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出版者:國家出版社

作者:李惠綿

出品人:

页数:420

译者:

出版时间:2006

价格:200.00元

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isbn号码:9789573610243

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《戏曲表演之理论与鉴赏》：深入探索中国戏曲艺术的奥秘 中国戏曲，这一集文学、音乐、舞蹈、武术、杂技、绘画、雕塑等多种艺术形式于一体的综合性艺术，以其独特的魅力跨越时空，至今依然活跃在舞台之上。它不仅仅是一种娱乐形式，更是中华民族深厚文化底蕴的生动载体，承载着历史的记忆、情感的表达、哲思的探究以及审美的情趣。《戏曲表演之理论与鉴赏》一书，正是为了带领读者穿越时空，走进戏曲的殿堂，深入理解其表演的精髓，领略其艺术的魅力。本书旨在提供一个系统性的视角，从理论的深度挖掘其表演的根基，再到鉴赏的广度触及作品的灵魂，为戏曲爱好者、研究者以及从业者提供一本不可或缺的参考之作。 一、 理论的基石：构建戏曲表演的认知框架 本书的基石在于其严谨的理论建构。戏曲表演并非空中楼阁，而是建立在一系列深厚的理论基础之上。第一部分“理论的基石”将带领读者认识戏曲表演的本质与构成要素。 戏曲表演的起源与发展脉络： 戏曲艺术并非一蹴而就，而是经过漫长的历史演变，吸收融合了不同地域、不同时代的艺术精华。从原始的歌舞祭祀，到唐代的参军戏、宋代的杂剧，再到元代的北曲、南戏，以及明清时期各地戏曲声腔的形成与发展，本书将梳理戏曲表演在中国历史长河中的演进轨迹，让读者了解其艺术基因的传承与演变，从而理解当下戏曲表演的形成基础。我们将探讨在不同历史时期，社会文化、哲学思想、审美观念如何深刻影响着戏曲表演的形式与内容，例如元杂剧的“科分”“曲牌”制度，对后世表演的结构性影响；明清时期各地戏曲声腔勃兴，如何孕育出昆曲、京剧、越剧等不同风格的表演体系。 表演的核心要素解析： 戏曲表演之所以独树一帜，在于其高度提炼和程式化的表达方式。本书将逐一剖析构成戏曲表演的核心要素，包括： 唱（歌唱）： 戏曲的唱腔是其灵魂所在，它不仅仅是声音的传递，更是人物情感、性格、心理状态的集中展现。我们将深入探讨不同剧种的唱腔特点、声乐技巧，如京剧的青衣、花旦、老生、武生等行当的唱腔程式，昆曲的婉转悠扬，越剧的清新自然。从呼吸、发声、吐字、行腔等多个维度，解析戏曲演唱的独到之处，以及如何通过唱腔来塑造人物的内心世界。 念（念白）： 念白是戏曲表演中至关重要的叙述与抒情手段。它并非简单的口语，而是经过高度提炼、富有音乐性的语言。我们将分析不同行当、不同情境下的念白风格，例如青衣的婉约，花旦的俏皮，武生的铿锵，以及一些特定念白的程式化运用，如“倒板”“流水板”等，揭示念白在推动情节、塑造人物、营造气氛方面的作用。 做（表演）： “做”是戏曲表演中涵盖最广的概念，包括身段、表情、动作、眼神等一切非唱念的肢体语言。本书将重点讲解戏曲表演中的“身段”“矮子步”“二龙抢珠”“云手”等经典程式动作，分析其在表达人物情感、性格、意境方面的作用。同时，还将探讨眼神的运用，如何通过眼神传递丰富的情感信息。我们将深入解析不同行当的表演程式，例如老生的沉稳持重，小生的英俊潇洒，旦角的柔美娇媚，净角的威猛霸气，以及丑角的滑稽诙谐。 打（武打）： 戏曲武打是力量、技巧与艺术的高度结合。本书将介绍戏曲武打的动作设计、套路编排，以及在表演中如何通过武打来展现人物的勇猛、机敏、矫健。我们将区分不同类型的武打，如“真打”“假打”，以及在不同剧种中的武打特色，例如京剧的“翻打”“毯子功”，越剧的“身段功”。 程式化的秘密： 程式是戏曲表演的灵魂，是演员技艺的集中体现，也是观众理解戏曲的钥匙。本书将深入解读戏曲的程式化美学，分析程式的形成机制、功能作用，以及如何在程式中赋予鲜活的生命力。我们将探讨程式的“意在形先”，即形体动作背后所蕴含的丰富意义；程式的“虚拟性”，如何以有限的动作表达无限的空间和情节。同时，也会讨论程式的传承与创新，如何在遵循传统的基础上，注入新的时代精神。 脸谱、服饰与道具的艺术象征： 戏曲的脸谱、服饰和道具并非简单的装饰，而是具有高度的象征意义，是解读人物身份、性格、命运的重要线索。本书将深入解析不同脸谱的色彩含义、图案寓意，以及它们如何勾勒出人物的忠奸善恶、性格特征。同时，还将探讨服饰的形制、色彩、图案所承载的社会等级、身份地位、审美情趣，以及道具的象征性运用，如马鞭象征骑马，船桨象征行船，等等。 二、 鉴赏的视界：品味戏曲艺术的无穷魅力 在掌握了戏曲表演的理论基础后，本书将带领读者进入“鉴赏的视界”，从多个维度去欣赏和理解不同戏曲作品的艺术价值。 经典剧目的赏析： 经典是历史的沉淀，也是艺术的瑰宝。《戏曲表演之理论与鉴赏》将精选一批具有代表性的经典剧目，进行深入的赏析。例如，京剧中的《霸王别姬》、《贵妃醉酒》、《苏三起解》，昆曲中的《牡丹亭》、《长生殿》，越剧中的《红楼梦》、《梁祝》等。本书将不仅仅停留在故事梗概的介绍，而是着重分析这些剧目在编剧、导演、表演、音乐、舞美等方面的艺术亮点。我们将探讨它们如何通过人物塑造、情节设置、情感表达，以及戏曲程式的精妙运用，达到感人至深、发人深省的艺术效果。例如，在《霸王别姬》的赏析中，我们会重点解读虞姬在“埋剑”、“舞剑”两场戏中的身段、唱腔如何层层递进地展现其悲壮、忠贞与无奈。 不同剧种的特色与美学： 中国戏曲拥有丰富多样的剧种，每个剧种都承载着地域文化、历史记忆和独特的艺术风格。《戏曲表演之理论与鉴赏》将对一些主要剧种进行介绍和比较，如京剧的严谨工整、昆曲的细腻婉转、越剧的清新典雅、豫剧的朴实生动、黄梅戏的委婉悠扬等。本书将通过对这些剧种在声腔、表演、音乐、服饰等方面的比较分析，帮助读者理解它们各自的美学追求和艺术魅力。例如，我们会分析京剧“四功五法”在不同剧种中的体现与差异，以及不同剧种的伴奏乐器如何营造出不同的听觉感受。 优秀演员的表演风格研究： 伟大的演员是戏曲艺术的灵魂传承者。本书将选取一些在戏曲史上留下深刻印记的表演艺术家，如梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生（京剧四大名旦），俞振飞（昆曲），以及袁雪芬、范瑞娟（越剧）等，对其表演艺术进行深入的研究和评价。我们将分析他们的艺术道路、师承关系，重点剖析他们的表演技巧、艺术风格，以及他们对传统程式的继承与创新。例如，我们会探讨梅兰芳如何将“程式”与“情韵”完美结合，创造出“梅派”艺术的独特魅力。 现代戏曲的创新与发展： 戏曲艺术并非静止不变，而是在时代发展中不断寻求创新与突破。《戏曲表演之理论与鉴赏》也将关注现代戏曲的创作与发展，探讨如何将传统戏曲的精华与现代审美、现代观念相结合，创作出既有传统韵味又不失时代气息的新作品。我们将分析一些现代戏曲的成功案例，以及在探索中遇到的挑战与机遇。例如，对一些改编自经典文学作品或反映当代生活的现代戏曲进行分析，探讨其在人物塑造、叙事方式、舞台呈现等方面的创新之处。 观众的参与与互动： 戏曲艺术的生命力在于观众的欣赏与传承。本书也将探讨如何培养健康的戏曲鉴赏能力，引导读者如何从“看热闹”到“看门道”，如何通过理论的学习和作品的欣赏，提升自己的艺术品味。我们将提供一些鉴赏的视角和方法，例如如何关注演员的“做功”与“唱功”的结合，如何理解音乐的烘托作用，如何体会服装、脸谱所传递的信息。 结语： 《戏曲表演之理论与鉴赏》一书，希望搭建一座连接理论与实践、历史与现实、传承与创新的桥梁。通过对戏曲表演理论的深入解析，让读者理解其根基之所在；通过对经典剧目、优秀演员、多元剧种的细致鉴赏，让读者领略其艺术之魅力。本书不仅是对中国戏曲艺术的一次全面梳理与深度挖掘，更是对中华民族优秀传统文化的一次致敬与传承。阅读本书，将是一场精彩的文化之旅，一次深刻的艺术熏陶，一次对中国戏曲艺术的全面认知与由衷赞叹。我们期待，通过本书，能够激发更多人对戏曲艺术的热爱，让这一古老而充满活力的艺术形式，在新时代绽放出更加璀璨的光芒。

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这部大部头，拿到手里沉甸甸的，光是装帧就透着一股子庄重感，让人忍不住想赶紧翻开一探究竟。我本以为它会像很多理论书籍一样，堆砌着晦涩难懂的术语，读起来会像啃石头一样费劲。然而，出乎意料的是，作者在叙述上展现了一种非常清晰的逻辑脉络，即便涉及到一些深奥的戏曲理论，也能通过生动的比喻和恰当的例子来解释，让一个初涉此道的门外汉也能勉强跟上思路。尤其让我印象深刻的是，书中对于不同剧种的表演体系进行对比分析的部分，它没有简单地罗列差异，而是深入挖掘了这些差异背后所蕴含的文化土壤和审美取向，这种深层次的剖析，极大地拓宽了我对传统艺术多样性的认知。书中的图文排版也十分考究，那些老照片和戏曲人物的插画，为文字增添了视觉上的冲击力和历史的厚重感，让人仿佛能穿越时空，真切地感受到舞台上那一瞬间的生命力。总而言之，这是一本兼具学术深度和可读性的佳作，对任何想系统了解戏曲表演精髓的人来说，都是一本值得珍藏的工具书。

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我属于那种需要大量案例支撑才能理解抽象概念的读者，所以很多学术著作对我来说，只看前几章就容易产生畏难情绪。但这部作品在引入理论概念时，总是紧密地结合着具体的舞台实践来进行阐述，这极大地降低了理解的门槛。书中对一些标志性动作的细致分解，比如不同流派的“亮相”处理，那种对身体语言的精确描摹，让我感觉仿佛有一位经验老到的老师就在我身边，手把手地示范。而且，作者似乎深谙现代读者的阅读习惯，章节之间的过渡非常自然流畅，不会有生硬的跳跃感。即便是涉及复杂的声腔理论部分，作者也用了大量的篇幅去解释这些技艺是如何服务于人物情感表达的，从而避免了纯粹的技术展示带来的枯燥。读完后，再去观看任何一场演出，我的关注点都会不自觉地被引导到这些被作者强调的细节上，这无疑是一种收获巨大的阅读体验。

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说实话，我原本对这种“理论与鉴赏”的组合抱持着一种谨慎的态度，总觉得“理论”容易脱离实践，而“鉴赏”又容易流于主观的赞美，两者难以完美融合。可这本书巧妙地找到了那个平衡点。它没有停留在对经典剧目进行表面化的赞叹，而是将鉴赏的过程系统化、方法论化了。当我读到关于“虚拟空间处理”那一章时，我立刻联想到了上次在剧场里看到的某个精彩的走位，书中对演员如何通过身段、水袖在舞台上“创造”出山川河流的描写，简直是拨云见日，让我对之前那些看似简单的动作有了全新的理解。它不是告诉你“这个很美”，而是告诉你“为什么它美，以及如何去欣赏它的美”。这种教学相长的感觉，让我阅读的体验非常充实，感觉自己不仅仅是在获取知识，更是在学习一种全新的观察世界的方式。书中的一些小小的脚注，也常常能引导出更广阔的阅读方向，可见作者的学识之广博，可见其在编撰过程中是下了多大的功夫。

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这本书的出版，对于我们这些在艺术圈边缘摸索的人来说，简直是一场及时的甘霖。它不是那种只供象牙塔内专家研读的著作，它的视野显然更具包容性。我特别欣赏作者在探讨“审美变迁”时的那种历史纵深感。书中清晰地勾勒出了不同历史时期，观众的审美趣味是如何影响甚至塑造了舞台表演的形态，这对于我们理解当下戏曲艺术所面临的挑战与机遇至关重要。很多当代评论中常常出现的含糊其辞的论调，在这本书里找到了扎实的理论基础进行对照和反思。更难得的是，它并没有陷入复古主义的泥潭，而是非常积极地探讨了传统如何在当代语境下获得新生。这种既尊重历史又拥抱未来的态度，让这本书不仅仅是一本“教科书”，更像是一份富有远见的“行动指南”。

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我发现这本书的一个非常独特的优点在于其对“人”的关注，而非仅仅停留在“技”的层面。在很多篇幅里，作者笔下的戏曲表演者不再是符号化的角色，而是有血有肉的艺术家。书中穿插的关于著名演员的生平轶事和舞台心得，虽然不是全书的主体，但却极大地丰富了理论的血肉。它们提供了一种极富人情味的视角，让我们看到那些看似完美的舞台呈现背后，蕴含着多少代演员的汗水、探索乃至挣扎。这种对艺术本体的关怀，使得整本书的情感基调非常温暖而有力。读完后，我对戏曲艺术的敬畏感更深了，这种敬畏不是源于其高不可攀的难度，而是源于对其中蕴含的集体智慧和个体创造力的深深折服。它成功地将“学问”转化成了“情怀”，让人读后久久不能释怀，忍不住想要再次翻开重温那些精彩的论述。

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