陶瓷

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页数:172
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出版时间:2009-4
价格:38.00元
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isbn号码:9787505962385
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具体描述

《陶瓷》从开物溯源、艺术览胜、陶瓷撷英、瓷器攒珠、名窑萃英、艺人风采六个篇章入手,将陶瓷的历史、工艺、流派、名窑、名作、名家等一一呈现给读者。《陶瓷》图文并茂、雅俗共赏,伴随着一个个妙趣横生的故事,还有一幅幅精彩纷呈的图片,以及那些绚丽多姿、瑰丽无比的传统陶瓷文化艺术,精心演绎了一个绵延数千年之久的陶瓷帝国的荣耀与辉煌。

《墨韵尘心:中国传统水墨画的意境与传承》 引言: 在一片喧嚣与快节奏的现代社会,我们渴望寻找一份宁静,一份对传统文化的深情回望,一份超越物质的审美体验。中国传统水墨画,以其独特的笔墨韵味、深邃的意境以及千载传承的文化内涵,恰恰提供了这样一个精神的栖息地。本书《墨韵尘心》并非一本简单的画册,更非枯燥的技法教程,它试图带领读者穿越时空的界限,深入中国水墨画那博大精深的内心世界,感受那些流淌在宣纸上的生命力量与哲思智慧。从山水间的气韵生动,到花鸟里的生机勃勃,再到人物画中传神的勾勒,本书将以一种感性而又不失严谨的方式,揭示水墨艺术的灵魂所在,探索其在历史长河中如何孕育、发展,又如何在新时代焕发出勃勃生机。 第一章:宣纸上的生命律动——水墨的物质基础与精神载体 水墨画,顾名思义,是以墨为主要表现颜料,以水作为调和与晕染媒介的一种绘画形式。然而,这“水”与“墨”的结合,却蕴含着无尽的奥妙。本章将首先从水墨画最基本的物质构成——宣纸、笔、墨、砚——讲起。并非详述它们的制作工艺,而是着重探讨它们各自的特质如何与水墨的艺术表现紧密相连。 宣纸的呼吸: 为什么是宣纸?它那独特的吸水性、晕染性,如何让墨色在纸上产生千变万化的浓淡干湿?我们将通过对不同类型宣纸(如生宣、熟宣、半熟宣)在水墨表现上的差异,来理解纸张如何成为画作的“呼吸”空间,承载着艺术家刹那间的灵感与情感。它不仅是画面的基底,更是水墨晕染效果得以充分展现的关键。 墨的魂魄: 从古老的松烟墨到今天的墨汁,墨色从纯粹的黑,延展出丰富的青、灰、焦、淡。墨色的层次感,是水墨画“墨分五色”的精髓所在。本章将探讨墨色在水中的溶解与扩散,如何通过笔触的轻重缓急,以及水量的多少,创造出具有立体感和空间感的画面。这种对墨色的精妙运用,使得水墨画能够表现出比色彩画更内敛、更丰富的视觉效果。 笔的灵魂: 笔,是艺术家思想与情感的延伸。毛笔的弹性、锋颖、以及不同材质(如狼毫、羊毫、兼毫)所带来的不同笔触感,都是艺术家挥洒自如的工具。我们将关注笔的“写”与“染”,如何通过线条的粗细、曲直、顿挫,赋予画面生命力。无论是勾勒的筋骨,还是皴擦的肌理,笔的运用都是水墨画造型与表现力最直接的体现。 砚的滋养: 砚台,作为研磨墨锭的器皿,其作用不仅仅是实用。古人认为,砚的温润能够使墨色得到更好的滋养,产生更细腻的墨韵。本章将简要提及不同材质砚台对墨色影响的传说与实际,以此烘托水墨画创作过程中,那份仪式感与对细节的极致追求。 第二章:气韵生动——山水画中的宇宙情怀 中国山水画,是水墨艺术中最具代表性、也最能体现中国传统哲学思想的画种之一。它描绘的不仅仅是自然景物的形貌,更是艺术家对宇宙、人生、以及人与自然关系的深刻理解。 “虚实相生”的构图: 山水画的构图,并非简单地堆砌山石树木。留白,在中国画中占据着举足轻重的地位。本章将深入探讨“虚实相生”的哲学理念如何在山水画中体现。那些空白处,是云海、是雾气、是远处的空间,是留给观者想象的无限可能。通过对经典山水画构图的赏析,我们将理解留白如何创造出画面的气韵与呼吸感,使画面既充实又不显压抑。 “皴法”的肌理与情感: 皴法,是中国山水画中模拟山石纹理的技法。苔点皴、披麻皴、斧劈皴……这些看似写实的技巧,实则蕴含着画家对山石内在生命力的理解。本章将通过对不同皴法的图例分析,展示这些线条与墨块如何勾勒出山峦的巍峨、岩石的坚毅、以及大地的情感。皴法的运用,不仅赋予画面肌理感,更传递着画家对自然的敬畏与情感投射。 “三远法”的透视与意境: 相较于西方绘画的焦点透视,中国山水画更注重“散点透视”与“移步换景”。“高远”、“深远”、“平远”这“三远法”,打破了单一视点的限制,使画面呈现出更加宏大、辽远的景象。本章将通过经典画作的解读,说明“三远法”如何引导观者的视线,构建出空间的深度与广度,以及由此营造出的深邃的意境。 文人情怀的寄托: 山水画,往往是文人雅士表达个人情操、寄托隐逸情怀的载体。一草一木,一山一水,都可能成为画家内心世界的映照。从王维的“诗中有画,画中有诗”,到范宽的“搜尽奇峰打草稿”,本章将追溯水墨山水画背后所承载的文人精神,探讨山水画如何成为画家“外师造化,中得心源”的实践。 第三章:生机盎然——花鸟画中的四时之美与生命哲学 花鸟画,以其鲜活的生命力、细腻的情感捕捉,在中国水墨画中占据着不可或缺的地位。它描绘的不仅是自然界的花草鸟兽,更是蕴含着丰富的象征意义与对生命哲学的思考。 “写意”的精髓: 与工笔画的精细描摹不同,水墨花鸟画更讲究“写意”。寥寥数笔,即可勾勒出花朵的含苞待放,鸟儿的展翅欲飞。本章将深入解读“写意”的核心——“形似”与“神似”的辩证统一。艺术家如何在有限的笔墨中,捕捉到花鸟最生动的神态,传递出蓬勃的生命力,以及超越形态之外的精神气质。 “笔墨趣味”的多元表达: 花鸟画的笔墨语言,比山水画更加丰富多变。浓墨的遒劲,淡墨的清雅,飞白的洒脱,渲染的柔美……艺术家可以运用各种笔法,表现不同题材的特质。例如,表现梅的傲骨,竹的君子,兰的幽雅,菊的清逸,牡丹的富贵,都需要不同的笔墨语言。本章将通过对这些经典题材的赏析,展现笔墨在花鸟画中如何成为传达情感、塑造形象、以及表达艺术家个人品格的重要手段。 “花鸟”的象征意义: 在中国传统文化中,许多花鸟都承载着特定的象征意义。例如,牡丹象征富贵,梅兰竹菊象征君子,松鹤象征长寿。本章将解析这些象征意义,帮助读者更深刻地理解水墨花鸟画的文化内涵。它不仅仅是自然之美的再现,更是艺术家借助自然意象,表达对美好生活的祝愿、对人生品格的追求。 “四时之美”的变幻: 从春天的百花齐放,到夏天的绿意盎然,秋天的层林尽染,冬天的傲雪寒梅,花鸟画捕捉了自然界四季的变换之美。本章将通过对描绘不同季节的花鸟画作进行对比分析,展现艺术家如何通过色彩、构图、笔墨的运用,捕捉并传达出不同季节的独特韵味,以及生命在不同时节下的变化与轮回。 第四章:传神写照——人物画的形神兼备与历史回响 中国水墨人物画,以其简练的笔墨,捕捉人物的内在神韵,传达丰富的情感与故事。它既是历史的见证,也是人性的深刻洞察。 “三白法”与“十八描”: 本章将简要介绍水墨人物画在造型上的一些传统技法。例如,在某些特定时期和风格中,“三白法”(眼、鼻、颊三处用白粉)对人物脸部明暗的处理。以及“十八描”等线条技法,它们如何帮助画家塑造人物的骨骼、肌肉、衣纹,使其形象更加生动。然而,本书更侧重于从“神”的角度解读。 “顾恺之”的“以形写神”: 强调的并非简单的“形似”,而是“以形写神”。我们回溯中国人物画的源头,例如东晋顾恺之的“以形写神”理论,他认为绘画的最高境界在于捕捉人物的内在精神气质,而非仅仅描绘其外在形态。本章将分析经典人物画作,如《洛神赋图》中的飘逸灵动,如何通过线条的流转、神情的捕捉,将人物的内心世界栩栩如生地呈现在观者面前。 “线”的叙事力量: 线条在中国水墨人物画中,扮演着至关重要的角色。一条线的粗细、走向、力度,都能够传达人物的情绪、性格、以及所处的环境。本章将通过对不同人物形象的分析,解读线条如何成为叙事的工具,如何勾勒出人物的喜怒哀乐、悲欢离合,让画面充满故事性。 人物画的历史记录与社会缩影: 从古代帝王将相的画像,到市井生活的描绘,人物画始终与历史和社会紧密相连。本章将以一些具有代表性的人物画作品为例,探讨它们如何记录历史事件、反映社会风貌、以及传达作者的时代关怀。人物画不仅是对个体生命的刻画,更是对整个时代精神风貌的提炼与呈现。 第五章:传承与创新——水墨艺术的当下与未来 在中国传统水墨画经历了漫长的历史沉淀之后,如何看待其在当代社会的发展,以及未来的走向,是本章探讨的重点。 “古不乖时,今不入时”的平衡: 艺术的传承与发展,需要在尊重传统与面向未来之间找到平衡。“古不乖时,今不入时”是中国艺术评论中的经典论断,意味着艺术既要根植于传统,又要体现时代的精神。本章将通过对当代水墨艺术家的创作实践进行分析,探讨他们如何在继承传统笔墨技法的同时,融入现代的审美观念、材料实验,以及新的时代语境。 “新水墨”的多元探索: “新水墨”并非一个固定的风格,而是一种开放的、多元化的艺术探索。它可能体现在媒材上的创新,如结合装置、影像;也可能体现在观念上的突破,如对传统题材的颠覆性解读。本章将介绍一些具有代表性的“新水墨”现象,分析其艺术价值与社会意义,展现水墨艺术在当代社会的多样化可能性。 水墨画的国际视野: 随着全球化进程的加速,中国水墨画也日益走向国际舞台。本章将探讨水墨画在世界范围内的接受度,以及它如何与其他艺术形式进行对话与交流。理解水墨画的普适性美学特征,以及其独特的东方哲学思想,是如何在全球艺术语境中产生影响。 “墨韵尘心”的时代回响: 重新回到本书的主题“墨韵尘心”。在这个信息爆炸、物质至上的时代,水墨画所传达的那份宁静、超脱、以及对生命本真的关怀,显得尤为珍贵。本章将以一种总结性的视角,强调水墨艺术作为一种精神载体,如何在当下帮助我们洗涤尘埃,找回内心的平静与灵性。它提醒我们,在追逐时代发展的同时,不应遗忘那些沉淀在时光中的东方智慧与审美情趣。 结语: 《墨韵尘心》并非为水墨画的爱好者提供一份详尽的“说明书”,而是一次充满敬意与热情的邀请。邀请您走进水墨画的世界,去感受那份“笔尖上的舞蹈”,去体悟那份“水墨间的哲学”。通过本书,愿您能从千变万化的墨迹中,读懂东方人的情怀;从虚实相生的画面中,感悟人生的无限可能;从生生不息的笔墨间,找到属于自己内心的“尘心”。愿这趟水墨之旅,能为您带来一份超越时空的感悟与安宁。

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读后感

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用户评价

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这本书的语言风格简直就像是陈年的老酒,醇厚而富有层次感,初尝可能有些许的涩,但后劲十足,回味悠长。作者的遣词造句非常考究,但绝不是故作高深,每一个用词都恰到好处地服务于他想要传达的情感和信息。我尤其欣赏他处理历史人物的方式,那些古代的制作者们,不再是教科书上刻板的名字,而是被赋予了鲜活的、充满挣扎和激情的个体。书中关于工具革新那一段的描述,简直可以拍成一部激动人心的纪录片,那种对手中工具的依赖、对材料的敬畏、以及通过工具延伸自身能力的满足感,被刻画得入木三分。这本书的阅读体验是全身心的投入,它不仅仅是脑力的活动,更是一种情感上的共鸣。读到最后,心中涌起的是一种强烈的使命感——这种关于美的、关于传承的记忆,我们有责任让它在新的时代继续闪光。

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这本书的阅读体验,更像是一场跨越时空的艺术鉴赏之旅,而不是简单的知识获取。它对色彩的运用简直达到了登峰造极的境界,即便只是通过油墨印刷,那些关于“月白”、“霁红”或者“孔雀绿”的描述,都能在脑海中勾勒出极其清晰的画面感。作者在描述一件作品的审美价值时,从不满足于外在的华丽,而是深入挖掘其内在的哲学意涵。比如,对于某个时期作品中那种残缺不完美之美的颂扬,作者提出了“有瑕疵才是生命力所在”的观点,这对我固有的审美观念产生了极大的冲击。我开始重新审视生活中那些看似“不完美”的事物,发现其中蕴含的巨大张力和时间沉淀的美感。这种由内而外的审美教育,是这本书最宝贵的馈赠。它的行文风格时而飘逸,充满诗意,时而又异常严谨,引用了大量的文献和考古发现来佐证观点,逻辑链条清晰得让人信服,读起来酣畅淋漓,毫无拖沓之感。

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说实话,我拿到这本书的时候,心里是有些忐忑的,毕竟我对这类主题的了解仅限于皮毛,担心内容会过于专业晦涩,让人望而却步。然而,这本书的作者显然深谙如何与非专业读者沟通的艺术。他选择了一种非常平易近人的叙事角度,像是一位经验丰富的老者,带着你这个好奇的晚辈,慢慢走进一个充满奥秘的世界。他会用非常生动的比喻来解释那些复杂的化学反应和物理变化,比如将釉料的配比比作一场精妙的化学魔术,将窑火的温度控制形容为人与自然力量的博弈。最让我印象深刻的是,书中穿插了大量的、未经修饰的第一手访谈资料,那些老匠人的口吻、他们朴素却充满智慧的语言,瞬间拉近了读者与主题的距离。我尤其喜欢其中关于“失败”的章节,作者并没有回避那些不成功的试验品,反而将它们视为历史的注脚,探讨了每一次“失败”背后蕴含的经验积累。这本书的价值在于,它成功地将一项传统技艺,转化为了一部充满人情味的、引人入胜的史诗。

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这本书的装帧设计实在是一绝,那种厚实的纸张触感,配合上古朴的封面纹理,仅仅是捧在手里,就能感受到一种沉甸甸的历史感。我本来是抱着随便翻阅的心态开始阅读的,没想到很快就被那种细腻的文字描摹所吸引住了。作者似乎对细节有着近乎偏执的关注,比如对光影变幻中材质表面纹理的刻画,那种从粗糙到温润的过渡,简直让人仿佛能触摸到实物。书中对于不同地域、不同时代的手工艺人精神世界的探讨,也相当深刻,不是那种干巴巴的学术论述,而是将他们的生活、信仰,甚至是每一次落笔、每一次烧制时的呼吸,都融入了叙事之中。读完前几章,我甚至产生了亲自去那些偏远窑址走一遭的冲动,想去感受那种千年流传下来的匠心。这本书在叙事节奏上把握得非常巧妙,时而舒缓如流水,娓娓道来一个家族几代人的兴衰;时而又陡然紧凑,聚焦于某一次决定性的技术突破或是一场突如其来的变故。它不仅仅是在介绍工艺,更是在讲述一种生命力的传承与坚守,让人读后回味无穷。

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坦白讲,我读这本书的速度非常慢,不是因为内容难懂,而是因为我需要频繁地停下来,陷入沉思。这本书的视角非常独特,它不仅仅关注“物”本身,更着重于“物”与“人”、“物”与“社会环境”之间的复杂互动关系。比如,书中有一个章节详细分析了特定时期社会经济的波动如何直接影响了原材料的稀缺性,进而催生出新的、更具适应性的技术革新。这种宏观视角与微观技艺的结合,构建了一个极其丰富的知识网络。作者的写作笔法极为老辣,他擅长运用对比手法,将古代工匠的清贫与他们作品的永恒价值并置,令人感慨万千。全书的结构设计如同迷宫,每一条线索看似独立,最终都会汇集到核心的主题上,展现出一种宏大的整体性。读完后,我感觉自己不仅仅是了解了一门手艺,更是对人类文明在特定资源约束下所能爆发出的创造力,有了更深层次的敬畏。

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我就是想看看评价, 却发现自己是第一个。图书馆的书真的是......

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