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出版者:辽宁教育出版社

作者:齐如山 著

出品人:

页数:372

译者:

出版时间:2010-3

价格:36.00元

装帧:平装

isbn号码:9787538285895

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《齐如山文论》是一部深入探讨中国传统戏曲艺术及其发展脉络的著作。本书并非对某一具体剧目或某个历史时期进行孤立的研究，而是以一种宏观的视角，审视戏曲艺术从其萌芽、形成到成熟、演变的整个过程，并着重于挖掘其内在的艺术规律和思想精髓。 作者齐如山先生，作为一位在民国时期声名卓著的戏曲研究者和评论家，其深厚的国学功底和对戏曲艺术的敏锐洞察力，使得这部文论具有极高的学术价值和思想深度。书中，他并非仅仅罗列史实，而是将历史的叙述与艺术的分析相结合，通过对大量史料的梳理与解读，试图勾勒出中国戏曲艺术的独特魅力及其在文化史上的地位。 本书的重点之一在于对戏曲“文”的解读。这里的“文”不仅仅指剧本的文字，更包含着一种广义的文学性和艺术性。齐如山先生在书中详细阐述了戏曲剧本如何将口语、诗歌、散文等多种语言形式融为一体，如何通过情节的安排、人物的塑造来展现时代风貌和人情世故。他深入分析了戏曲“讲究”的语言特点，例如唱词的韵律、念白的节奏、道白的含义，以及如何通过这些“文”来达到“情”的表达，如何在有限的舞台空间里呈现出丰富的情感世界。 此外，书中也广泛涉猎了戏曲的表演艺术。虽然书名是“文论”，但齐如山先生深知“文”与“演”的密不可分。他深刻理解到，脱离了表演的文字是苍白的，而脱离了文字的表演则可能失去其灵魂。因此，他在论述“文”的同时，也必然会涉及到表演上的诸多关键要素，如唱念做打的技艺，脸谱、服饰、道具的象征意义，以及舞台空间的处理等。他通过对历史上传承下来的表演风格和技巧的梳理，揭示了不同时期、不同剧种在表演上的特点和发展。 本书还将戏曲艺术置于中国传统文化的宏大背景之下进行考察。齐如山先生认为，戏曲作为一种综合艺术，深深地根植于中国社会、历史、哲学、美学等各个方面。他在书中探讨了戏曲的起源与民间信仰、宗教仪式、说唱艺术的关系，以及戏曲如何反映当时的社会思潮、政治变迁和人民的精神生活。他强调，理解戏曲，必须将其置于中国古代社会的整体文化语境中去考察，才能把握其真正的文化内涵和艺术价值。 在具体内容上，本书可能涵盖了对戏曲发展各个重要阶段的分析，例如从宋元的杂剧、元杂剧到明清的传奇，再到各地地方戏曲的兴盛。作者可能会通过分析不同时期代表性的剧作家和剧目，来揭示戏曲艺术在不同历史阶段的演变轨迹和成就。例如，他或许会探讨关汉卿、王实甫等大家的作品，分析其艺术特色和创新之处；也可能涉及汤显祖、孔尚任等在传奇创作上的贡献；甚至可能触及昆曲、京剧等重要剧种的形成和发展。 本书的价值还在于其对“戏曲精神”的探索。齐如山先生在字里行间流露出的，是对中国戏曲艺术独特品格的赞赏和传承的渴望。他可能会在书中强调戏曲所蕴含的忠孝节义、悲悯情怀、人生哲理等，以及这些精神如何通过艺术的形式得以升华和传播。他或许会借由对戏曲的评论，来抒发对传统文化的依恋和对现实的思考，从而赋予这部文论更深沉的人文关怀。 总而言之，《齐如山文论》是一部旨在深入剖析中国戏曲艺术精髓的著作，它通过对戏曲“文”的细致解读，与表演艺术的巧妙结合，以及对戏曲在中国传统文化背景下的考察，为读者呈现了一个丰富而深刻的戏曲世界。它不仅是戏曲研究者案头的必备参考，也是所有热爱中国传统文化人士的宝贵读物，能够帮助读者更全面、更深入地理解中国戏曲艺术的博大精深。

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读《齐如山文论》，仿佛踏入了一个精心打造的戏曲博物馆。里面的展品并非冷冰冰的陈设，而是被齐先生用他饱含热情的文字重新赋予了生命。他对于京剧的“腔”的讲解，是我之前从未仔细体会过的。他不仅仅是列举了各种唱腔的名称，而是深入到唱腔背后的情感表达，那种“抑扬顿挫”中的喜怒哀乐，“字正腔圆”中的情感起伏。他会用生动的比喻，比如将唱腔比作音乐的旋律，但又强调其独特的戏剧性，需要配合人物的情绪和剧情的发展。我尤其喜欢他谈到“味儿”的章节。他说，京剧的艺术魅力，很大程度上就体现在那个“味儿”上，是那种难以言喻，却又能让人深深体会到的韵味。这种“味儿”，可能来自于演员的一声叹息，一个眼神，甚至是一个细微的动作。他会分享他亲身经历的一些故事，比如某个演员是如何在一次表演中，因为一句词的恰当处理，而让全场观众为之动容。这让我意识到，京剧的魅力，远不止于表面的华丽，更在于其深厚的内涵和精妙的细节。齐先生对这些细节的捕捉和解读，让我这个普通的观众，也能够更深入地理解京剧的艺术精髓，仿佛也获得了“品味”京剧的钥匙。这本书，让我感受到一种“听”得懂、看得见的艺术分析，它让冰冷的理论变得鲜活，让遥远的艺术变得亲切。

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拿到《齐如山文论》这本书，感觉就像是打开了一个尘封已久的宝箱，里面闪烁着的是我对戏曲世界最初的迷恋，以及对传统文化的那份深深的敬意。齐如山先生的文字，带着一种穿越时空的亲切感，仿佛他正坐在我身边，娓娓道来他一生所钟爱的京剧。书中关于“角儿”的论述，尤其让我印象深刻。他并没有简单地将“角儿”定义为明星，而是深入剖析了“角儿”之所以成为“角儿”的深层原因。那种对艺术的投入，那种对角色的理解，那种在舞台上的“神采”，都是他反复强调的。他会细致地描述一位老生演员是如何通过一招一式，将一个历史人物的沧桑与智慧展现出来，是如何用自己的声音，唱出那个时代的心声。我读到他对梅兰芳先生的赞美，不只是赞美其技艺的登峰造迲，更是赞美其身上散发出的那种平和、谦逊、内敛的气质，以及他对艺术的纯粹追求。这种对艺术家的品格和操守的看重，让我觉得，这不仅仅是一本写艺术的书，更是一本写人的书，一本写精神的书。齐先生对于“名”与“实”的辩证思考，也让我受益匪浅。他提醒我们，真正的艺术价值，不在于一时的轰动和赞誉，而在于其能否经得起时间的考验，能否在后世的传承中依然闪耀光芒。他所推崇的，是一种“厚积薄发”的艺术境界，一种“不争而自来”的艺术风范。这本书，让我重新审视了“名角”的真正含义，也让我更加坚信，真正的艺术，是源于对生活的热爱，对人性的洞察，以及对自身的不懈雕琢。

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当我翻开《齐如山文论》，就如同走入了一个历史的长廊，亲眼见证着京剧艺术的传承与演变。齐先生的文字，带着一种亲历者的视角，却又不乏学者的严谨。他对“传统”的理解，给我留下了深刻的印象。他并不是一味地推崇过去，而是看到了传统在时代变迁中的挑战与机遇。他会详细地介绍老一辈艺术家是如何在遵循传统的基础上，进行艺术上的创新和发展。他强调“师承”的重要性，认为这是京剧艺术得以薪火相传的关键。他会讲述一些关于名师出高徒的故事，让我看到了一种代代相传的严谨学艺的过程。但同时，他又并没有否定“改革”的必要性，他会审慎地讨论京剧艺术如何适应现代观众的审美需求，如何通过一些新的表现方式，来吸引年轻一代。这本书，让我看到了传统艺术的生命力，它并非是僵化的教条，而是一种能够不断自我革新、自我完善的有机体。齐先生的笔触，展现了一种“传承与创新”的辩证关系，它既是对过去的回顾，也是对未来的展望。这本书，让我对中国传统文化的生命力有了更深的理解和信心。

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《齐如山文论》这本书，给我最大的感受，就是它让我看到了一个“全景式”的京剧世界。齐先生的视野非常开阔，他不仅仅关注舞台上的表演，更深入到京剧背后那庞大的体系。他谈到“武戏”的训练，那种艰辛和付出，让我惊叹于京剧演员身体的柔韧性和力量感。他会描述那些高难度的翻腾、跳跃，以及演员为了完成这些动作所付出的日夜磨练。他会提到“练功”的重要性，强调“基本功”是京剧艺术的基石，没有扎实的基本功，一切的技巧和表现都是空中楼阁。这种对“技”的重视，让我看到了传统戏曲的严谨和科学。同时，他又会穿插谈到“戏德”，也就是演员的品德和修养。他认为，一个好的演员，不仅要有精湛的技艺，更要有高尚的品德，要尊重艺术，尊重观众，尊重同行。他会举例说明，一个德艺双馨的艺术家，是如何赢得人们长久的尊敬和喜爱。这本书，让我明白，京剧艺术之所以能够流传至今，不仅仅是因为其艺术本身的魅力，更是因为它背后所蕴含的那种勤奋、坚持、严谨和自律的精神。齐先生的笔触，就像是一位循循善诱的长者，一点点地，为我揭开京剧的神秘面纱，让我看到了它光鲜亮丽的背后，那份沉甸甸的汗水和智慧。

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《齐如山文论》这本书，让我体验了一种“慢下来”的阅读哲学。在快节奏的现代生活中，这本书提供了一个宝贵的契机，让我能够静下心来，去感受一种古老而又充满魅力的艺术。齐先生在书中对“身段”的论述，给我留下了深刻的印象。他不仅仅是描述了各种身段的动作，而是深入到这些动作背后的情感含义和文化象征。比如，他会讲到，一个简单的“亮相”，不仅仅是身体的定格，更是人物内心世界的瞬间爆发。一个“甩袖”的动作，可以传递出角色的高傲、无奈，甚至是愤怒。他会详细地描绘演员是如何通过身体的每一个细节，来刻画人物的性格和情感。我尤其喜欢他讲述的关于“眼神”的描写。他说，眼睛是心灵的窗户，在京剧舞台上，演员的眼神更是传递情感的重要媒介。一个眼神的运用，可以改变整场戏的氛围，可以引发观众无限的遐想。这本书，让我看到了一种“无声的语言”，它通过肢体和眼神，传递出比语言更丰富、更深刻的情感。齐先生的文字，让我得以窥见京剧演员的“身体艺术”，让我明白了，每一个细微的动作，都可能蕴含着深厚的艺术功底和情感表达。

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阅读《齐如山文论》，我仿佛置身于一个充满历史厚重感的老北京的戏院里。齐先生的文字，自带一种老派文人的风骨，不浮夸，不张扬，却字字珠玑，蕴含深意。他谈到“节奏”对于京剧的重要性，不仅仅是音乐上的节奏，更是情节的推进，情绪的起伏，以及演员表演的松弛与紧凑。他会用很形象的比喻来形容，比如将一场戏比作一首诗，每一个字，每一个句子，都需要有恰当的停顿和衔接，才能构成完整的意境。我尤其喜欢他对“留白”的阐释。他说，京剧的魅力，很多时候就在于那些没有说出来、没有演出来的地方，给观众留下了想象的空间。一个演员的眼神，一个转身，都可以传递丰富的信息，引发观众的思考。这种“弦外之音”的艺术处理，让我觉得京剧的观赏性，是一种主动参与式的体验，观众需要用自己的情感和智慧去填补那些空白。齐先生对这些“留白”的分析，让我感到非常惊喜，他能够将如此抽象的艺术手法，用如此清晰易懂的语言表达出来。这本书，让我不再是简单地“看戏”，而是开始“品戏”，开始去感受其中蕴含的东方哲学和东方美学。它教会我，在欣赏艺术时，需要一种“慢下来”的心态，去体味那些细微之处，去感受那些无声的诉说。

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读《齐如山文论》的这本书，实在是件挺奇妙的事。初拿到书，它的装帧并不算特别华丽，书页也非那种极尽奢华的特种纸，但拿在手里，那种沉甸甸的质感，仿佛承载了千钧万钧的知识与思考。我翻开第一页，映入眼帘的便是齐如山先生那略显苍劲却又饱含深情的文字。他写到对京剧艺术的“爱”，那是一种近乎痴迷的深情，一种对传统文化血脉相连的眷恋。读到这里，我仿佛也置身于那个古老而辉煌的戏曲时代，耳边回荡着咿咿呀呀的唱腔，眼前浮现出水袖的飞舞，翎子的摇曳。齐先生笔下的每一个细节，无论是旦角的步履生风，还是花脸的粗犷豪迈，亦或是老生的沉稳持重，都被他描摹得入木三分。他不仅仅是在记录，更是在“解剖”，将京剧的灵魂深藏的声腔、身段、表情、乃至服装道具的细微之处，都一一剖析出来，让我们这些后辈，能够窥见其艺术的精妙之处。尤其令人赞叹的是，他对于京剧“程式”的讲解，并非枯燥的理论堆砌，而是融入了大量的亲身经历和鲜活案例。他会讲述某位名角如何在程式化的表演中，注入自己独特的感情和技巧，从而达到“化境”，让观众如痴如醉。这让我明白，程式并非僵化，而是艺术家挥洒才情的绝佳载体，是传统艺术生命力的根基所在。这本书不仅仅是对京剧的梳理，更是对一种精神的传承，一种对艺术极致追求的赞美，让我对传统文化有了更深层次的理解和敬畏。

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翻开《齐如山文论》，如同打开了一扇通往过去的大门，亲眼见证了京剧艺术的辉煌与变迁。齐先生的文字，有一种旁观者的冷静，却又不失参与者的热情。他对于“程式”的论述，是我之前从未真正理解过的。我曾以为程式就是一种僵化的表演模式，但齐先生用他的经历和例子，颠覆了我的认知。他详细地讲解了不同行当的各种程式，比如青衣的“程式化”亮相，花脸的“程式化”冲突，以及武生的“程式化”腾挪。但他同时又强调，程式并非一成不变，而是艺术家在遵循基本规范的基础上，注入个人理解和创造的“活”的艺术。他会讲到，老一代艺术家是如何在程式中追求创新，如何在有限的框架内，展现出无限的艺术可能。这本书，让我看到了一种“在继承中发展”的艺术哲学，它既强调传统的重要性，又鼓励创新和突破。齐先生对“京剧的改良”的讨论，也让我看到了他对时代变迁的敏感和对艺术未来的思考。他并非一味地守旧，而是以一种开放的态度，审视着京剧艺术的生存与发展。这本书，让我认识到，传统艺术的生命力，在于其能够不断地与时俱进，不断地寻找新的表现方式，以适应时代的需求。

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我与《齐如山文论》的相遇，是一场关于“声音”的奇妙旅程。齐先生在书中对京剧“声腔”的探索，简直像是在为我解读一首无形的音乐。他不仅仅是介绍了各种声腔的名称，比如二黄、西皮，更是深入到它们各自的特点和情感表达。他会用非常形象的比喻，来描述唱腔的抑扬顿挫，比如将某段唱腔比作“潺潺流水”，将另一段比作“激越高亢的战鼓”。让我印象深刻的是，他对“嗓音的训练”所付出的努力的描述，那种近乎严苛的练习，让我感受到了京剧演员对声音的极致追求。他会提到，一个好的演员，不仅要有天生的好嗓子，更要通过后天的刻苦训练，才能发出那些极具穿透力、极富感染力的声音。他对于“咬字”的强调，也让我认识到，京剧的唱腔，不仅仅是旋律，更是语言的艺术。每一个字，都需要清晰地吐露，并且要恰到好处地融入到旋律之中，才能达到“字正腔圆”的境界。这本书，让我重新认识了“听”京剧的艺术，它不仅仅是耳朵的享受，更是一种情感的共鸣。齐先生的文字，让我能够“听”到京剧的灵魂，感受到其中蕴含的丰富情感和深厚底蕴。

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《齐如山文论》这本书，在我阅读的过程中，给我带来了持续不断的惊喜。齐先生的笔触，有一种独特的“戏剧感”，仿佛他写下的不仅仅是文字，而是一幕幕生动的场景。他对于“脸谱”的讲解，让我对京剧的视觉艺术有了全新的认识。他会细致地描述不同颜色、不同图案在脸谱上的象征意义，比如红色代表忠诚，白色代表奸诈，黑色代表刚烈等等。他会讲述一些关于脸谱的故事，比如某个演员是如何通过改变脸谱的细节，来塑造出更加鲜活的人物形象。这让我意识到，脸谱不仅仅是一种妆饰，更是人物性格和命运的隐喻。齐先生对“服装”的描述，也同样精彩。他会介绍不同行当、不同身份的角色所穿戴的服装，以及这些服装在色彩、款式、装饰上的讲究。他会提到，一件戏服，不仅仅是一块布，它承载着历史，承载着文化，更承载着人物的身份和情感。这本书，让我看到了京剧艺术的“视觉盛宴”，它不仅仅是听觉的享受，更是视觉的冲击。齐先生的文字，就像是导演的镜头，将这些细节一一呈现，让我能够更深入地理解京剧艺术的整体魅力。

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