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出版者:White Star

作者:John Blaney

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2010-05-25

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9788854404496

丛书系列:

图书标签:

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《光影流转中的不朽和声：20世纪流行音乐的时代侧影》 一本深入剖析二十世纪流行音乐黄金时代的宏大叙事，从爵士乐的兴起到摇滚乐的爆炸，再到电子乐的崛起，捕捉那些塑造了现代听觉景观的关键人物、思潮与技术革新。 序言：回响的时代之声 20世纪，是人类历史上音乐媒介和大众文化经历最剧烈变革的百年。从留声机的诞生到广播的普及，再到磁带和黑胶唱片的革命性影响，音乐不再是贵族的专属，而成为一种全民参与的文化现象。本书并非聚焦于某一位巨星的个人传记，而是致力于构建一个全景式的音乐编年史，展现不同流派如何在特定的社会、政治和技术背景下相互碰撞、融合，最终定义了我们今天所理解的“流行音乐”。我们将探寻那些定义了时代的和弦、节奏和态度，它们如何反映了社会的反叛、个体的觉醒以及对未来的憧憬与焦虑。 第一部：蓝调的根源与爵士的华章（1900s - 1940s） 本部分深入挖掘流行音乐的“远古”基因——源自美国南方的蓝调和向世界输出文化影响力的爵士乐。 一、泥土与旋律：蓝调的诞生与传播 我们将详细考察蓝调音乐从密西西比三角洲的田间地头，如何通过“大迁徙”进入芝加哥、底特律等北方城市，逐渐演变为城市蓝调。我们不会仅仅停留在音乐形式的分析上，更会探讨这些音乐背后所承载的苦难、韧性与对自由的渴望。从早期使用“呼唤与回应”（Call and Response）的结构，到后期引入电吉他等电气化元素，蓝调是美国社会底层声音被放大、被世界听见的过程。 二、即兴的哲学：爵士乐的黄金年代 爵士乐，作为一种高度复杂的即兴艺术，是20世纪初美国城市文化的结晶。本章将细致描绘新奥尔良的狂欢氛围如何催生了路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）式的独奏革命。随后，我们将追踪爵士乐如何通过摇摆乐（Swing）在30年代成为美国的主流娱乐，它在二战期间起到的精神抚慰作用，以及它如何悄然孕育了比波普（Bebop）——那场对传统和商业化说“不”的音乐革命。我们分析查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）如何用复杂的和声和极快的速度，将爵士乐推向艺术殿堂，使其成为一种智性的、先锋的表达方式。 第二部：摇滚的黎明与反文化的浪潮（1950s - 1960s） 这是流行音乐史上最具有颠覆性力量的时期，传统边界被彻底打破。 一、R&B与乡村的交汇：摇滚乐的诞生 本书将审视1950年代初期，节奏布鲁斯（R&B）与乡村音乐（Country）之间那场化学反应。我们探讨像比尔·哈利（Bill Haley）和猫王（Elvis Presley）这样的先驱者，他们如何将黑人音乐的节奏带入白人主流视野，尽管伴随着巨大的争议和审查压力。摇滚乐不仅仅是音乐风格的更迭，它更是一场关于种族融合、青年解放和性解放的社会运动的初期爆发点。 二、英伦入侵与艺术摇滚的崛起 随着1960年代的到来，英国的乐队们将美国蓝调和摇滚的火种重新点燃，并以更强劲的姿态反哺美国。我们详细分析“甲壳虫”乐队（The Beatles）从流行偶像到录音室艺术家的转型历程，他们如何利用录音技术本身，拓展了流行音乐的想象边界。同时，我们将深入探讨迷幻摇滚（Psychedelic Rock）的兴起，分析其与当时反主流文化、药物实验以及对东方哲学的探索之间的紧密联系。吉他不再只是伴奏乐器，它成为了表达复杂哲学思辨的工具。 三、民谣的力量：抗议与良知 在社会动荡不安的年代，民谣歌手们承担起了“时代良心”的角色。本章聚焦于那些用诗歌般歌词对抗战争、争取民权的声音。分析鲍勃·迪伦（Bob Dylan）如何从一个民间叙事者，蜕变为一位文学性的摇滚诗人，以及琼尼·米歇尔（Joni Mitchell）等女性音乐家如何以极其细腻的笔触解剖个人情感与社会结构。 第三部：风格的爆炸与录音技术的极限（1970s - 1980s） 70年代标志着“专辑”作为独立艺术品的地位确立，而80年代则见证了视觉与声音的全面整合。 一、体育场摇滚与前卫实验 70年代，摇滚乐走向了宏大叙事，从“前卫摇滚”（Progressive Rock）对古典音乐结构的借鉴，到“硬摇滚”对音量和能量的极限追求。我们将探讨皇后乐队（Queen）如何巧妙地融合歌剧、硬摇滚与流行钩子，创造出跨越不同受众的史诗级作品。与此同时，朋克（Punk）作为对摇滚乐过度复杂化的一种暴力反抗，如何以极简的三个和弦和DIY精神，为后来的独立音乐埋下种子。 二、迪斯科与电子的萌芽 迪斯科（Disco）不仅是一种舞曲，它更代表了一种逃离现实、追求享乐的都市情绪，以及对夜生活文化的建构。本章将分析迪斯科在文化上的重要性，以及它如何无意中为后来的电子舞曲（EDM）提供了节奏基础。此外，我们开始关注早期合成器（Synthesizer）和鼓机如何被应用于流行音乐制作中，为80年代的“新浪潮”（New Wave）和合成器流行（Synth-Pop）铺平了道路。 三、MTV时代：图像即权力 1981年MTV的开播，彻底改变了音乐的推广方式。音乐家必须同时成为视觉艺术家。本部分将深入剖析迈克尔·杰克逊（Michael Jackson）和麦当娜（Madonna）如何精通镜头语言，将音乐录影带打造成融合了电影制作、舞蹈编排和时尚宣言的全新艺术形式。技术进步，尤其是MIDI和数字采样技术的成熟，如何使得音乐制作的门槛降低，但也带来了原创性与“人情味”的讨论。 第四部：嘻哈的崛起与数字洪流的冲击（1990s 至今） 本时代的特征是文化边界的进一步模糊化和音乐获取方式的彻底颠覆。 一、从地下到主流：嘻哈文化的全球化 嘻哈（Hip-Hop）从布朗克斯的街头艺术，成长为全球最具商业和文化影响力的音乐流派之一。我们关注其核心要素——DJ技术、说唱（MCing）、涂鸦和街舞——如何共同构成了一种强大的文化表达。我们将分析90年代东西海岸的说唱“战争”，以及嘻哈音乐如何不断地吸收、解构和重塑采样自爵士、放克和摇滚的音乐碎片，成为后现代音乐的集大成者。 二、另类的声音与Grunge的叛逆 在主流摇滚日益精致化的背景下，西雅图的Grunge运动以粗粝、不加修饰的姿态出现。它代表了90年代一代青年对80年代浮华的厌倦。本书将分析Nirvana等乐队如何将朋克的速度感与沉重的吉他音墙相结合，表达出疏离、焦虑和真诚的态度，重新定义了“摇滚明星”的形象。 三、数字化的双刃剑 最后，本书将探讨互联网和数字音频工作站（DAW）如何彻底改变了音乐的创作、制作和消费模式。MP3的出现、盗版的兴盛、到后来的流媒体的统治，这些技术变迁对音乐产业的结构性打击与赋能，都将得到详细的探讨。我们审视了独立音乐人如何通过数字平台绕过传统唱片公司，以及音乐的“价值”在信息爆炸时代如何被重新定义。 结语：未完待续的和弦 20世纪的流行音乐史，是一部关于创新、反叛、商业化与文化融合的宏伟史诗。它证明了音乐的生命力在于其不断地吸收新元素、挑战旧范式。本书力求提供一个多维度的视角，让读者理解，每一段旋律的背后，都站立着一个时代的身影。

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这本书的语言给我留下了极其深刻的印象，它读起来不像是在阅读一本传记，更像是在聆听一位技艺高超的音乐家对他一生作品的精妙解构。作者的遣词造句充满了音乐性，节奏感极强，尤其是在描述那些标志性的歌曲创作过程时，仿佛能听见音符在纸面上跳跃。比如，有一段描写《Imagine》的创作环境，作者没有简单堆砌辞藻，而是通过对呼吸频率、光线变化以及空气中弥漫的烟草味这种细微感官信息的捕捉，构建了一种近乎冥想的状态，让读者能体会到那种“灵光乍现”前夜的漫长蓄力。这种感官化的写作手法，极大地提升了阅读的沉浸感。它成功地将纯粹的文字转化为了多维度的体验，让人在脑海中自动播放起那些熟悉的旋律，并同时解析着歌词背后的多重含义。这本书无疑是为那些真正热爱音乐结构和歌词哲学的深度听众准备的，它远超出了流行文化评论的范畴。

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我必须承认，这本书的文风带着一种近乎哲学思辨的冷峻和穿透力，读起来着实需要全神贯注。作者似乎对“偶像崇拜”抱持着一种审慎的距离感，没有流于肤浅的赞美或无谓的猎奇。他更专注于剖析约翰·列侬作为一个复杂人性的载体所展现出的矛盾性——那种极度的敏感与近乎残忍的直白并存。书中有几章专门讨论了列侬后期的某些言论和行为，它们在当时引起了巨大的争议，作者没有试图为他洗白，而是客观地呈现了事件的背景，并邀请读者自己去评判这种“艺术家的不负责任”与“思想家的先锋性”之间的微妙界限。这种不预设立场的态度，让阅读体验变得异常真诚和有价值。它强迫你走出舒适区，去直面一个伟大的艺术人物身上那些不那么光彩夺目，却又无比真实的部分。读完之后，我对自己过去对“伟大”的定义有了一种全新的认识，那不是完美的化身，而是勇于暴露自己所有棱角的勇气。

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这本书的叙事结构简直是个艺术品，完全颠覆了我对传记类书籍的刻板印象。它没有采用那种线性的、时间轴式的叙述，反而像一个精妙的万花筒，将列侬生命中的不同片段——童年创伤、Beatlemania的疯狂、个人觉醒、政治抗议，以及最后的家庭时光——以一种近乎意识流的方式交织在一起。这种跳跃式的叙述，非但没有造成混乱，反而极大地增强了作品的张力和深度。每一次场景的切换都伴随着作者精准的文化背景注解，让我这个身处多年后的人，也能清晰地感受到当时社会思潮的暗流涌动，以及列侬是如何精准地踩在了那个时代的脉搏上。特别是关于他早期在利物浦的艺术学校经历，作者用了大量篇幅去分析他对超现实主义和抽象表现主义的接触如何塑造了他后来的歌词风格，这可不是随便一本音乐传记会去探讨的深度。阅读过程中，我常常需要停下来，回味那些精妙的比喻和严密的逻辑推导，感受文字本身带给我的冲击力。它不仅仅是关于一个人，更是一部关于艺术如何对抗平庸、个体如何在高压下保持真我的宏大叙事。

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我特别喜欢这本书中关于“失语”与“表达”之间张力的探讨。列侬的一生似乎总是在极端表达和彻底沉默之间摇摆不定。作者花费了大量的篇幅去解析他从早期相对保守的“甲壳虫时代”的身份受限，到后期对和平主义和个人私生活的近乎偏执的公开，这种心理转变的驱动力究竟是什么。书中通过大量的引用和交叉对比，构建了一个心理侧写模型，暗示了童年时期与母亲之间的复杂依恋模式如何投射到他对公众的索取和对亲密关系的维护上。这种心理分析的深度，让这本书具有了超越时代局限的价值，它触及了人类共有的关于爱、被爱与自我确认的永恒困境。这本书没有提供简单的答案，而是提供了一个广阔的思考平台，让我得以在阅读的过程中，不断反思自己的生活轨迹和人际关系。它成功地将一个摇滚巨星的生平，提升到了一部关于人性探索的深刻寓言的高度。

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天哪，这本书简直像一剂强心针，注入了我对音乐和那个时代的全新理解。我原本以为自己对披头士和约翰·列侬的生平已经够了解了，毕竟那些经典的歌曲和著名的故事耳熟能详。但这本书没有停留在那些老掉牙的传记素材上，它深入挖掘了那些被主流叙事所忽略的角落。作者的笔触极其细腻，仿佛带着显微镜在审视每一次录音棚里的争执，每一次创作灵感迸发的瞬间。我特别欣赏它对列侬在1970年代中期那段“失踪”时期的详尽描述，那段时间他几乎完全退出了公众视野，专注于家庭生活。书中通过采访他当时的邻居、工作室工作人员，甚至是一些偶然接触到他的路人，勾勒出一个褪去摇滚巨星光环后，那个略显笨拙、却又无比真实的父亲和丈夫的形象。这让我看到了一个完全不同于舞台上那个激进、充满讽刺意味的“约翰”，而是一个在日常琐事中寻找安宁的灵魂。文字的节奏把握得非常好，时而激昂如摇滚乐的高潮，时而又像一首舒缓的民谣，让人在沉浸中不知不觉就读完了厚厚的一本书。这种对细节的极致捕捉，使得整本书充满了生命力，仿佛我亲身参与了那些历史性的时刻。

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他为啥会爱上小野洋子

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就写到出double fantasy

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在以后家里的客厅我会摆两本画册，一本是这本Lennon，另一本则是Jim Morrison的，在豆瓣实在找不到，给个链接吧那就http://www.amazon.com/Doors-Illustrated-History-Danny-Sugerman/dp/0711915482/ref=sr_1_6?s=books&ie=UTF8&qid=1371135729&sr=1-6

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