具体描述
电影音乐作为电影声音的一个分支，严格意义上说，从电影诞生之初就已经和电影结下了不解之缘。默片时期，人们常常用乐师现场演奏音乐等方式填补画面的空白，掩盖放映机的噪音。因此，有评论家认为其实电影史上并没有一个绝对无声的“默片时代”。1927年，人们第一次在标志着有声时代来临的美国影片《爵士歌王》中听到了一首歌曲和几段场景音乐；而在中国，电影音乐同样扮演了电影声音先行者的重要角色：1930年，电影《野草闲花》中金焰和阮玲玉演唱的《寻兄词》，成为中国观众能够从电影中听到的最早的电影歌曲。七十多年来，中国电影音乐遵循中国电影的发展轨迹，经历了“萌芽及迅速发展时期”、“十七年时期”、“文革时期”以及“新时期”，音乐这种独立的听觉艺术形式，与电影完美结合之后，产生了意想不到的艺术效果。中国电影音乐从最初在表现形式、内容、风格等方面深受西方音乐文化影响，到逐渐在演变过程中与中国传统文化与民族风格相结合，直至最后走出银幕，融人社会生活并借助电影广泛传播，这一过程体现了中国电影音乐家对艺术的不懈追求。作为一门新兴的交叉学科，目前介绍电影音乐的专业理论书籍大都围绕“电影音乐分析”或“电影音乐鉴赏”展开，很少站在美学高度对电影音乐给予宏观的、深层次的剖析和梳理。虽然目前一些学者已经在“电影声音发展史”的研究中涉及了电影音乐的相关内容，但是专门针对中国电影音乐发展的系统研究，目前仍是一片空白。纵观中国电影音乐的发展历程不难发现，不同时代背景、不同人文风貌的电影，其音乐是有区别，也是有规律可循的。因此，探寻中国电影音乐发展的内在规律，将是本书研究的重点。本书将根据目前已有的理论、分析、鉴赏类电影音乐书籍，在本人从事电影音乐研究的基础上，从电影音乐的发展史出发，用哲学、电影学、史学、美学和音乐学等多学科知识深层次解构电影音乐，杨宣华编著的《中国电影音乐发展研究(大陆部分)》的主要内容将着重就中国电影音乐七十多年的发展历程加以梳理和归纳，并对电影音乐在不同历史时期体现的不同美学特征、文化内涵及传播学特质，结合重点影片音乐加以分析和评价；同时，结合电影本土化、民族化的大方向，论述在中国传统文化背景下电影与音乐的关系。中国电影音乐从起源到现在，其表现手法、功能作用、存在形态等发生了根本变化。系统研究、归纳、总结并整理它的内在规律及作品风格，对将来中国电影音乐的发展有着十分重要而积极的实践意义。
作者简介
杨宣华，北京电影学声音学院（原录音系）副教授，硕士研究生导师，北京师范大学艺术与传媒学院电影学博士，北京电影家协会会员，北京电影学院首届“师德十佳”，出版专著《中外经典影片音乐赏析》、译著《电影音乐人成长手册》、合著《影视受众调查研究》，多档电影音乐节目策划、撰稿、嘉宾。2012年入选北京市教委“人才强教计划”，公派美国罗斯福大学芝加哥演艺学院访问学者。
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用户评价
这本书的叙事风格非常引人入胜，它没有采用那种枯燥的编年体流水账式的记录，而是选择了一种更具穿透力的议题驱动模式。我尤其喜欢作者在处理不同历史阶段的音乐风格转变时，所展现出的那种敏锐的洞察力。比如，当谈到改革开放后，港台电影音乐思潮对内地配乐界产生的冲击与反思时，那种探讨的深度和广度令人印象深刻。它没有简单地批判或赞美，而是客观地呈现了两种文化体系在碰撞、交流中产生的复杂效应，以及内地创作者如何在此过程中确立自身的文化身份和美学立场。这种对“身份构建”的关注，让这本书充满了当代性和思辨性。它不仅仅是在讲述“发生了什么”，更重要的是在探究“为什么会这样”，以及“这意味着什么”，这种追问的力度，让读者能够更深刻地理解中国电影音乐在追求艺术独立和市场适应性之间的艰难平衡。
评分坦白说，一开始我对这么一本学术性较强的书籍有些畏惧，担心会遇到大量晦涩难懂的音乐术语。然而，作者在构建理论框架的同时，展现了极高的可读性。它巧妙地平衡了学院派的严谨与大众读者的接受度。书中对具体电影配乐片段的描述，采用了非常生动且画面感极强的文字，使得即使是不太了解乐理知识的读者，也能通过文字“听见”音乐的张力与情绪转折。例如，书中对某部经典战争片中，如何通过对环境音效和主体音乐的层层递进处理，营造出极度压抑而又蕴含希望的氛围的细致描摹，简直是教科书级别的示范。这种将理论分析与具体案例紧密结合，并辅以文学般描摹的手法，极大地提升了阅读的愉悦感，让这部研究著作不再是高高在上的理论堆砌，而更像是一场由专业人士带领的、充满惊喜的音乐之旅。
评分这本书最让我感到震撼的，是它对技术革新与音乐创作关系的历史梳理。它没有将电影音乐的演变仅仅归结为艺术家的灵感迸发，而是清晰地展示了录音技术、合成器技术乃至后期制作手段的进步，是如何从根本上拓宽了电影声音的可能性。作者深入探讨了从早期的手录配乐到后来的电子合成配乐，再到数字混音时代，每一次技术飞跃都对音乐的审美取向和创作范式带来了怎样的颠覆性影响。这种宏观的历史视野，辅以对具体技术细节的精确把握，使得全书的论述立体而丰满。读者可以看到，技术不再是中立的工具，它本身也成为了塑造特定时代电影音乐美学特征的关键变量。正是基于这种对技术与艺术互动的深刻理解，使得该书对中国电影音乐未来走向的预测，也显得尤为审慎和具有前瞻性，是一部充满洞察力的作品。
评分读完这本关于中国电影配乐历程的论著，我最大的感受是它提供了一种全新的“聆听”电影的方式。以往看老电影，总觉得背景音乐是烘托气氛的辅助工具，但这本书却像一把解剖刀，将那些曾经被我们忽略的配乐细节放大、拆解，展示了它们如何精准地引导观众的情绪，甚至在关键时刻完成叙事上的“画龙点睛”。比如，书中对某位著名作曲家如何巧妙运用民族乐器与西方交响乐进行融合的分析，简直令人拍案叫绝。那种融合并非简单的拼凑，而是深思熟虑的文化对话，体现了中国作曲家在借鉴外来经验时的独立思考和文化自觉。这种对音乐技法与文化背景之间复杂关系的探讨，使得这本书的价值远超一般的音乐史梳理，它成功地将音乐史、电影史与美学思辨融为一体，对于任何一个希望深入理解中国影像艺术的人来说，都是一本不可多得的工具书，每次翻阅都能发现新的层次。
评分这部作品，在我看来，就像是一部精密的航海日志，详细记录了中国电影音乐这片广袤海洋的潮起潮落与风云变幻。它并没有停留在对那些耳熟能详的经典旋律的简单回顾，而是深入到创作背后的时代脉络和社会思潮之中。比如，作者对于特定历史时期，如新中国成立初期，电影配乐如何被赋予强烈的意识形态色彩，并以此来塑造宏大叙事主题的分析，就非常到位。我尤其欣赏它对音乐语言如何与银幕影像进行“共谋”的探讨，它不是孤立地看待音乐，而是将其置于整个电影艺术的系统之中去考察其功能和效用。通过对不同流派、不同导演合作模式的剖析，读者能清晰地看到，那些动人的配乐并非凭空出现，而是特定创作群体在特定历史条件下的智慧结晶。整本书的结构严谨，论证充分，那种学术的厚重感中又不失对艺术的真挚情感，让人在阅读过程中，仿佛置身于一个充满历史回响和音乐张力的时空隧道，对中国电影的“声景”构建有了全新的认识。
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