具体描述
本书讲述了一个年轻贝斯手的故事，他视音乐为生命，却在奋斗的过程中遭遇瓶颈，无法突破的他只能整日在家里不断练习。这时，一个陌生人从天而降般地出现在他的家里，他行事古怪，散发着异样的魅力。陌生人名叫迈克尔，他给年轻人上了十二堂发人深省的音乐课，每次上课都以音乐的一种元素为主题，如节奏，音调，聆听，技巧，感觉等等，每堂课迈克尔都带领他面对一次奇遇，比如在山林中追寻动物的足迹，在湖边倾听神秘的蛙声，召唤飞翔的鹰，认识仅十一岁的天才贝斯手。自始至终，这位老师都在透过音乐讲述生活，十二堂课抽丝剥茧般的展示着音乐与人生惊人的相似之处，全文虽然以对心灵与乐感的启发为主，却并不说教，其迷幻色彩与不可预知的情节走向更像一篇悬疑与奇幻并举的小说。
在每次迈克尔与贝斯手的交谈中，关于音乐与人生的言论总是不失惊心动魄，发人深省。音乐课一节一节的推向高潮，贝斯手在最后一堂课时，在不知是梦是醒的情况下，竟然得以与音乐本身对话。十二堂课全部结束后，贝斯手的人生变得越来越精彩，但是迈克尔和其他几位音乐老师的出现，和亦真亦幻的经历，却依然是个谜，时间越久远，越不知是虚是实。直到有一天，一种似曾相识的感觉袭来，在一束光的指引下，他来到了一扇门前，毫不犹豫地走了进去，然后见到了一个与自己以前的处境十分相似的年轻人，而他自己，也变成了一位和迈克尔一样的精神导师。
作者简介
维克多•伍顿，天才音乐人，生长在一个热爱音乐的家庭中，他的演奏以及对音乐的理解使他获得了众多音乐人和乐迷们的崇敬。他四次获得格莱美奖（音乐界的“奥斯卡”），在纳什维尔音乐大奖（李安据此导演了《制造伍德斯托克》）中他两次被授予“年度贝司手”称号，并且是唯一一个三次获得权威音乐杂志《贝司手》颁发的“年度音乐人奖”的乐手。
目录信息
序曲 开篇
第一小节 律动
第二小节 音符
第三小节 音长
第四小节 技巧
第五小节 情感
第六小节 力度
第七小节 节奏
第八小节 音调
第九小节 分节
第十小节 空间与休止符
第十一小节 倾听
最后一节 梦境
尾声 回到起点
· · · · · · (收起)
读后感
许多年前初读这本书，并没引起我的太多兴趣。虽然我是个音乐爱好者，但音符、律动等似乎还是太学术了。 直到几年后又无意中又从书架上拿下这本书。然后被深深的吸引。 音乐确实是故事的主线，但在讲音乐的各个元素中，处处都与人生的哲理共通着。也许是因为这几年读了很多心灵...
评分感觉这书的写作手法有点故弄玄虚，将那些道理没必要那么绕弯子，搞得跟个小说似的，个人比较喜欢直白明了的书，可能不这么写就凑不出字数了,当然只是个人猜测而已，不过这书里面的内容倒是可以增进一些对于音乐感悟。
评分 评分感觉这书的写作手法有点故弄玄虚，将那些道理没必要那么绕弯子，搞得跟个小说似的，个人比较喜欢直白明了的书，可能不这么写就凑不出字数了,当然只是个人猜测而已，不过这书里面的内容倒是可以增进一些对于音乐感悟。
评分作为工科生，实在无法一下接受这样的书。甚至可以将这本书视为一个奇幻的小说，虽然不乏各种各样现代的那种说不清特文艺的台词，实实在在的东西还是有一点点的，而各种玄幻的色彩，对音乐的理念，对人生的理念，乃至振动的解释，都实在是令人吃惊，乍看之下完全不能理解...
用户评价
坦白说，我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的，当时我正处于一个创作瓶颈期，急需一些外部的灵感刺激。这本书的结构安排得极其巧妙，它不像那种传统的“入门指南”那样线性叙事，反倒更像是一个精心编排的散文集，每一章都可以独立成篇，但串联起来又形成了一个完整的思想脉络。最让我拍案叫绝的是作者对“寂静”的论述。在多数音乐讨论中，人们总是聚焦于发出的声音，而这本书却花了大量的篇幅去探讨声音与声音之间的空隙，以及那些被刻意留白的瞬间。作者用诗意的语言描述了巴赫赋格曲中声部转换时的那种“屏息凝神”的瞬间，以及现代派音乐中那种令人不安的、刻意的停顿。这种对“无声胜有声”的深刻挖掘，极大地拓宽了我对音乐本质的认知。它让我意识到，艺术的魅力往往存在于那些未被言明的部分。读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一种精神上的洗礼和拓宽视野的过程。它提供的不是标准答案，而是无数个提问的角度。对于那些自诩对音乐有一定了解，但又渴望突破思维定势的进阶爱好者来说，这本书无疑是一剂猛药，能帮你打破固有的聆听习惯。
评分这本书的封面设计得非常引人注目，那种略带复古感的字体搭配着柔和的色彩渐变，一下子就抓住了我的眼球。我原本以为这会是一本偏向理论研究的严肃读物，毕竟名字听起来就带着一股“学术”的味道。然而，翻开第一页，我就被作者那极具画面感的叙事方式所吸引。他笔下的世界并非枯燥的音阶排列，而是充满了生活的气息。比如，其中关于童年记忆中某次户外音乐会的描绘，细节丰富到我仿佛能闻到夏日傍晚泥土和青草混合的味道，还能“听”到那支萨克斯风手不经意间吹错的一个音符带来的小小瑕疵，却成了最动人的一部分。作者似乎有一种魔力，能将那些抽象的乐理知识，转化成一个个鲜活的小故事。我尤其欣赏他处理“节奏”和“情感”关系的那一章，他没有直接定义什么是“激昂”，而是通过讲述一位老乐师如何在指挥一场协奏曲时，如何通过他微小的肢体动作来引导乐队情绪的起伏变化，那种潜移默化的力量，比任何教科书上的注解都要深刻有力。读完第一部分，我合上书本，久久不能平静，脑海中浮现的不是某个具体的乐曲片段，而是对“感受音乐”这件事本身，有了一种全新的、更具温度的理解。这本书绝对适合那些对音乐抱有好奇心，但又害怕被复杂理论劝退的普通读者。
评分这本书的排版和印刷质量简直令人赞叹。纸张选用了那种略带米黄色的厚磅纸，拿在手里有沉甸甸的质感，非常舒服。书的装帧设计也很有心思，采用了布面精装，耐看且不易损坏。这让我感觉，这本书不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的工艺品。内容方面，作者的笔法极其细腻，尤其是在描述不同文化背景下的音乐表达差异时，展现出了极高的包容性和洞察力。比如，书中对比了西方古典乐派中对“完美和声”的追求，与某种东方传统乐器中对“不和谐音”的偏爱和利用，这背后反映的是完全不同的宇宙观和哲学思辨。作者没有简单地给出优劣判断，而是引导读者去体会每一种声音选择背后的文化逻辑。我特别喜欢其中引用的一些小故事，它们并非名家轶事，而是来自不同地域、不同年龄的普通人在生活场景中与音乐的偶遇。这些片段真实而接地气，让高冷的艺术瞬间变得亲切起来，仿佛我不是在读一本关于音乐的书，而是在听一堆老朋友分享他们的人生感悟。这本书的深度，在于它将音乐置于人类文明的宏大背景下进行审视，而非仅仅停留在技巧层面。
评分这本书的阅读体验，更像是一场精心策划的、需要全神贯注的聆听之旅。它的节奏感很强，作者深谙如何通过段落的长短、句式的变化来模拟音乐的起伏。有些论述部分写得如同紧凑的赋格，信息密度极大，需要反复咀嚼；而另一些感悟性的章节，则舒缓悠长，如同慢板乐章，给予读者充分的沉思空间。我特别欣赏作者在探讨“即兴创作”那一块时所展现出的那种洒脱不羁的气度。他没有将即兴描绘成一种天赋异禀的特权，而是将其视为一种高度纪律性训练之后的自然流露，是“规则内的自由”。通过对比不同流派大师的即兴片段，作者揭示了即便是在最自由的创作瞬间，也依然存在着深厚的结构支撑。这本书的价值在于，它不仅教会了我们“如何欣赏”，更启发了我们去思考“如何创造”。它像一面镜子，映照出每一个读者在面对“表达”与“技巧”时的内心挣扎与追求。读完后，我迫不及待地去播放了一张尘封已久的唱片，感觉耳朵都被“升级”了，能捕捉到过去忽略的更多层次的细节。这本书，绝对值得反复品味。
评分我得承认，起初我对这本书的期望值并不高，以为它又是市面上常见的、那种包装华丽但内容空泛的“心灵鸡汤”类读物。但读进去后，我发现自己完全错了。这本书的逻辑构建异常严密，它巧妙地将音乐的“听觉感知”与“身体反应”联系起来。作者详细阐述了为什么某些特定的频率和节奏组合会让我们感到兴奋、放松，甚至是生理上的不适，这些解释并非停留在泛泛而谈的心理学层面，而是引用了大量神经科学和听觉生理学的研究成果，但用词却保持了极高的可读性，完全没有晦涩难懂的专业术语堆砌。特别是有一段分析了节奏如何与人类的心跳和呼吸同步，让我对“跟着音乐律动”这一行为有了科学层面的理解。这种将艺术感性与科学理性完美融合的写作手法，极大地增强了这本书的说服力和趣味性。它提供了一种全新的“解码”音乐的方式，不再只是依赖直觉，而是拥有了一套可以参考的理性工具。对于希望提升自己鉴赏层次的听众来说，这本书是提供了一种坚实的底层认知框架。
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