如何閱讀一首詞

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出版者:商周
作者:潘麗珠
出品人:
页数:288
译者:
出版时间:2008/11/18
价格:HK$83
装帧:
isbn号码:9789866571572
丛书系列:
图书标签:
  • 古典文学
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具体描述

全書精選24首詞,有24篇說明介紹,與一篇「導讀」。每篇透過視覺、聽覺與「心智圖」的引導,為讀者開闢一條賞析詞曲的蹊徑,既是系統閱讀方法的學習鍛鍊,也是內在靈魂的交流觸動;既是詞藻警句的駕馭掌握,也是聲音曲調的捕捉聆賞;既是創作生命的感同身受,也是細膩情感與豐富人生哲理的延伸體會。

每篇結構如下:

【繪畫材料】詞曲原文與生難字詞解說。

【輪廓素描】描摹創作背景的輪廓,包括詞人生平概要、寫作因緣、主旨、人時地等。

【眾彩設色】將詞曲文字轉化為一幅具象的畫面或動態影像,有構圖設計、色彩搭配、分鏡處理、視野遠近的調度、停格、過去現在的穿梭、現實夢境的對比……,透過諸多欣賞分析的手法,詞曲刻畫的景象歷歷如在目前,讀者才瞥一眼,立即被收攝入,墜進詞人的內在情感世界。此外,綜合歷來名家的品評,也讓畫面更顯繽紛多彩。

【心智圖】透過「心智圖」這個圖像式思維的工具,以中心關鍵詞(概念)與關聯詞(概念)的分析分類,為該詞曲搭起一副骨架,此架構核心與【眾彩設色】的賞析脈絡,相互輝映。只要將心智圖映入腦中,整首詞曲的意象了然於胸,非常有助於快速記憶背誦,且能過目不忘!

【詩樂交響】在今天,詩詞的聲韻曲調可能最為一般讀者所忽略,然而沒有聲音,詩詞彷彿沒有血肉;沒有曲調,詩詞失去了生命活力。只用眼睛看,不用耳朵聽、嘴吧吟誦,詩詞只讀了一半,無法窺其全貌,可惜之至!此處不談平仄,不說工尺譜,討論的是字詞聲音的低迴高昂、短遠快慢、圓潤鏗鏘,以及詞曲中所要表達的哀傷、清淒、寂寥或歡樂等情感,平易近人,容易理解。尤其是,每首詞均由作者親自朗讀與吟唱,「朗讀」與「吟唱」兩種版本的聲音檔,就在隨書附贈的光碟中,邊聽邊讀,堪稱一大享受,更是中學國文教師課堂上的最佳輔助材料。

《风雅颂:中国古典诗词的审美与意境》 一卷诗心,千年风华。 本书旨在为读者提供一套系统而深入的中国古典诗词鉴赏指南,它并非仅仅停留在文本的表层解读,而是致力于挖掘蕴藏在字里行间的历史脉络、哲学思想与艺术精髓。我们相信,每一首流传千古的诗词,都是一座微缩的文化博物馆,承载着古人的情感投射与宇宙认知。 第一部分:溯源与基础——古典诗词的土壤与骨架 本部分将追溯中国古典诗词的源头活水,从《诗经》的质朴浑厚,到《楚辞》的浪漫瑰丽,构建起诗歌艺术的基石。 第一章:诗歌的滥觞——从神农之歌到周风雅颂 《诗经》的田野考察: 详细剖析《国风》中蕴含的民间疾苦、爱情咏叹与政治讽喻,探讨“赋、比、兴”三种基本表现手法的原始形态与应用。 周室的礼乐精神: 分析“雅”与“颂”如何体现周代社会伦理与祭祀制度,理解早期诗歌在国家意识形态构建中的作用。 第二章:浪漫主义的觉醒——屈原的个体精神 骚体的开创性: 探讨《离骚》中“香草美人”的象征体系,解析屈原如何将个人政治理想与神话想象熔铸一体,形成中国文学史上第一位伟大的浪漫主义抒情诗人。 楚辞的语言特征: 重点分析“兮”字的语气作用,以及楚地方言与神话色彩对后世词赋的影响。 第三章:汉魏风骨的转型——乐府与建安文学 乐府民歌的生命力: 研究汉代乐府的“感于哀乐,缘事而发”的现实主义精神,以《孔雀东南飞》为例,分析叙事诗的成熟。 建安文学的悲凉底色: 曹氏父子(曹操、曹丕、曹植)如何将汉末的动荡不安融入诗歌,形成“慷慨悲凉”的时代风貌。探讨其对生命短暂的哲学思考。 第二章:格律的精炼——近体诗的成熟与巅峰 本章深入探讨格律诗的形成过程,并以唐代为核心,剖析律诗与绝句的艺术构造。 第四章:盛唐气象——律诗的格律与气势 格律的“黄金定律”: 详述平仄、对仗、粘对等声律规则,但更注重阐释这些规则如何服务于诗歌的音乐美与结构平衡。 初唐的奠基者: 分析陈子昂的复古精神,以及“初唐四杰”在继承与创新中的过渡作用。 盛唐的双峰对峙: 王维的禅意山水: 探讨其“诗中有画,画中有诗”的境界,分析如何用空灵的意象表达佛家“寂灭”的哲学观。 李白的飘逸与豪迈: 剖析其诗歌中浪漫主义的非凡想象力,及其对自由的终极追求。 第五章:中晚唐的深化——情感的细腻与哲思的内敛 杜甫的“史诗”情怀: 深入解读“三吏”“三别”,理解杜甫如何将家国之痛融入个人生命体验,确立现实主义的典范。 晚唐的唯美转向: 探讨李商隐、杜牧的诗风,分析其意象的朦胧性、典故的运用,以及对晚唐时代衰微的隐晦表达。 第三部分:意境的构建——古典美学的核心密码 本部分将提炼出中国古典诗词区别于其他文学传统的几大核心审美特征,并辅以具体案例进行解析。 第六章:情景交融的艺术:物我合一的境界 “境”的生成: 探讨如何通过对自然物象的选取(如月亮、柳枝、飞鸿),营造出特定的氛围和情感载体。 “情”的渗透: 分析“一切景语皆情语”的表达方式,阐明诗人的主观情感是如何不着痕迹地融入客观景物描写之中。例如,对“江水”意象在不同时代所承载的离愁别绪的对比分析。 第七章:留白与虚空:中国古典哲学的诗性体现 “不着一字,尽得风流”: 阐释中国美学中“虚”的重要性,分析“言有尽而意无穷”的表达技巧。 禅宗与道家的影响: 探讨诗词中对“空”的捕捉,以及留白如何邀请读者参与到作品的再创造过程中。 第八章:典故与用典的智慧:以少胜多的表达 典故的“压缩包”功能: 解析古典诗词中对历史人物、神话传说的娴熟运用,如何用一个名字或一个事件,瞬间调动读者的集体记忆,达到言简意赅的效果。 辨识与欣赏的层次: 指导读者如何从典故的表层意义,深入挖掘其在特定诗歌语境下所产生的新的张力和意义。 第四部分:跨越体裁——从诗到词的演变与张力 本章关注词体的独立发展,以及它在音律、题材和风格上与近体诗的区别与融合。 第九章:词的诞生与格律的解放 “诗庄词媚”的缘由: 探讨词最初作为“艳科”与宴饮文化的关联,分析词牌对音乐性的绝对服从性。 五代十国:花间派的精致与伤感: 分析温庭筠、韦庄等人的审美取向,以及他们如何将婉约之美推向极致。 第十章:宋词的境界拓展——豪放与婉约的交响 婉约词的深化: 李清照的个体生命体验如何将婉约词提升到前所未有的深度与广度。 豪放词的“入诗”: 苏轼如何将诗歌的阔大境界引入词中,打破了词的传统题材限制,赋予其更强的哲理思辨色彩。 南宋的遗民情结: 辛弃疾的政治抱负与壮志难酬,如何通过比兴手法融入词作,形成沉郁顿挫的风格。 结语:古今对话——古典诗词在当下的回响 古典诗词并非尘封的古董,而是活着的语言遗产。本章鼓励读者将所学方法应用于日常阅读,理解这些千年前的文字如何依然能触动我们当代的情感共鸣,从中汲取面对现代生活的智慧与审美力量。通过掌握鉴赏的钥匙,我们得以更清晰地洞察中华文明的审美内核。

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读后感

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这本书的装帧设计和排版布局,简直是中文图书设计界的典范。在信息爆炸的时代,我们越来越依赖那些一眼就能抓人眼球的视觉刺激,但这本书却反其道而行之,用大量留白和恰到好处的字体大小变化,营造出一种让心神沉静下来的阅读氛围。我不是在谈论审美,而是在谈论阅读效率和沉浸感。当作者深入探讨某一首词的“换头”或“过拍”等技巧时,排版上的细微调整,比如引用原文时的缩进和加粗处理,使得读者可以在脑海中清晰地勾勒出词的结构图。这种对“阅读体验”的整体考量,远超出了普通学术普及读物的范畴。更令人称道的是,作者在引用前人研究成果时,处理得非常得体,既体现了扎实的学术根基,又巧妙地避免了堆砌文献带来的阅读疲劳感。它像是一位博学的长者,带着你穿梭于历史的长廊,时不时指出路边一棵古树的独特纹理,让你在欣赏整体宏伟景观的同时,也不会错过那些细微却至关重要的美学细节。

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我必须承认,我是一个在古典文学阅读上时常感到“力不从心”的普通读者,那些拗口的注释和繁复的历史背景常常让我中途放弃。这本书的强大之处,恰恰在于它构建了一个极其友好的“入门桥梁”,但这个桥梁绝非意味着内容的简化或降维。恰恰相反,它以一种非常细腻的、手术刀般的精准度,解构了那些经典词作的叙事肌理。书中对于特定意象的选取与演变——比如“杨柳”如何在不同朝代词人的笔下,从单纯的惜别之物,演变为承载家国之思的载体——提供了令人耳目一新的观察角度。作者的行文节奏把握得极好,时而长篇大论地铺陈背景,梳理一个概念的源流;时而又戛然而止,用一两句精妙的点评,将读者猛地拉回文本本身,进行一次“当下体悟”。我特别留意到书中对苏轼和李清照的作品处理方式截然不同,前者大气磅礴的哲思融入豪放,后者婉约的哀愁如何被格律巧妙地约束和释放,分析得鞭辟入里,让人感觉像是听了一场高水平的专业音乐鉴赏会,所有的情感波动都有迹可循,但绝不枯燥,反而充满了对人类复杂情感的深刻理解与尊重。

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这本封面设计得极其雅致,那种带着淡淡的墨香和岁月沉淀感的米黄色纸张,初拿到手里就有一种庄重感,仿佛捧着一部古老的经卷。我本来对这类专门聚焦于某种文体(比如词)的鉴赏书籍抱持着谨慎的期待,因为很多时候,这类书籍要么过于学院派,充满了佶屈聱牙的术语和旁征博引,让人望而却步;要么就是流于肤浅的“心灵鸡汤”式解读,缺乏扎实的文本分析功底。然而,这本书的开篇便展现出一种令人惊喜的平衡感。它没有急于抛出复杂的理论框架,而是从最基础的“声律”和“意象”的关联性入手,引导读者重新审视自己对音律之美的感知。作者似乎有一种魔力,能将那些看似高高在上、难以捉摸的古典美学,用一种近乎口语化的、充满画面感的叙事方式娓娓道来。我尤其欣赏其中对于特定词牌格律与所抒发情感张力之间微妙关系的剖析,那种将音乐的起承转合与诗人情志的抑扬顿挫进行类比的论述方式,极大地拓宽了我对词作“听觉”向“视觉”转译的可能性。读完第一部分,我仿佛站在宋代的月光下,不再只是“看”到那些文字,而是真切地“听”到了其中的韵律和呼吸,这是一种非常愉悦且富有启迪的阅读体验,让我对接下来的内容充满了期待。

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这本书的语言风格,像极了一位技艺精湛的雕刻家在工作,精准、克制,却又处处流露出对材料(即古典词作)的深厚情感。它避免了那种高高在上、仿佛掌握了真理的布道姿态,而是保持着一种谦逊的探寻者的姿态。在讨论词的“载道”功能与“言情”本质的永恒张力时,作者没有给出非此即彼的简单答案,而是展示了不同时代背景下,词人是如何在两者之间进行微妙的平衡与取舍的。我尤其欣赏作者对情感表达边界的探讨,比如在有限的格律内,词人如何处理那些难以言喻的、介于“欲说还休”与“一吐为快”之间的复杂心绪。读完后,我感到自己的内心世界似乎被拓宽了一层,那些过去模糊不清的情绪片段,现在有了一个更精密的词汇和结构去承载它们。它不是一本速读的指南,而是一本值得反复研读的工具书,每次重读,都会因为自身阅历的增加,而发现新的层次和更深远的意蕴。

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最让我感到震撼的是,这本书真正做到了“以小见大”,它没有将重点放在介绍那些耳熟能详的“必背”名篇上,而是花了相当的篇幅去挖掘那些相对冷门、但艺术成就极高的作品。通过对这些“遗珠”的细致品鉴,作者成功地证明了一个观点:词的艺术高度,绝不只取决于题材的宏大与否,而在于对有限的语言空间进行极致的压缩和释放。书中对某一首描写边塞风光的婉约词的分析,简直是教科书级别的展示——如何用“柔性”的笔触去描绘“刚性”的场景,并通过音律的变化,营造出一种“柔中带刚”的张力感。这种深入到微观结构层面的剖析,极大地提升了我个人鉴赏任何诗词作品的能力。我不再仅仅满足于感受到“美”或“悲”,而是开始好奇“为什么是这种美?”“这种悲是如何被构建出来的?”这种由“接受美”到“理解美”的飞跃,是任何浮光掠影的阅读都无法给予的。这本书培养的,是一种主动探索和批判性审美的能力。

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