具体描述
本书介绍了66位20世纪著名指挥家的生平、经历、生活趣闻;评价了他们的指挥风格及其唱片特点;作者在评述他们的指挥成就时,以其音响资料为依据,有迹可寻。每位指挥家都附有珍贵的照片,让读者领略他们繁荣风采。本书内容丰富,资料详实,文笔流畅,笔下有乐,评介中肯。书后的《320世纪指挥家概况》一文,也是一篇颇有价值的音乐专著。
作者简介
史君良,香港著名男高音歌唱家。原籍海南省文昌县,早年毕业于天津音乐学院附中声乐学科及天津音乐学院声乐系,曾任歌舞团歌唱演员、声乐导师、合唱指挥。1982年、1983年举行独唱会(香港艺术中心、香港文化署主办)。现在香港从事演唱、教学、合唱指挥、声乐评论等工作。
目录信息
谢尔盖・库塞维茨基
彼埃尔・蒙特
勃鲁诺・瓦尔特
托马斯・比彻姆
利奥波德・斯托科夫斯基
欧内斯特・安塞梅
奥托・克伦佩勒
威廉・富特文格勒
弗里茨・赖纳
卡尔・伯姆
阿瑟・菲德勒
狄米特里・米特罗普洛斯
乔治・塞尔
尤金・奥曼迪
约翰・巴比罗利
埃弗吉尼・穆拉文斯基
安陶尔・多拉蒂
赫伯特・冯・卡拉扬
塞尔吉乌・契里比达凯
乔治・索尔蒂
库里尔・康德拉申
卡洛・马里奥・朱利尼
费伦茨・弗里乔伊
罗伯特・肖
莱奥纳德・伯恩斯坦
沃尔夫冈・萨瓦利什
内维尔・马里纳
彼埃尔・布莱兹
克劳斯・腾斯泰德
赫伯特・布隆斯达特
库特・马祖尔
科林・戴维斯
叶夫根尼・斯维特兰诺夫
伯纳德・海丁克
安德烈・普列文
克里斯托夫・冯・多纳伊
尼古劳斯・哈农库特
洛林・马泽尔
卡齐米尔茨・科尔德
卡洛斯・克莱伯
克劳迪奥・阿巴多
小泽征尔
祖宾・梅塔
尼姆・贾尔维
尤里・特米尔卡诺夫
里卡尔多・穆蒂
克里斯托弗・霍格伍德
埃杜阿尔多・马塔
丹尼尔・巴伦勃依姆
约翰・埃利奥特・加德纳
詹姆斯・莱文
迈克尔・蒂尔森・托玛斯
朱塞佩・西诺波利
捷弗里・泰特
简・格洛弗
詹姆斯・康伦
长野健
西姆仁・毕希科夫
郑明勋
里卡尔多・夏伊
瓦列里・杰基耶夫
西蒙・莱托
米哈伊尔・普列特涅夫
埃萨-佩卡・萨洛宁
塞西莉亚・赖丁格・阿琳
20世纪指挥家概况
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
我得承认,刚开始阅读这本书时,我有些担心它会过于偏重德奥体系的指挥,毕竟这是古典音乐的主流。但出乎意料的是,书中对20世纪中后期,尤其是跨界合作和非主流乐团指挥的关注度非常高。它花了好大的篇幅去解析了一位专注于探索现代派和前卫音乐的指挥家,是如何在录音中试图“重建”作曲家未完成的乐谱结构,那种对声音实验的勇气和对听众接受度的挑战,读来令人心潮澎湃。更让我惊喜的是,书中甚至提到了几位女性指挥家,并且她们的章节并非是作为一个“特殊”案例被提及,而是直接将她们放在与男性大师同等重要的地位上,讨论她们在如何打破传统权威解释时所展现出的独特魅力和创新。这种平权和拓宽视野的做法,让这本书的格局瞬间提升,不再局限于传统的“指挥家殿堂”,而是更具当代性和前瞻性。读完这本书,我感觉自己像是被一位高明的引路人带着,走过了一条既有历史厚度又不失当代活力的音乐探索之路。
这本书,哎呀,拿到手的时候就觉得分量十足,沉甸甸的,一看封面设计就很有年代感,那种老式唱片纹理的浮雕效果处理得非常到位,让人一下子就想起了黑胶唱片时代的辉煌。我本来以为它会是一本枯燥的音乐理论解析,毕竟“著名指挥家”这个主题听起来就有点学术。没想到,一翻开目录,简直是柳暗花明。它没有急着去介绍那些耳熟能详的指挥大师的生平八卦,而是从一个非常独特的角度切入——它挑选了一些在录音史上留下深刻印记的“瞬间”,然后围绕这些瞬间去描绘指挥家们是如何捕捉并诠释这些瞬间的。比如,书中详细分析了一张德奥浪漫主义时期录音的母带是如何被一位特定指挥家‘驯服’的,那种对动态范围的极致控制,那种对乐团不同声部情绪起伏的精准拿捏,读起来简直就像在听一场现场的交响乐解剖课。作者的文笔非常细腻,他不用生硬的术语堆砌,而是用了很多比喻,比如形容某位指挥的棒法像是在编织一张巨大的情绪网,每一根丝线都承载着不同的张力。读完这一部分,我立刻去找来了那张特定的唱片,带着书中描绘的理解去听,体验感是完全不同的,仿佛隔着时间的玻璃看到了指挥家在乐池上挥汗如雨的场景。这本书真正做到了,让你在阅读中,同时也在聆听。
与其他音乐评论集大为不同的是,这本书的叙事节奏非常流畅,它成功地避开了传统传记文学中那种平铺直叙的“出生-求学-成名”的套路。作者似乎更偏爱于用“片段式”的叙事结构来构建整个音乐图景。比如,其中一章,不是按时间顺序介绍某位指挥家,而是聚焦于他在三次不同十年间,对同一部贝多芬交响曲录音的“演变过程”。前一个十年,他可能倾向于宏大叙事,后一个十年,他则转为追求内省和精致。作者通过对比这三张唱片中细微的速度变化、和声处理的取舍,勾勒出了指挥家本人心路历程的轨迹。这种“同曲异录”的分析方法,对我们这些长期聆听古典音乐的爱好者来说,简直是醍醐灌顶。它不再是教你“应该”怎么听,而是展示了“如何”通过聆听来洞察艺术家的生命体验。这本书的文字有一种魔力,它能把原本静止的音符重新赋予流动的生命力,让你重新审视那些听了无数遍的作品,每一次重读,都能发现新的层次和意涵。
这本书的排版和资料搜集工作,简直可以用“考据癖”来形容,而且是褒义的那种。我是一个对细节有执念的人,通常看音乐类的书籍,最怕的就是引用不准确或者年代混淆。但这本书在这方面做得无可挑剔。它不仅仅是提供了文字描述,而是大量穿插了各个时期录音的实物照片、当时的乐团演出海报,甚至是指挥家在录音室中手写的乐谱批注的扫描件。这些视觉材料的引入,极大地增强了文本的说服力和沉浸感。特别值得一提的是,书中为每一位被提及的指挥家都设置了一个“技术速查表”,里面精确列出了他们最擅长录制的作曲家、他们偏好的录音厂牌以及一个“标志性速度参数”的估算值。虽然这听起来很像技术手册,但实际阅读起来却非常有趣,它提供了一个量化的框架来理解那些难以言喻的艺术选择。我甚至拿这些数据去对照我自己的古典音乐收藏,惊讶地发现书中的判断准确率非常高,这背后的研究深度不言而喻。
说实话,我最欣赏这本书的批判性视角。它并不是一味地歌颂这些指挥巨匠,而是非常坦诚地探讨了录音技术、唱片工业与指挥艺术之间那种微妙的、有时甚至是紧张的关系。比如,书中有一个章节专门讨论了立体声技术兴起后,一些指挥家如何为了迎合当时听众对“清晰度”和“声场定位”的偏好,而在其诠释上做出了一些妥协,甚至可以说是“讨好性”的演绎。这让我对一些经典录音有了全新的认识。以前我总觉得,只要是卡拉扬或者伯恩斯坦的录音,就一定是巅峰之作,但这本书教会我,评价一张唱片,除了听指挥家的意图,还要考虑到录音棚里的技术限制、当时的商业考量,甚至是录音师的偏好。这种多维度的审视,让这本书的厚度一下子就上来了。它不是一本简单的传记集合,而是一部结合了音乐史、声学原理和艺术评论的跨界作品。我尤其喜欢作者在描述录音师与指挥家之间“博弈”时所使用的语言,那种张力感,比任何交响乐的高潮部分都要引人入胜,让人忍不住想去翻阅更多历史资料,去探究那段尘封的幕后故事。
对入门爱乐者很有帮助。
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南京先锋书店里淘了一本二手的,大赞
对入门爱乐者很有帮助。