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出版者:John Wiley & Sons Inc

作者:Hillenkamp, Franz (EDT)/ Peter-katalinic, Jasna (EDT)

出品人:

页数:362

译者:

出版时间:2007-3

价格:1352.00元

装帧:HRD

isbn号码:9783527314409

丛书系列:

图书标签:

质谱
MALDI
生物分析
蛋白质组学
分子生物学
分析化学
生物化学
质谱技术
科学研究
实验技术

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具体描述

The introduction of the matrix-assisted laser desorption ionization technique (MALDI) changed mass spectrometry (MS) into a powerful tool for biomedical analysis that is now widely employed in academic as well as industrial laboratories. The 2002 Nobel Prize was awarded for the development of methods for identification and structure analyses of biological macromolecules. MALDI is one of the two mass spectrometric methods besides Electrospray which is universally used for this purpose. This unique book gives an in-depth description of the many different applications of MALDI MS, along with a detailed discussion of the technology itself. It will be a much-needed practical and educational asset for individuals, academic institutions and companies in the field of bioanalytics.

《光影之歌：电影艺术的流变与思辨》摘要：本书以宏大的视角梳理了电影艺术自诞生之初至今的百年演进史，深入剖析了不同历史时期、不同国家和地区的电影流派、美学风格及其背后的社会文化语境。它不仅聚焦于技术革新如何重塑叙事模式，更探讨了光影如何成为捕捉人类情感、拷问时代精神的独特媒介。全书分为六个主要部分，从早期默片时代的视觉语言探索，到好莱坞黄金时代的类型构建，再到欧洲现代主义的自我反思，直至当代全球化语境下的多元叙事策略，力求展现电影艺术的丰富性、复杂性与不朽魅力。 --- 第一部：默片的诞生与视觉的革命 (1895-1927) 本部分聚焦于电影作为一种全新艺术形式的萌芽与早期发展。我们首先回顾了卢米埃尔兄弟的纪实性捕捉，及其对现实瞬间的原始冲击力。紧接着，乔治·梅里爱如何通过蒙太奇和特效，将电影提升到奇观构建的层面，奠定了叙事电影的基石。重点分析了美国早期电影的“平行剪辑”和“场景空间”的建立，这标志着电影语法开始形成。随后，深入探讨了欧洲，尤其是德国表现主义电影（如《卡里加里博士的小屋》、《亡灵之城》）如何运用极端的布景、光影对比，将人物的内心焦虑和社会的动荡外化于银幕之上，展示了电影作为心理投射工具的潜力。此外，本书详尽考察了苏俄蒙太太理论的先驱者们，如爱森斯坦、普多夫金和库里肖夫，他们对剪辑节奏、冲突剪辑和知觉动员的系统性研究，如何将电影从简单的记录提升到理性的、思想性的艺术层面。默片时代，语言的缺失反而迫使创作者将表达的重心完全转移到纯粹的视觉逻辑和肢体表演上，这为后来的有声电影留下了宝贵的、尚未被充分挖掘的视觉遗产。第二部：有声时代的成熟与好莱坞的霸权 (1927-1950) 有声电影的出现是电影史上一次巨大的技术与艺术的断裂。本章分析了早期有声片在技术调试中对早期电影语法的“倒退”现象，以及随后如何逐渐将声音融入叙事，而非仅仅作为背景音。我们将焦点投向好莱坞制片厂制度的鼎盛时期。本书细致描绘了米高梅、派拉蒙等“五大”制片厂如何通过工业化的生产流程，确立了“明星制度”和“类型片”的黄金标准。从黑色电影（Film Noir）的阴郁美学、西部片的道德疆界，到歌舞片的精致逃避，类型片不仅是商业成功的保障，更是对特定时代美国社会价值观和集体潜意识的精确反映。同时，本部分也关注了美国国内的独立声音，如奥逊·威尔斯及其《公民凯恩》，它如何以深焦镜头、非线性叙事和复杂的音画关系，对好莱坞的既定范式发起了强有力的挑战，预示着电影叙事复杂性的回归。第三部：战后欧洲的觉醒与作者论的兴起 (1945-1960) 二战的创伤催生了欧洲电影界对主流叙事模式的深刻反思与决裂。意大利新现实主义的兴起是关键转折点，它用业余演员、实景拍摄和对日常琐碎的关注，捕捉了战后人民的生存困境和道德真空，强调了电影对社会现实的直接介入。随后，本书深入阐述了法国新浪潮（Nouvelle Vague）的革命性意义。特吕弗、戈达尔等导演，在继承了欧洲电影艺术传统的同时，积极吸取了美国B级片和爵士乐的元素，提倡“作者论”（Auteur Theory），将导演的个人意志和哲学思考置于电影创作的核心。他们对摄影机运动的解放、跳切的滥用，以及对传统情节的瓦解，极大地拓宽了电影语言的可能性。此外，本书还涉及了瑞典的英格玛·伯格曼，他如何将镜头聚焦于个体存在的焦虑、信仰的危机和人际关系的晦涩，将电影艺术推向了极度内省和形而上学的深度。第四部：新浪潮的辐射与类型片的重构 (1960-1975) 这一时期，电影的叛逆精神达到顶峰，并在全球范围内产生了回响。在东欧，如波兰学派和捷克斯洛伐克新浪潮，电影人运用寓言、荒诞和晦涩的意象，巧妙地批判着僵化的政治体制。好莱坞在欧洲新浪潮的冲击下，开始经历“新好莱坞”的自我革新。从科波拉、斯科塞斯到斯皮尔伯格、卢卡斯，这些受过欧洲电影教育的年轻一代导演，带着强烈的个人风格和对社会批判的渴望，重新审视并重构了好莱坞的经典类型。他们不再满足于简单的道德二元论，而是呈现出更加暧昧、更具道德灰色地带的人物和主题。本章还探讨了反文化运动对电影美学的影响，表现为视觉风格的极度夸张、对药物体验的模拟，以及对传统叙事结构的主动拆解。第五部：特效的崛起与后现代的碎片化 (1975-2000) 随着《星球大战》等大片的出现，电影工业进入了以高概念、高科技为核心的时代。本书详述了电脑图形技术（CGI）的成熟如何彻底改变了电影制作的边际成本和想象力的边界，使得奇观的构建变得空前便捷。与此同时，后现代主义思潮深刻影响了电影叙事。电影开始大量使用互文性、自我指涉和风格的拼贴。经典叙事被解构，界限被模糊。悬疑片开始模仿悬疑片本身，动作片开始嘲讽动作片。本书分析了昆汀·塔伦蒂诺等导演如何通过对不同类型、不同时代电影元素的混搭与挪用，创造出一种既怀旧又前卫的独特美学。此外，本部分也关注了世界电影的区域性爆发，特别是香港电影中对都市节奏、动作设计和情感强度的极致追求，及其对全球动作片工业的深远影响。第六部：数字时代的互联与全球化的叙事 (2000至今) 进入新世纪，数字摄影和数字发行彻底颠覆了电影的制作和消费模式。本书探讨了网络技术如何使得电影的“作者”概念变得更加分散，观众也从被动的接受者转变为主动的参与者和再创作者。我们审视了当代电影如何应对全球化带来的文化碰撞与身份认同问题。超级英雄电影的全球统一叙事、艺术电影对社会公平议题的关注、以及流媒体平台的兴起对传统院线模式的冲击，都是本章关注的重点。电影叙事变得更加碎片化、更加依赖系列化和跨平台体验。最后，本书总结了电影艺术在当下媒介环境中的位置，思考光影艺术如何在信息爆炸的时代，继续保持其独特的审美价值和思想穿透力，实现从胶片到像素的永恒对话。 --- 核心观点：电影艺术的每一次重大变革，都与特定的社会焦虑和技术飞跃息息相关。其魅力在于其能够不断吸收、消化并反思自身所处的时代，并以光影为媒介，构建出人类集体经验中最微妙、最复杂的情感景观。本书旨在提供一个连贯的框架，用以理解这些流变背后的深层驱动力。