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出版者:中国电影出版社

作者:罗伯特·C·艾伦

出品人:

页数:357

译者:李迅

出版时间:1997-1

价格:24.00元

装帧:平装

isbn号码:9787106012328

丛书系列:

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电影史：一部超越银幕的视觉叙事之旅 《电影史》并非一本简单的目录集，它是一扇窥探人类情感、思想和社会变迁的奇妙窗口。本书致力于解构电影这一诞生于19世纪末的艺术形式，追溯其从最初的默片时代的斑驳光影，到如今高度发达的数字特效时代，每一个里程碑式的飞跃，每一次艺术形式的革新，以及背后隐藏的导演、演员、技术人员乃至观众的集体智慧与汗水。 一、 黎明之光：电影的诞生与早期探索 故事始于 Lumière 兄弟的《工厂大门》和《火车进站》中那令人惊叹的真实感。电影，这一“活动的照相术”，以其前所未有的力量捕捉了现实的流动，让观众仿佛置身于变幻莫测的世界之中。我们将在本书中深入探讨，正是这种对现实的直观呈现，点燃了无数人的好奇心，也为后来的叙事艺术奠定了基石。 然而，早期的电影并非仅仅是场景的记录。 Georges Méliès 用他天马行空的想象力，将电影变成了魔法的舞台。他大胆地运用剪辑、特效和模型，创造出《月球旅行》中令人目眩神迷的奇观，证明了电影作为一种媒介，能够承载和传递比现实更为丰富的想象。我们将一同审视 Méliès 如何从魔术师的视角，将电影的想象力边界推向了新的高度。 与此同时， Edwin S. Porter 则在叙事技巧上进行了开创性的尝试。他巧妙地运用交叉剪辑和特写镜头，在《火车大劫案》中构建起紧张的节奏和连贯的情节，让观众沉浸在故事之中。 Porter 的贡献在于，他开始探索电影语言的语法，为后来的叙事电影奠定了基础，让“讲故事”成为电影的核心功能之一。 二、 默片时代的黄金岁月：风格与流派的萌芽 随着技术的进步和观众的日益增长，默片时代迎来了它的黄金时期。在没有对白的情况下，电影人不得不依靠更为精湛的视觉语言来传达情感与思想。本书将详细梳理这一时期涌现出的重要导演和他们的代表作品。 1. 德国表现主义：阴影中的心灵图景 德国表现主义电影，如 Robert Wiene 的《卡里加里博士的小屋》和 F.W. Murnau 的《诺斯费拉图》，以其扭曲的布景、夸张的表演和强烈的明暗对比，深刻地揭示了人类内心的焦虑、恐惧与不安。我们将分析其独特的视觉风格如何反映了战后德国社会的动荡与压抑，以及它对后世恐怖片和黑色电影产生的深远影响。 2. 苏联蒙太奇理论：剪辑的革命 Sergei Eisenstein 和 Dziga Vertov 等人的蒙太奇理论，则将电影的叙事功能提升到了哲学的高度。 Eisenstein 在《战舰波将金号》中运用“冲突性蒙太奇”，通过不同镜头的并置产生强烈的思想冲击，让观众在情感与理智的双重体验中接受其所要传达的信息。 Vertov 则以其“电影眼”的理念，追求对生活原貌的真实记录，挑战传统的叙事模式。本书将深入探讨他们的理论如何改变了我们对电影剪辑的理解，以及其在政治宣传和艺术表达上的双重效用。 3. 好莱坞的崛起：类型片的雏形 在默片时代的另一端，好莱坞正迅速崛起，成为全球电影产业的中心。 D.W. Griffith 在《一个国家的诞生》和《党同伐异》中，虽然其部分内容存在争议，但他对叙事结构、镜头语言和史诗规模的追求，无疑为好莱坞的叙事模式奠定了基础。同时，喜剧大师 Charlie Chaplin 和 Buster Keaton 则以其独特的身体语言和对小人物命运的深刻同情，征服了全球观众。我们将剖析他们如何在默片时代，用肢体语言和表情，创造出超越语言障碍的 universal appeal。 三、 有声电影的到来：革命与挑战 1927年，《爵士歌者》的出现，标志着电影进入了一个全新的时代——有声电影时代。声音的加入，不仅革新了电影的制作方式，也极大地丰富了电影的表现力。然而，这一转变并非一帆风顺。本书将探讨有声电影给演员、导演和技术人员带来的巨大挑战，以及他们如何克服这些困难，探索声音在电影中的无限可能。 1. 对白与表演的新维度 声音的引入，使得对白成为电影叙事的重要组成部分。这要求演员具备更为出色的语言表达能力，也为人物塑造提供了新的维度。我们将分析那些在有声电影时代崭露头角的演员，如 Greta Garbo 的慵懒魅惑，Clark Gable 的阳刚硬朗，以及 Katharine Hepburn 的独立不羁，他们如何用声音和表演，塑造了经典的银幕形象。 2. 音乐、音效与情感的共鸣 音乐和音效的加入，为电影注入了新的生命力。它们不再仅仅是背景的衬托，而是能够直接影响观众情绪，烘托气氛，甚至成为叙事的一部分。从早期音乐片的歌舞升平，到悬疑片中令人心悸的配乐，再到战争片中震撼人心的音效，声音与画面完美结合，共同营造出沉浸式的观影体验。本书将聚焦于那些在音乐和音效运用上极具创造力的电影，以及那些为电影音乐做出杰出贡献的作曲家。 3. 经典好莱坞的辉煌：工作室制度与类型片繁荣 有声电影的成熟，恰逢好莱坞工作室制度的鼎盛时期。 MGM、Warner Bros.、Paramount 等电影公司，凭借强大的制作能力和完善的发行网络，生产出大量高质量的电影。黑色电影、西部片、歌舞片、犯罪片等各种类型片竞相涌现，不仅满足了观众的娱乐需求，也反映了当时的社会思潮和大众心理。我们将深入研究这些经典类型片是如何形成的，它们各自具有怎样的艺术特征和文化意义，以及它们如何塑造了美国乃至世界观众的审美趣味。 四、 新浪潮的涌动：打破陈规与艺术探索 二战后，世界格局发生变化，电影艺术也迎来了新的变革。各国涌现出挑战传统、追求创新的电影运动，其中最具代表性的包括： 1. 意大利新现实主义：回归生活本真 在饱受战争摧残的意大利， Vittorio De Sica 的《偷自行车的人》和 Roberto Rossellini 的《罗马，不设防的城市》等作品，以其纪实性的风格，将镜头对准普通民众的日常生活，关注他们的贫困、挣扎与希望。本书将探讨意大利新现实主义如何打破好莱坞式的光鲜亮丽，用朴素的镜头语言，展现了人性的坚韧与尊严，为后来的写实主义电影树立了典范。 2. 法国新浪潮：作者电影的宣言 法国新浪潮，以 Jean-Luc Godard、François Truffaut 等导演为代表，以其大胆的实验性、打破叙事常规的技巧，以及对电影作者身份的强调，成为了电影史上的一个重要转折点。他们运用手持摄影、非线性叙事、跳跃式剪辑等手法，挑战传统的电影美学，将个人情感和哲学思考融入电影之中。本书将深入分析法国新浪潮的代表作品，以及他们提出的“作者论”，它如何影响了后世电影的创作理念。 3. 日本电影的东方魅力：人文关怀与视觉诗学 与此同时，日本电影也在世界舞台上大放异彩。 Akira Kurosawa 的史诗巨制，如《七武士》和《罗生门》，将日本的传统文化、武士道精神与深刻的人文关怀相结合，赢得了国际声誉。 Yasujirō Ozu 则以其独特的低机位镜头和对家庭生活细致入微的描绘，展现了日本社会的温情与变迁。本书将探讨日本电影如何将东方哲学和美学融入电影语言，创造出独特的视觉诗学。 五、 变革与多元：电影的现代与后现代 进入20世纪下半叶，电影艺术在技术、题材和叙事方式上都发生了翻天覆地的变化。 1. 新好莱坞的浪潮：反叛与深刻 20世纪60年代末至70年代，美国电影迎来了“新好莱坞”时期。 Francis Ford Coppola 的《教父》系列、Martin Scorsese 的《出租车司机》等作品，以其深刻的社会洞察力、复杂的人物刻画和挑战传统价值观的叙事，展现了美国社会内部的动荡与不安。本书将分析新好莱坞导演如何打破好莱坞的商业模式，将艺术性和思想性融入商业电影，重新定义了“美国电影”。 2. 欧洲电影的探索：艺术的边界 在欧洲， Ingmar Bergman 的哲学思考、Federico Fellini 的梦幻奇观、Michelangelo Antonioni 的疏离美学，继续拓展着电影艺术的边界。他们用极具个人风格的语言，探索人类存在的困境、情感的微妙以及社会现实的荒诞。本书将深入解读这些欧洲电影大师的作品，理解他们如何用镜头，为我们呈现了不同视角下的精神世界。 3. 世界电影的多元化：第三世界电影与非西方视角 随着殖民主义的终结，非洲、拉丁美洲、亚洲等地的电影开始发出自己的声音。这些被称为“第三世界电影”的作品，往往带有强烈的政治色彩和社会批判性，关注被压迫者的命运，挑战西方中心的电影叙事。本书将介绍一些重要的非西方电影导演和他们的作品，展示世界电影的多元化与丰富性，以及它们如何为我们提供了理解不同文化和历史的独特视角。 六、 数字时代的浪潮：技术革新与未来展望 随着数字技术在电影制作中的广泛应用，电影艺术再次迎来巨变。 CGI（计算机生成图像）的出现，使得电影人能够创造出前所未有的视觉奇观，如《星球大战》系列、《阿凡达》等，极大地拓展了电影的想象空间。好莱坞也进入了以系列电影、超级英雄电影为主导的商业时代，全球电影市场格局也随之改变。 本书将探讨数字技术对电影叙事、视觉呈现以及观影体验带来的影响。我们将审视那些在技术上大胆创新，并在艺术上取得成就的作品。同时，我们也将关注流媒体平台的兴起，它如何改变电影的发行模式和观众的观影习惯，以及这种变化对电影产业的未来将产生怎样的深远影响。 结语 《电影史》是一场穿越时空的视觉旅程。它不仅仅是对一部部电影的梳理，更是对人类文明进程中，那些激动人心、引人深思的时刻的记录。通过对电影的深入剖析，我们可以更好地理解不同时代、不同文化背景下的人们是如何思考、感受和表达的。这本书希望能够激发读者对电影艺术的更深层理解，以及对这个由光影构筑的奇妙世界的持久热情。每一次按下播放键，都是一次与历史对话，与情感共鸣，与想象共舞的开始。

评分☆☆☆☆☆

This is not a survey, but a textbook in how to do film history. In that it stands alone in the field, though since it is now long out of print, I imagine the demand for this kind of book ended up being not very high. It is a shame that there has not been an...

评分☆☆☆☆☆

1958年，安德烈•巴赞的文集《电影是什么》第一卷问世时，他在序言中写道：“这一书名并不意味着许诺给读者现成的答案，它只是作者在全书中对自己的设问。”当巴赞在其睿智而优雅的行文中不断追问“电影是什么”时，或多或少已经涉及到“史的问题”。也就是说，当我们在苦...  

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

一直到1960年，还没有几所大学开设电影研究课程。那时，电影学术只是影迷和一些勇敢的大学教师的领域。这些大学教师对电影的热爱促使他们“额外”教一些电影课并写一些有关电影的文章。如今，在主要的大学中，一门电影课都不开的已很少有了。近100所高校设有电影研究和/或电影...  

评分☆☆☆☆☆

对于电影，学术界分为电影史、电影理论、电影批评三部分。在《电影的意义》一书中，认为还应该有一个部分，那就是电影术，即将社会学、心理学、经济学、法学、人类学等学科与电影相结合。 尽管罗伯特艾伦著的书名为《电影史：理论与实践》，但我认为，他最大的突破是将传统的电...  

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书的时候，我最大的感受就是作者的“在场感”。他似乎不仅仅是在梳理历史事件，更像是将我们这些读者直接拉回到了那个特定的年代。比如在描述二战后欧洲电影的复苏时，那种带着焦虑和反思的基调贯穿始终，文字中似乎能听见那些战后重建时期人们迷茫而又充满希望的声音。我特别喜欢他描述具体电影流派形成时的那种动态过程，不是僵硬地贴标签，而是展现了艺术家们如何在社会思潮、技术革新和个人抱负的多重压力下，逐步摸索出新的电影语言。这种叙事手法极大地激发了我的想象力，我甚至能想象出那些导演在简陋的制片厂里，对着镜头如何进行前所未有的尝试。书中对一些关键性技术革新的讨论也处理得非常到位，比如宽银幕技术刚出现时，导演们是如何挣扎于如何将这种新媒介的优势最大化，而不是仅仅把它当成一个噱头，这种对艺术与商业、技术与表达之间微妙平衡的探讨，极具启发性。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但最让我感到惊喜的是，它成功地将晦涩的理论分析融入到生动的案例研究中，做到了雅俗共赏。对于那些初涉电影研究的读者来说，它提供了一个非常友好的入门阶梯，你不需要提前掌握复杂的电影理论术语，作者会自然而然地将概念植入到对具体影片的剖析之中。例如，在分析某个特定镜头的剪辑手法时，作者会直接引用当时电影杂志上的评论，然后结合他自己的深入解读，形成一个多层次的分析文本。这使得阅读过程充满了互动性，仿佛你不是在单向接受知识，而是在和历史上的创作者及评论家进行一场跨越时空的对话。此外，书中对于一些经典片段的细节描述，达到了近乎“微观”的程度，每一个景别、每一个运镜的选择，作者都能给出合乎情理的解释，让人忍不住想要立刻去找那些老电影重温，带着新的眼光去审视那些熟悉的画面。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来的冲击感，主要来自于它对“边缘”叙事的重视。很多我们熟悉的电影史叙事往往集中于好莱坞的黄金时代或者欧洲的艺术大师，但这本书却花了大量的篇幅去关注那些被主流话语忽略的声音——比如早期非裔美国电影人的探索，或者特定地域性电影运动的独特贡献。这种“去中心化”的视角，极大地拓宽了我对电影可能性的认知边界。我记得有一段内容详细梳理了战后日本电影中“无赖派”青年的精神面貌，那种强烈的反叛和对既有秩序的质疑，通过作者精准的文字被刻画得淋漓尽致，让我感受到一种跨越时空的共鸣。而且，作者在比较不同文化背景下的电影发展路径时，并没有采取简单的优劣评判，而是致力于挖掘不同文化语境下艺术表达的独特逻辑，这一点非常高明，体现了极高的学术素养和人文关怀。读完这些章节，你会清晰地意识到，电影艺术从来不是单线发展的，而是无数条河流交汇、碰撞的结果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在是太让人眼前一亮了，那种带着微微磨砂质感的封面，沉甸甸地握在手里，仿佛就能感受到岁月的厚重。拿到手的时候，我最先关注的就是目录，排版非常讲究，章节之间的过渡自然流畅，不像有些学术书籍那样让人望而生畏。我尤其欣赏作者在引言部分对整个电影发展脉络的宏观把握，那种清晰的逻辑结构，瞬间就把我带入了一个宏大的叙事框架之中。我记得有一章专门讨论了默片时代灯光运用的革命性变化，作者没有停留在简单的罗列事实，而是深入剖析了当时的技术限制如何催生了光影艺术的独特美学，那种对细节的挖掘和独到的见解，让我对那些黑白画面有了全新的认识。更别提作者在引用史料时的那种严谨态度，脚注详实而精准，每一个论点都有坚实的文献支撑，这让阅读过程充满了信任感和求知欲。这本书的文字功底也极为扎实，叙事时娓娓道来，分析问题时又深入浅出，读起来一点也不费力，完全不像在啃一本厚重的历史书，更像是在听一位博学的老者讲述他最热爱的故事。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排给我留下了极深的印象，它摒弃了传统的“编年史”式的线性叙事，转而采用了一种更具主题性的“模块化”组织方式。这种组织方式的好处在于，即便是只阅读其中的某一章节，也不会感到信息上的断裂，每一部分都能作为一个相对独立且完整的知识单元存在。例如，有一部分是完全聚焦于“女性导演如何挑战男性凝视”这个主题，它横跨了从早期到现代的不同时期，通过对比不同国家和不同代际的女性影人的作品，形成了一个强有力的论点。这种主题式的串联，极大地增强了读者的思辨能力，促使我们跳出时间线的限制，去思考电影艺术中一些永恒的核心议题。我个人认为，这种叙事策略是这本书区别于市面上其他同类著作的关键所在，它不仅仅是在记录“发生了什么”，更是在探究“为什么会这样”以及“它对后世产生了什么影响”，层次感非常丰富，值得反复品读和深思。

评分☆☆☆☆☆

花两天半就能读完一个学期的内容，电影史的课程早点取消吧，每个月开一次答疑讨论会，剩下的时间足够把文献索引都看了

评分☆☆☆☆☆

对啊，我读的是这个版本的，原著英文本1985年出版，97年中国一版，04年二版，今年出了新的增订版，增加了“重构中国电影史学”一辑。总体而言理论部分现在看来比较一般了，实践部分的几个案例（如对克拉考尔、真实电影等的论述）还是蛮灵的。

评分☆☆☆☆☆

行

评分☆☆☆☆☆

花两天半就能读完一个学期的内容，电影史的课程早点取消吧，每个月开一次答疑讨论会，剩下的时间足够把文献索引都看了

评分☆☆☆☆☆

除了明晰框架和条理之外，还给电影史研究提供了方法，末的选读指导简直就是一篇完美的文献综述啊。三种电影史研究思路：经验主义，约定论和实在论，作者选择实在论，通过对结构运作方式的分类和分析，提出美学/技术/经济/社会电影史的研究路径，除了基本的理论阐述之外，还有许多作为示例的个案研究。印象最深刻的是关于美国真实电影的个案研究。电影史学习的入门书。