具体描述
Just hearing a few notes from certain songs can bring a movie back to life—whether the Doors’ “The End” from Apocalypse Now, Simon and Garfunkel’s “Mrs. Robinson” in The Graduate, or John Williams’ scores to such blockbusters as Jaws, Star Wars, and Raiders of the Lost Ark. But what is the relationship between film and music—where does the film begin and the music end?
Taking off from a variation of that question—whether music accompanies a film or a film illustrates the music—Peter Larsen probes the complex relationship between the two. He charts the history of music in film, exploring along the way the role that music plays in the narrative and psychological functions of film. Examining such classics and blockbusters as The Big Sleep, American Graffiti, North by Northwest, and Blade Runner, Larsen uses these case studies to demonstrate how scores and soundtracks can expose unexpected new facets of a film.
A wholly accessible examination, Film Music will be an essential read for music scholars and film buffs alike.
作者简介
About the Author
Peter Larsen is professor in the Department of Information Science and Media Studies at the University of Bergen in Norway.
John Irons has translated several books from Norwegian, including Lars Svendsen’s books Fashion: A Philosophy and A Philosophy of Boredom, both published by Reaktion Books.
目录信息
读后感
上个月，山东画报出版社出版了《电影音乐》的中文译本，原著出自于2005年由挪威卑尔根大学教授皮特·拉森（Peter Larsen）所著的《电影音乐 Film Music》一书的英译版。本书是对电影音乐的一个全面概括，包括了其历史，艺术价值，扩展应用等方面，值得电影音乐爱好者们研读。不...
2009年5月23日晚，享誉世界的世界电影音乐之父，奥斯卡终身成就奖获得者，曾为《海上钢琴师》、《天堂电影院》、《西部往事》、《美国往事》等500部电影创作音乐，20世纪最高产也最著名的电影音乐作曲家之一，意大利作曲家埃尼奥•莫里康内在北京人民大会堂举行了“埃尼奥...
2009-07-24 作者：矞鹰 ■矞鹰 《电影音乐》 [挪威]彼得·拉森著 聂新兰 王文斌译 山东画报出版社出版 电影音乐是电影的一部分，它或为电影体验的一部分，或为构成电影文化背景的一部分。这看似简单，然而，如果我们开始仔细思考电影音乐为何物，它在电影...
2009-07-24 作者：矞鹰 ■矞鹰 《电影音乐》 [挪威]彼得·拉森著 聂新兰 王文斌译 山东画报出版社出版 电影音乐是电影的一部分，它或为电影体验的一部分，或为构成电影文化背景的一部分。这看似简单，然而，如果我们开始仔细思考电影音乐为何物，它在电影...
电影音乐，一直是作曲家们最为头疼的一个项目。它只能眼睁睁地看着自身被忽略，围绕着电影叙事的边缘进行渗透，而丝毫不能改变电影本身的动机。由于视觉的首要地位掩盖了听觉上的刺激，导致其总是被观众忽视。而彼得•拉森通过这本《电影音乐》向世人提出这一现象，并试图改...
用户评价
这本书的写作风格非常独特，带着一种后现代的解构意味。它似乎不满足于传统的线性叙事，而是采用了大量拼贴和跨学科引用的方式来构建其论点。其中有一章专门探讨了纪录片配乐中“不确定性原则”的应用，即音乐如何通过刻意制造的错位感和不协调感来挑战观众对真实性的认知。作者频繁地引用福柯的理论框架来分析音乐在权力结构中的作用，这使得整本书的阅读体验充满了智力上的挑战。我发现自己常常需要停下来，查阅引用的哲学概念，才能完全理解作者对某一首配乐的评价。这种风格无疑提升了本书的理论高度，但对于只想了解某个电影配乐师的创作历程和美学选择的读者来说，这种理论的“包裹”可能显得过于厚重和晦涩。它更像是为电影音乐理论研究的硕士或博士论文准备的参考书目，而不是一本面向广大电影爱好者的普及读物。
我不得不承认，这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它给我的感觉更像是给专业人士写的“工具书”，而不是一本能引发大众共鸣的影音鉴赏指南。它花了大量的篇幅去解构音乐的“语法”而非“情感”。举个例子，书中用大量篇幅分析了某个特定时期，作曲家如何运用特定的和弦进行（比如半音阶的使用频率和解决方式）来暗示角色的道德困境，这种分析深入到了分子层面，但却牺牲了阅读的流畅性。我个人更偏爱那种能够带我重温经典场景，让我重新感受到音乐与画面完美结合的瞬间的解读。这本书更像是拆解一台精密仪器，告诉你每一个齿轮如何运作，但却很少提及这台仪器最终能演奏出多么动听的乐章。如果你期待的是充满激情的文字，描绘出《教父》配乐带来的史诗感，或者《星球大战》主题曲如何点燃银幕上的冒险精神，那么你在这本书里几乎找不到类似的表述，它更偏向于对“结构”和“语境”的冷峻剖析。
我是在寻找一些关于电影声音设计与音乐之间界限模糊地带的资料时偶然翻到这本书的。这本书在这方面的探讨确实做得非常到位，尤其是在论述早期立体声实验如何影响了配乐的纵深感时，提供了许多罕见的制作内幕资料。它详细描述了如何在混音台上，将管弦乐的主旋律与环境音效进行“声场占位”的博弈，以确保音乐的叙事功能不被声音设计所吞噬。书中还深入比较了不同国家在处理“自然”与“人工”声音时，音乐所扮演的不同角色，比如对日本电影中“静默”处理的细腻观察。然而，这本书的叙事线索时常在中途跳跃，从技术分析突然转到某个特定作曲家在六十年代中期的一次短暂的巴黎时期游历，这种跳跃虽然能展现出作者广博的知识面，但却让试图跟上一个清晰历史脉络的读者感到有些迷失方向。它更像是一系列精彩的学术讲座的精彩笔记汇编，而非一部结构严谨的专著。
这本书的装帧设计很典雅，米白色的封皮配上烫金的字体，摆在书架上很有分量感，一看就知道是本下过苦工的作品。内容上，它更像是一本专业档案集而非通俗读物。我发现它很大一部分篇幅都在引用早期电影评论期刊上的法语和德语段落，并附上了详尽的注释，这对于希望追踪早期电影音乐思潮源头的研究者来说简直是宝藏。比如，书中对早期默片时代后期，配乐开始从即兴演奏向标准化乐谱过渡时，音乐家们在面对电影技术革新时的抵触与适应，描绘得淋漓尽致。它并没有过多去讨论旋律的优美与否，而是专注于技术层面的革新——比如磁带录音技术如何解放了管弦乐的编排方式，以及电子合成器在特定实验电影中的“噪音”角色定位。我读到关于六十年代法国新浪潮电影中，大胆采用爵士乐即兴片段作为情绪推动力的部分时，深感其资料的扎实。总的来说，这是一部资料性极强，但对普通影迷门槛稍高的作品，它假定读者已经对电影史和音乐理论有了一定的基础认知。
刚读完这本厚厚的著作，说实话，我的心情有些复杂。它似乎是一部旨在深入剖析二十世纪下半叶欧洲艺术电影配乐演变历程的学术巨著。作者似乎花费了大量篇幅在对特定导演与作曲家合作模式的细致梳理上，比如对伯格曼与北欧作曲家之间那种近乎哲思层面的音乐构建的探讨，以及意大利新现实主义时期，那种刻意去戏剧化、强调环境音效与音乐边界模糊处理的实验性尝试。我特别留意到其中关于“沉默的力量”那一章，作者详细对比了安东尼奥尼和塔可夫斯基在处理场景空白时音乐如何介入或抽离，以达到叙事上的张力，那种对非声音元素的细致入微的分析，真的让人耳目一新。然而，对于纯粹追求好莱坞式宏大叙事配乐的爱好者来说，这本书的视角可能过于集中在欧洲的内敛与晦涩，结构上显得有些过于沉重，阅读体验更像是在进行一场严谨的学术研讨会，而非轻松的休闲阅读。对于希望了解约翰·威廉姆斯或埃尼奥·莫里康内早期作品的读者，恐怕得失望了，这本书的焦点明显偏向了更具实验性和作者个人印记的一面。
