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出版者:遠流出版事業股份有限公司

作者:伍潔芳

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:1997年2月1日

价格:236元（台币）

装帧:平装

isbn号码:9789573230953

丛书系列:

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经典光影的旋律之旅：一部深入电影音乐殿堂的权威指南 书名：《光影中的和声：从默片时代到数字交响的电影配乐史鉴》 书籍简介 本书并非仅仅罗列经典的电影配乐作品，而是致力于为读者构建一个宏大、细致且富有洞察力的电影音乐历史图景与理论框架。我们相信，电影音乐不仅是画面的附属品，更是叙事本身不可或缺的灵魂。 第一部分：起源与奠基——声音的萌芽与古典的移植 本部分将追溯电影音乐的诞生之初，深入探讨默片时代对现场音乐的依赖，以及这种早期实践如何催生了对统一配乐的需求。 第一章：无声的时代，有声的渴望 详细分析默片时期“情境音乐”（Mood Music）的运作方式，例如皮亚诺伴奏、管弦乐团的即兴演奏，以及早期电影院对音乐素养的特殊要求。探讨了欧洲与美国在早期配乐实践上的差异。 第二章：有声电影的黎明与“歌舞片”的崛起 聚焦1927年《爵士乐之王》带来的革命性冲击。分析早期有声电影如何处理对白、音效与音乐的关系。特别关注米高梅（MGM）等制片厂如何利用百老汇和歌剧的资源，打造出早期的“音乐剧电影”模式。 第三章：从古典到银幕：主题的引入与风格的定型 深入研究早期作曲家如何将传统的欧洲古典音乐结构（如奏鸣曲式、赋格曲）移植到电影叙事中。重点分析理查德·施特劳斯、马克斯·施陶丁格等先驱对交响乐在电影配乐中应用的探索。探讨早期“明星作曲家”的出现及其对好莱坞工业化的影响。 第二部分：好莱坞的黄金时代——风格的定型与配乐的权威确立 二战前后，电影配乐迎来了其最具标志性的发展阶段，主题旋律的创作达到了前所未有的高度。 第四章：马克斯·斯坦纳的创新与“连缀式配乐”的诞生 将斯坦纳视为电影音乐的“建筑师”。详细剖析他在《乱世佳人》和《金刚》中对“连缀式配乐”（Mickey-Mousing，与画面动作完全同步的配乐）的精湛运用，以及他对乐团编制和录音技术的革新。 第五章：埃里希·沃尔夫冈·科恩戈尔德与“浪漫主义的回归” 分析科恩戈尔德如何将十九世纪晚期瓦格纳式的“主导动机”（Leitmotif）系统完美融入冒险片和史诗片的叙事结构中，奠定了好莱坞宏大叙事的音乐基调。 第六章：亚历山大·卡尔亚金与叙事心理的深度挖掘 探讨卡尔亚金在阿尔弗雷德·希区柯克电影中，如何运用不和谐音和极简主义手法，表现人物内心的焦虑与恐惧，标志着配乐开始从单纯的情绪渲染转向对角色深层心理的刻画。 第七章：爵士乐的进军与类型片的音乐语言 专门开辟章节，研究爵士乐和布鲁斯如何渗透到黑色电影（Film Noir）和都市题材中。重点分析埃尔默·伯恩斯坦、亨利·曼奇尼等人在融合流行音乐元素方面的贡献，拓宽了电影配乐的审美疆界。 第三部分：新浪潮与音乐的解构——从交响到电子的过渡 进入20世纪中后期，电影创作观念的革新迫使配乐语言进行根本性的转变。 第八章：欧洲的先锋实验与电影音乐的“作者论” 考察法国新浪潮、意大利新现实主义等运动中，作曲家如何反抗好莱坞的传统模式。分析皮埃尔·布列兹等先锋音乐家对电影声音介入的思考，以及电影配乐如何开始强调其“非功能性”的一面。 第九章：伯纳德·赫尔曼：极简主义与声音的暴力美学 深入剖析赫尔曼与希区柯克（特别是《惊魂记》）的合作。详尽分析《惊魂记》中仅使用弦乐团的创新性决定，以及其对现代恐怖片音乐的决定性影响。探讨其对非传统乐器（如特定打击乐器）的大胆运用。 第十章：从摇滚到合成器：电子乐器的入侵 分析电子音乐技术（如Moog合成器）如何进入电影配乐领域。探讨温迪·卡洛斯在科幻片中的应用，以及这种技术变革如何为七十年代的电影，尤其是科幻和恐怖片，奠定了全新的音景基础。 第四部分：后现代与数字交响——配乐的全球化与技术革新 本书的最后部分关注当代电影音乐的趋势、挑战与未来方向。 第十一章：约翰·威廉姆斯现象：新经典主义的复兴与工业标准的固化 全面分析约翰·威廉姆斯如何成功地将黄金时代的主题旋律创作技巧，与现代的录音技术和管弦乐编制相结合，重塑了主流大片的音乐范式。探讨其作品（如《星球大战》《大白鲨》）的结构分析。 第十二章：汉斯·季默与“声景”的构建：混响、节奏与极简动机的当代应用 研究以汉斯·季默为代表的当代配乐大师，如何通过强调强大的低频效果、重复性的节奏动机（Ostinato）和复杂的混响处理，构建出具有强烈沉浸感的“声景”（Soundscape），而非仅仅是传统意义上的“旋律”。 第十三章：全球化视野下的音乐融合与文化挪用 探讨世界音乐元素（如印度、东亚传统乐器与和声）如何被好莱坞主流配乐吸收。分析配乐在全球发行过程中面临的版权、文化敏感性问题，以及流媒体时代对配乐长度和结构提出的新挑战。 结语：声音的未来——AI、沉浸式音频与互动叙事 对电影音乐的未来进行前瞻性思考，包括杜比全景声等沉浸式音频技术对传统立体声混音的冲击，以及人工智能生成音乐在辅助创作与未来独立电影制作中的潜在角色。 本书特色： 结构清晰： 按照时间脉络和技术革新划分为四大板块，逻辑严密。 理论结合实践： 每章均深入分析至少三部代表性电影的配乐片段，并附带详细的乐理分析图示。 访谈录精选： 收集了对多位中生代电影作曲家的专访（以引述形式呈现其观点），揭示创作过程中的真实困境与突破。 词汇辨析： 专门设有“电影音乐术语解析”附录，精确界定如“主导动机”“声部对位”“非典范和声”等核心概念。 本书旨在成为电影爱好者、音乐学学生，乃至专业电影工作者手中，一部不可或缺的、全面而深入的电影音乐研究工具书。它将引导读者超越单纯的“好听”，去理解每一段音乐是如何精确地服务于银幕上的情感与意义。

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这本书的排版和设计风格，是我个人非常欣赏的一点，它有一种沉静的、不喧宾夺主的质感。很多专业书籍为了显得“硬核”，会采用那种黑底白字或者密密麻麻的小字，让人读起来压力山大。这本书的留白恰到好处，图片的选取也很有品味，那些电影剧照和乐谱片段的插入，并非仅仅是装饰，而是具有明确的指向性，帮助读者在脑海中构建出声音和画面的连接点。我注意到，作者在谈论某些管弦乐配乐时，似乎带着一种对古典乐的敬畏，但转到电子乐或者实验音乐的章节时，他又展现出惊人的开放性和接纳度，并没有故步自封于某个特定的流派。这种跨越类型的包容性，让这本书的受众群体得以拓宽，不再局限于某一种音乐品味的追随者。对我来说，这更像是一本可以放在咖啡桌上，随时翻开都能获得片刻宁静和启发的读物，它的物理形态本身就传达了一种对美好事物的尊重。

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作为一个多年来在各种影音论坛里潜水的老观众，我深知“入门”与“精进”之间的那条鸿沟有多深。很多入门读物太简单，让人觉得幼稚；而很多进阶之作又太晦涩，让人望而却步。这本书的成功之处，恰恰在于它搭建了一座非常稳固且美观的桥梁。它没有刻意贬低初学者的知识储备，而是用一种平等对话的姿态，引导他们自然而然地跨越到更深的层次。我特别喜欢它在讨论到一些争议性话题，比如某位著名作曲家的某部作品在不同版本中的差异对比时，作者并没有给出绝对的“标准答案”，而是提供了多角度的分析，让读者自己去形成判断。这种开放式的引导，鼓励了读者的独立思考和批判性听觉，而不是被动接受既定的权威结论。阅读过程，就像是完成了一次高水平的智力游戏，既满足了求知欲，又带来了美学上的愉悦，实属难得。

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这本书，坦白说，我是在书店里随手翻到的，完全没抱什么期待。我一直对那种故作高深的影评或者纯粹的技术参数堆砌的“发烧书”有点敬而远之，觉得它们要么太学院派，要么就是给那些家里已经塞满了昂贵音响设备的土豪准备的。但这本书，嗯，它有点不一样。它没有那种咄咄逼人的专业术语，也没有硬塞给我一堆我根本听不出来的“微动圈的解析力”或者“线材的空气感”。相反，它更像是一个资深影迷，坐在你对面，泡着一杯热茶，跟你娓娓道来那些经典电影配乐背后的故事和魅力。我尤其欣赏它对情感氛围的捕捉，比如描述某段配乐如何烘托出主角内心的挣扎与释然，那种细腻的笔触，让人感觉不仅仅是在听音乐，而是在重新观看电影，甚至比亲自看电影时更能体会到音乐的张力。它似乎更关注的是“为什么这段音乐会让你心头一颤”，而不是“这段音乐的混响时间是多少赫兹”。对于我这种偶尔会为了电影配乐而专门去下载原声带，但又不太懂音频发烧术语的普通爱好者来说，这简直是打开了一扇新的窗户，让我能以一种更深入、更感性的方式去接触那些伟大的旋律。

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我得承认，我抱着一种近乎挑剔的心态去阅读这本书的，因为市面上太多打着“发烧”旗号的书籍，内容浅尝辄止，无非是罗列几张“必听”的专辑名单，然后草草收场。然而，这本书的深度，让我有些意外。它对于不同年代电影音乐制作理念的演变，梳理得非常清晰且有条理。比如，它对比了早期光学录音时代对空间感处理的限制，以及后期数字合成技术如何彻底解放了作曲家的想象力，这种历史的纵深感，不是简单地介绍几部影片就能达到的。更妙的是，作者似乎非常懂得如何平衡“艺术性”和“技术性”，他会用非常生动甚至有些幽默的语言，去解释一些看似高深的录音技术，让读者能够理解这些技术是如何服务于叙事的。比如，讲解杜比全景声在特定动作场景中如何实现沉浸式体验时，它引用了一个具体的片段，然后分析了声场中每一个元素的位置和意图，而不是空泛地赞美“效果震撼”。这种务实的、以体验为导向的解读方式，极大地提高了阅读的趣味性和实用性。

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真正让我感到惊喜的是，这本书不仅仅停留在“鉴赏”层面，它还触及了“如何更好地欣赏”这一层面的探讨。它没有直接给出“买哪个牌子的功放能听出区别”这种肤浅的建议，而是引导读者去思考，你的聆听环境、你的心情状态，甚至你对电影剧情的熟悉程度，是如何影响你对音乐的接收和解码的。其中有一章，探讨了“背景音”与“主角旋律”的平衡问题，作者认为，很多发烧友过于追求细节的清晰度，反而错过了音乐作为情感载体所营造的整体氛围。这个观点非常犀利，因为它挑战了那种“越贵越好，越清晰越好”的迷思。读完这部分，我开始有意识地调整自己的聆听习惯，不再总是一味地追求极致的解析力，而是学着去感受音乐中的“呼吸感”和“呼吸空间”。这是一种由内而外的转变，远比单纯的设备升级来得更有价值和持久的影响力。

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