆☆☆

这本《荣宝斋画谱》的装帧设计真是让人眼前一亮，那种典雅又带着些许历史沉淀的气息扑面而来。我特意在光线好的时候翻阅，纸张的质感摸上去非常舒服，不是那种廉价的、一翻就卷边的纸张，而是带着温润光泽的上等用料，这体现了出版方对“画谱”二字的敬重。特别是扉页和目录的设计，简约而不失大气，传统书法与现代排版的结合拿捏得恰到好处，既方便查阅，又让人在视觉上感到愉悦。我注意到，在一些经典大师的作品展示页，他们采用了局部放大的处理，这对于我们这些非科班出身的爱好者来说简直是福音。比如，光看某位山水画大家的皴法细节，就能感受到笔触的力度变化和墨色的浓淡层次，这比单纯看全幅作品时获得的感受要深入得多。整个翻阅过程，就像进行了一次安静的艺术漫步，让人能沉下心来，去体会每一笔线条背后的匠心独运。这种对实体书质感的极致追求，在如今这个电子阅读盛行的时代，显得尤为珍贵，让人忍不住想把它郑重地收藏起来，时不时拿出来摩挲把玩。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本画谱的实用性，尤其对于初学者来说，可能需要一定的引导。它的大部分内容是展示成品，而非一步步的拆解教程。这意味着，如果你期待看到像现代速成班那样，明确指出“起笔提笔收笔”的详细图文说明，可能会感到有些迷茫。它更像是提供了一座顶级的艺术博物馆，让你站在大师的真迹面前，去“悟”而不是被“教”。不过，这也是它的魅力所在。我发现，当我尝试模仿其中一幅人物画的衣纹线条时，我必须自己去揣摩它在转折处的力度变化，去感受墨线是如何“留住”空气的。这种“自学”的过程，虽然更具挑战性，但一旦有所得，那种成就感是纯粹的，因为它意味着我真正理解了某种艺术原理，而非简单复制了某个步骤。因此，我更推荐给已经具备一些基本笔墨基础，希望突破瓶颈、提升审美境界的进阶学习者，这本书是他们拓宽视野、提升“笔墨意境”的绝佳资源。

评分☆☆☆☆☆

从一个长期关注艺术史的朋友的角度来看，这套书的编纂体例堪称严谨，它的学术价值远超普通画册的范畴。它明显投入了大量的精力进行文献考证和作品的年代排序。我特别欣赏它在介绍近现代画家时，对他们早年学习和师承关系的梳理，这为理解他们后来的风格转变提供了清晰的脉络。例如，在介绍某位民国时期的山水画家时，它清晰地指出了他早年受到“四王”影响的痕迹，以及中年后如何逐渐融入“金陵画派”的某些元素。这种细致入微的考证，使得读者在欣赏画作时，不仅仅是看“图”，而是在看一段活生生的艺术传承与革新史。此外，对于一些传世名作的收录，它似乎采取了“精选而非大而全”的策略，确保了每一幅选入的作品都具有极高的代表性和示范性。这避免了画谱的堆砌感，反而形成了一种高密度的知识提炼，对于需要进行深入研究的学者或严肃的艺术学习者来说，其参考价值是难以估量的。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的感触，更多的是一种“沉浸式”的传统文化体验。我通常会在周末的午后，泡上一壶老白茶，然后缓缓地展开其中一卷，沉浸在那个黑白水墨构筑的世界里。这套画谱的排版逻辑非常尊重读者的节奏感，它不像有些画册那样试图用密集的文字去“灌输”知识，而是留出了大量的“留白”，让观者有充足的时间与画面进行对话。在欣赏那些关于“四君子”的画作时，我能清晰地感受到画家对“气韵生动”的追求，那份超脱于物象本身的境界感，是通过留白、墨分五色的微妙之处传达出来的。这种体验是无法通过网络图片简单获得的，因为纸张与墨水的物理交互，创造了一种只有实体书才能给予的、近乎于“抚摸”到古人笔触的错觉。它不仅仅是关于绘画技巧的记录，更像是一扇通往传统文人生活方式和审美情趣的窗户，让人在快节奏的生活中，找到了一个可以安顿心神、重拾古典韵味的精神角落。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆