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出版者:University of Chicago Press

作者:Anna Bentkowska-kafe

出品人:

页数:100

译者:

出版时间:2005-1-1

价格:GBP 25.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781841501161

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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• art
• KK
• 数字艺术史
• 艺术史
• 数字人文
• 艺术与技术
• 视觉文化
• 新媒体艺术
• 艺术理论
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• 文化遗产
• 数字化

《流光溢彩的织锦：欧洲中世纪艺术的物质性与精神追求》 导言：触摸中世纪的肌理 本书将引领读者深入中世纪（约公元5世纪至15世纪）欧洲艺术的肌理之中，不再将这一时期视为“黑暗时代”的冗长序曲，而是将其视为一个充满活力、复杂性与深刻精神探索的黄金时代。我们将聚焦于艺术品的“物质性”——它们是如何被制作、使用、感知，以及它们在当时的社会、宗教和政治结构中扮演了何种角色。这不是一本关于艺术史的通识读本，而是一场关于材料、技艺、光线、空间与信仰交织的深度考察。 第一部分：材料的哲学——从泥土到天堂 中世纪的艺术是物质驱动的。艺术家们对原材料的选择，远非单纯的美学偏好，而是基于神学寓意、经济流通和地域资源。 第一章：石头与时间的重量：罗马式建筑的沉思 我们将从罗马式教堂的厚重墙体开始。这些建筑不仅是信徒的庇护所，更是权力的象征和神圣秩序的物理投射。重点分析以下几点： 1. 拱券与穹顶的结构力学与神学意涵： 厚实的墙体如何创造出一种压抑而又庄严的“向上”感？半圆形拱券在空间序列中如何引导朝圣者的目光？探讨其与早期基督教巴西利卡布局的继承与革新。 2. 雕塑的叙事功能： 罗马式雕塑（如在柱头、壁龛和门楣上的浮雕）并非独立存在，而是建筑的有机组成部分。研究它们如何服务于“无字之书”的功能，向文盲群体传达教义，特别是关于末日审判和圣徒事迹的描绘。重点剖析图卢兹和韦兹莱的雕塑母题及其区域风格差异。 3. 光线的控制： 罗马式窗户通常狭小，光线被限制在有限的范围内。探讨这种低光照环境如何营造出一种内省、神秘的氛围，与后来哥特式艺术追求的“透明性”形成鲜明对比。 第二章：矿物、动物与火焰的交响：中世纪绘画的颜料与媒介 中世纪的色彩不是化学合成的产物，而是来自矿物、植物和动物的提炼。 1. 青金石的奇迹与价值（Lapis Lazuli）： 分析群青（Ultramarine）的稀有性、昂贵性及其在圣母玛利亚服饰上的垄断使用。探讨这种稀有颜料如何成为衡量委托人财富和虔诚程度的物质指标。 2. 蛋彩画（Tempera）的技艺与局限： 详细考察蛋黄作为乳化剂在木板画制作中的精确配比。讨论蛋彩画的快速干燥特性如何影响了艺术家对细节的刻画和色彩的晕染能力，以及这种媒介如何塑造了早期拜占庭和意大利半岛的圣像画风格。 3. 壁画的衰落与复兴： 探讨湿壁画（Fresco）在中世纪早期在欧洲大陆的应用与局限性，尤其是在潮湿气候下的耐久问题，以及它如何逐渐被干壁画或镶嵌画所取代。 第二部分：工艺的精微——微观宇宙与宏大叙事 中世纪的艺术大师往往是技艺精湛的工匠，他们的成就体现在对复杂工艺的掌握上，尤其是在小型化艺术品中。 第三章：金属的魔力：金缮、珐琅与权力的装饰 重点考察金属工艺在礼仪用品和珍宝制作中的核心地位。 1. 金银器与圣物的物质性： 研究圣杯、十字架和圣物箱的制作过程。分析“镀金”（Gilding）技术如何通过反射光线，使这些器物在教堂昏暗的环境中具有“发光”的视觉效果，模拟神圣的在场。 2. 珐琅（Enamel）技术的精进： 深入探讨列摩日（Limoges）地区盛行的“点彩珐琅”（Champlevé）和后来的“低浮雕珐琅”（Basse-taille）。分析珐琅釉料的透明度和色彩饱和度如何为微型场景提供了媲美宝石的视觉冲击力，尤其是在制作圣徒胸像和小型祭坛画时。 3. 手抄本的珠宝化： 探讨装饰性手抄本（Illuminated Manuscripts）如何成为“可移动的财富”。分析镶嵌在羊皮纸上的珍珠、宝石碎片和贵金属箔片，如何将阅读行为提升为一种感官的、物质的体验。 第四章：玻璃的透明之维：哥特式光线的诗学 哥特式教堂是中世纪技术与神学结合的巅峰，核心在于对光线的全面解放。 1. 彩色玻璃的制作与装配： 详细描述如何通过在玻璃中加入金属氧化物（如钴、铜、铁）来产生各种颜色。重点分析“铅条”（Cames）的使用，它不仅是结构支撑，更是图像叙事中不可或缺的黑色线条。 2. 光线的神学意义： 借鉴圣丹尼斯修道院院长叙热的理论，探讨“物质之光”如何转化为“形而上之光”。分析彩色玻璃如何将外部的自然光转化为内在的、超凡脱俗的、充满色彩的“神圣光芒”，从而使信徒沉浸于天堂的意境中。 3. 叙事的空间化： 研究圣母院、沙特尔大教堂的玻璃组画如何构建一个三维立体的、流动的叙事空间，其信息传递的效率远高于雕塑或壁画。 第三部分：使用者与观看者——艺术的社会学解读 艺术品的价值和意义，必须放置在它们被使用的具体情境中去理解。 第五章：私人祭坛与家庭虔诚：小规模艺术品的兴起 随着中世纪晚期城市经济的发展，私人艺术赞助开始兴起，催生了适应个人空间的作品。 1. 祈祷书（Book of Hours）的普及： 分析《祈祷书》如何成为贵族和富裕市民的必备物品。它们不再是修道院的财产，而是个人的精神伴侣。研究其中包含的微缩风景、日常生活场景如何与神圣主题并置，反映了世俗生活在信仰空间中的渗透。 2. 小型雕塑与便携式祭坛： 考察象牙雕刻、小型的木制或石膏圣母子雕像在私人祈祷中的作用。这些作品的亲密性（intimacy）如何鼓励个人情感的投入，而非仅是集体仪式。 3. 赞助人的物质身份： 通过分析委托书和艺术品上的铭文，揭示艺术赞助如何成为一种“可见的虔诚”和政治资本的积累方式。 第六章：工匠的身份与行会制度 中世纪艺术的生产是高度组织化的。 1. 行会的权力与规范： 探讨石匠、玻璃匠、金匠等行会如何控制技术知识的传播、材料的采购和作品的质量标准。这解释了为何许多伟大的中世纪艺术品是匿名（或以工坊名义）流传的，因为关注点在于集体的技艺成就而非个人天才。 2. 技术手册与知识传承： 考察少数流传下来的技术写作，如维奥莱-勒-杜克的材料分析或中世纪泥瓦匠的笔记，它们如何为我们理解当时的“创作秘诀”提供了窗口。 3. 从工匠到艺术家： 在中世纪晚期，随着意大利北部“文艺复兴先声”的出现，艺术家开始寻求更高的社会地位。分析这种身份转变的早期迹象，及其与传统行会体制之间的张力。 结论：物质的永恒回响 中世纪的艺术，无论是一块厚重的教堂基石，还是一片精巧的彩色玻璃，都是人类对物质世界进行精神编码的努力。通过细致考察它们的材料构成、制作技艺和社会功能，我们得以超越表面的宗教符号，真正“触摸”到那个时代人们对永恒、秩序与美的具体感知。本书力求揭示，正是这些物质的限制与可能性，塑造了欧洲中世纪艺术的独特光辉。

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《数字艺术史》这本书，对我来说，更像是一次关于艺术边界的探索之旅。我一直对那些挑战传统、突破常规的艺术形式充满好奇，而这本书似乎正是为我量身定制的。它没有拘泥于传统的媒介和形式，而是将目光聚焦于那些在数字时代孕育而生的新兴艺术。我尤其对书中关于“数字艺术与身份认同”的讨论感到着迷。在虚拟世界中，艺术家和观众可以自由地构建和重塑自己的身份，这会对艺术创作本身产生怎样的影响？又会如何折射出我们在现实世界中的身份焦虑和追求？我还在期待书中对“数字艺术与社会批判”的深入分析。许多数字艺术作品都具有强烈的社会批判性，它们通过各种数字媒介，对社会问题进行尖锐的批评和反思。这本书的阅读体验，让我深刻地认识到，艺术史的研究早已不再局限于传统的象牙塔，而是与我们的生活、与社会的发展紧密相连，而数字技术，则为这种联系赋予了前所未有的活力和可能性。

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我一直认为，艺术史的学习，最终是为了更好地理解当下和展望未来。而《数字艺术史》这本书，恰恰做到了这一点。它不仅仅是关于“数字”和“艺术史”这两个词的简单组合，而是将两者深度融合，呈现出一种全新的研究范式。我特别欣赏它在分析不同数字艺术作品时，所展现出的跨学科视角。它能够将技术原理、社会文化背景、哲学思想巧妙地编织在一起，形成一个立体的、多层次的解读框架。例如，书中对生成艺术的分析，不仅仅是介绍算法的运作，更是深入探讨了算法背后的“意图”和“偶然性”，以及它们如何共同塑造艺术作品的独特魅力。我还在思考，书中是否会涉及数字艺术在教育领域的应用？如何利用数字技术来普及艺术史知识，让更多人能够接触和理解艺术？这本书的深度和广度，让我对数字艺术的理解提升到了一个新的高度，也让我对未来的艺术创作和传播方式充满了期待。

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读了《数字艺术史》的前几章，我不得不说，它彻底颠覆了我对艺术史研究的固有印象。我一直以为艺术史就是枯燥的年代划分、大师的生平以及作品风格的分析，但这本书完全跳出了这个窠臼。它并没有按照传统的线性时间轴来展开，而是以一种更具启发性的方式，将数字技术的发展与艺术史的演变巧妙地联系在一起。我特别喜欢它关于“数字图像的诞生”这一部分的论述，它不仅仅是介绍技术，更是深入探讨了数字图像如何挑战了我们对真实性的认知，以及它如何成为艺术创作的新媒介。我感觉作者就像一位经验丰富的向导，带领我穿越一个又一个令人兴奋的数字艺术的“数字丛林”。我还在思考，书中接下来会如何阐述数字时代下，观众的角色发生了怎样的转变。以前，观众是艺术的被动接受者，现在呢？通过互动装置、社交媒体的传播，观众似乎也参与到了艺术品的生成和意义建构中。这本书的讨论让我受益匪浅，也让我对未来艺术的发展充满了更多的好奇和思考。

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《数字艺术史》这本书，与其说是一本学术著作，不如说是一场关于艺术未来的深刻对话。我之所以这么说，是因为它并没有停留在对过去艺术现象的梳理，而是将目光投向了数字时代艺术创作的当下和未来。我尤其感兴趣书中对“数字艺术的策展”的探讨。在过去，策展更多的是将实体艺术品在物理空间中进行陈列，而数字艺术的出现，使得策展的概念变得更加复杂和多元。如何在一个线上平台展示一件互动装置？如何为一件虚拟现实艺术品设计观赏体验？这些都是我一直在思考的问题，而这本书似乎给了我一些非常新颖的思路。我还在期待书中对“数字艺术的市场与收藏”部分的详细阐述，毕竟，数字艺术的产权和价值评估，与传统艺术有着本质的区别。这本书的出现，为我打开了一扇新的大门，让我看到了艺术史研究的无限可能性，也让我对数字艺术的未来发展有了更清晰的认知。

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我最近偶然翻到一本叫《数字艺术史》的书，当时就被它的名字吸引了。我一直对艺术史颇感兴趣，但总觉得传统的叙事方式略显枯燥，不够生动。这本书的出现，似乎预示着一种新的视角和方法。虽然我还没来得及深入阅读，但光是封面设计就透露出一种现代感和前瞻性，让我对书中可能包含的内容充满了期待。我设想，这本书或许会打破时间与空间的界限，将不同时期、不同地域的艺术品以一种全新的方式呈现。我尤其好奇，它会如何处理数字时代艺术创作的涌现，比如那些在虚拟现实中诞生的雕塑，或是通过算法生成的绘画。是否会涉及新兴技术，例如人工智能在艺术创作中的应用，以及由此引发的版权、原创性等一系列哲学层面的探讨？我希望这本书能够提供一个宏观的框架，帮助我理解数字技术如何重塑艺术的生产、传播和接受方式，甚至改变我们对“艺术”本身的定义。同时，我也希望它能像一位引路人，引导我探索那些我从未接触过的数字艺术领域，发现那些隐藏在像素和代码背后的精彩故事。

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断句错误一例 | 其实应该叫 digitalized art history 或者 digital history of art 更加合适。。。

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