中国电影百年经典歌曲

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出版者:人民音乐出版社
作者:朱天纬
出品人:
页数:817
译者:
出版时间:2005-3
价格:76.00元
装帧:
isbn号码:9787103029640
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

本书选入的中国电影歌曲,是指自1926年以来,在中国(包括大陆、香港、台湾)各片种电影中,词曲作家专门为影片创作的歌曲(包括为未拍成的影片写作歌曲)和在电影当中选用的其他词曲(包括民歌和创作歌曲)。由于舞台艺术片(包括被搬上银幕的其他种类艺术形式:戏曲、歌剧、舞台演出等)中的音乐(包括歌曲)的创作成就,主要是原作品的创作成就,只是通过电影这一媒介得到广泛传播,因此本书只精选其中的重要选段和歌曲。在影片中选用的其他歌曲、为未拍成的影片写作的歌曲放在全书最后。

本书所选入的歌曲,首要考虑歌曲的创作成就,以及在群众当中流传或受欢迎的程度;同时出于电影歌曲作为电影的一个组成部分的认识,还需顾及其所在的影片的创作成就及其在中国电影史上的地位。同大多数这类选本一样,在考虑选入作品的标准的时候,对于创作年代久远、经过历史沉淀的作品偏宽,而对于创作年代较近,还需要经过历史沉淀的作品编严。本着尊重历史的精神,对个别有较重“时代色彩”的歌词,本书以原貌收入。

【目录】

故事影片

1926

乳娘曲 故事影片《良心的复活》插曲

1927

落花梦曲 故事影片《花国大总统》插曲(歌词)

1930

寻兄词 故事影片《野草闲花》插曲

1932

燕双飞 故事影片《芸兰姑娘》插曲

1933

母性之光 故事影片《母性之光》主题歌

开矿歌 故事影片《母性之光》插曲

春之恋歌 故事影片《母性之光》插曲

1934

开路先锋 故事影片《大路》序歌

大路歌 故事影片《大路》主题歌

燕燕歌 故事影片《大路》插曲

新凤阳歌 故事影片《大路》插曲

飞花歌 故事影片《飞花村》主题歌

牧羊女 故事影片《飞花村》插曲

采莲歌 故事影片《红楼春深》插曲

大地行军曲 故事影片《空谷兰》插曲

毕业歌 故事影片《桃李劫》主题歌

乡愁曲 故事影片《乡愁》主题歌

新女性 故事影片《新女性》主题歌

渔光曲 故事影片《渔光曲》主题歌

渔村之歌 故事影片《渔光曲》插曲

1935

西湖春晓 故事影片《船家女》插曲

摇船歌 故事影片《船家女》插曲

神女 故事影片《船家女》插曲

西洋镜歌 故事影片《都市风光》主题歌

下琼楼 故事影片《翡翠马》插曲

义勇军进行曲 故事影片《风云儿女》主题歌

铁蹄下的歌女 故事影片《风云儿女》插曲

凯歌 故事影片《凯歌》主题歌

采菱歌 故事影片《凯歌》插曲

母亲 故事影片《母亲》主题歌

你是我的生命线 故事影片《秋肩明灯》插曲

四姊妹歌 故事影片《四姊妹》主题歌

自卫歌 故事影片《逃亡》主题歌

塞外村女 故事影片《逃亡》插曲

天伦歌 故事影片《天伦》主题歌

雁群 故事影片《小天使》插曲

定情歌 故事影片《新桃花扇》插曲

夜来香 故事影片《夜来香》主题歌

自由神 故事影片《自由神》主题歌

……

美术影片

新闻纪录影片

科教影片

舞台艺术影片

香港影片

台湾影片

被影片选用歌曲

为未拍成的影片创作的歌曲

参考文献

索引(按歌曲名称的汉语拼音音序排列)

后记

《东方序曲:二十世纪世界音乐流变史》 导言:听见变革的时代之音 本书并非一部简单的音乐作品选辑,而是一部深入探究二十世纪世界音乐版图如何被剧烈重塑的宏大叙事。从蒸汽朋克时代的遗响到数字时代的碎片化听觉体验,我们试图描摹出这一百年间,不同文化、不同技术、不同社会思潮如何相互作用,最终铸就了我们今天所熟悉的那个多元、复杂、充满张力的“音乐世界”。它关注的不是某一国度或某一特定艺术形式的独白,而是全球音乐语汇的碰撞、融合与反叛。 第一部分:古典的黄昏与现代的曙光(1900-1930) 二十世纪初的音乐世界,依然笼罩在浪漫主义的余晖之下,但地平线上,一场无可避免的革命正在酝酿。本部分将细致剖析“第二维也纳学派”的十二音体系如何挑战了西方听觉的数百年基石。勋伯格的决绝,韦伯恩的精妙,以及贝尔格的戏剧性,共同构建了一个理性与情感在新的结构中挣扎的领域。 与此同时,我们目光投向更广阔的地域。斯特拉文斯基的《春之祭》在巴黎引发的“暴动”,标志着原始主义和节奏的解放成为可能。我们探讨了民族主义音乐如何借助新的和声手法,重新审视本民族的民间音乐资源,从巴托克的匈牙利探寻到德彪西印象派对东方音阶的借鉴。 在技术层面,留声机的出现并非仅仅是音乐的复制,而是对“现场性”概念的第一次根本性颠覆。录音技术如何影响了作曲家的创作意图?它如何催生了早期的大众音乐市场雏形?本章将详述这些早期工业化对音乐消费习惯的深刻影响。 第二部分:战火中的回响与新的节奏(1930-1950) 两次世界大战不仅重塑了政治地图,也彻底动摇了音乐的形而上学基础。在这一时期,音乐的“功能性”被前所未有地强化,无论是作为政治宣传的工具,还是作为心灵慰藉的避难所。 本书将深入分析肖斯塔科维奇在苏联体制下的创作困境与张力,他如何在官方要求与内在良知之间走钢丝?我们将检视美国音乐的崛起,特别是在爵士乐(Jazz)领域,其复调的复杂性、即兴的自由度,如何成为对欧洲古典音乐体系的一种有力回应和挑战。从路易斯·阿姆斯特朗的创新到大乐队(Swing Era)的盛行,爵士乐不仅仅是娱乐,更是一种底层文化向上发声的宣言。 此外,我们还会探讨边缘地区的贡献。南美洲的探戈和巴西的桑巴如何在国际舞台上占据一席之地,展示了非欧洲中心主义音乐叙事的可能性。此时期的录音技术进步,使得不同地理区域的音乐元素得以更快速地交流碰撞。 第三部分:电子浪潮与先锋的探索(1950-1970) 战后,欧洲和美国成为音乐实验的前沿阵地。本部分聚焦于两次重要的技术飞跃:电子合成器(Synthesizer)的发明和磁带录音的成熟应用。 我们详述了科隆的电子音乐工作室如何系统地利用振荡器和噪音发生器,试图构建一个“纯粹的非乐器音乐”世界。皮埃尔·布列兹和卡尔海因茨·施托克豪森等人的工作,标志着作曲家开始将工作室本身视为乐器。 与此同时,录音室技术被用于颠覆性的目的。披头士乐队在阿比路录音室的探索,不仅仅是流行歌曲的创新,更是对多轨录音、效果器(如回声、失真)的系统性开发,这使得录音室本身成为一个创作性的延伸空间。我们还将考察极简主义音乐(Minimalism)的兴起,如莱利的循环结构和赖希的相位过程,它们是对二十世纪初期复杂序列主义的一种反动,回归到时间与重复的简单律动。 第四部分:全球化与数字的前夜(1970-2000) 进入后现代,音乐的边界彻底消融。本部分将聚焦于世界音乐(World Music)概念的形成与争议。随着跨文化交流的增加,西方音乐人开始系统性地借鉴非西方传统,如印度拉格、非洲鼓点和中东调式。这种借鉴是互惠还是挪用?本书持审慎态度进行探讨。 电子舞曲(EDM)的萌芽,如迪斯科的兴盛与衰落,标志着节奏和律动在音乐中心地位的回归,其动力源于新的电子乐器和夜店文化的兴起。 最后,个人电脑和MIDI(乐器数字接口)技术的普及,宣告了音乐创作的“去中心化”。作曲不再是昂贵录音棚的特权,而变成了个人书桌上的可能性。从采样(Sampling)技术的广泛应用到数字音序器的出现,音乐的生产逻辑发生了根本性的转变,为进入新世纪的数字革命铺平了道路。 结语:未完待续的交响 《东方序曲》旨在提供一个广阔的、非线性的视角,去理解二十世纪的音乐是如何在社会变革、技术革新与哲学思辨的熔炉中锻造出来的。它提醒我们,音乐的声音是其所处时代最诚实的记录者。本书致力于呈现那些塑造了我们今日听觉世界的关键时刻、关键人物和关键技术,其核心在于对“世界性”和“时间性”的深度挖掘。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这部厚厚的精装书,封面设计得非常素雅,墨绿色的底配上烫金的宋体字,透着一股老电影的韵味。我刚拿到手的时候,光是翻阅目录就花了半个多小时,里面的内容简直包罗万象,仿佛直接把我拉回了那个流光溢彩的年代。比如它对三十年代上海滩歌舞升平场景的描绘,那种奢靡又带着一丝感伤的气氛,真是让人身临其境。书中不仅有大量珍贵的历史照片,很多都是我从未在其他地方见过的剧照和幕后花絮,简直是电影史爱好者的福音。尤其是它对于早期无声电影向有声电影过渡时期,音乐如何在新技术背景下进行创新和融合的分析,论述得非常深入且富有洞察力,完全不是那种肤浅的介绍,而是带着学者严谨态度的深度剖析。书里的排版也很考究,很多篇幅专门留白来展示那些充满艺术感的剧照,光是欣赏这些视觉材料,就已经值回票价了。我特别喜欢其中关于某位传奇女星在银幕上演唱主题曲时的情绪处理的章节,作者细致到她每一次眼神的流转和手势的停顿都进行了文字上的捕捉和解读,让人不得不佩服作者的观察入微。

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这本书的排版设计简直是一场视觉的盛宴,每一次翻页都像是在进行一次精心的艺术品鉴赏。它采用了一种非常独特的“图文交织”的布局方式,一些关键的音乐片段解析部分,会配上乐谱的局部扫描件,虽然我不是专业的音乐理论家,但看到那些清晰的五线谱和批注,就能感受到作曲家创作时的心境。此外,书里收录的许多电影海报和剧照的印刷质量极高,色彩饱满,细节还原度惊人,完全不像是一些普通影集那样模糊不清。我尤其喜欢书中对一些经典桥段的“声音景观”描绘——作者是如何用文字构建出那个特定的环境声、环境音与核心旋律是如何共存、对抗或交融的。这种细腻到近乎苛刻的描述,让我重新审视了“听觉体验”在电影叙事中的核心地位。读这本书,与其说是阅读,不如说是在进行一次沉浸式的多感官体验,它成功地让那些流逝在光影中的“声音记忆”重新鲜活了起来。

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拿到这本书,我原本以为会是一些老掉牙的、陈词滥调的怀旧文字堆砌,没想到它却提供了一种极其新颖的视角来审视中国电影的发展脉络。这本书的厉害之处在于,它并没有仅仅停留在对作品本身的赞美上,而是着重探讨了特定历史时期,社会思潮、文学思潮与电影音乐创作之间的复杂互动关系。例如,书中有一章专门探讨了抗战时期,歌曲如何超越娱乐功能,成为凝聚民族精神、进行宣传动员的强有力工具,那种文字的力度和情感的张力,隔着书页都能感受到。作者的文笔非常犀利和精准,没有一句废话,每一个论点都有坚实的史料支撑,阅读体验非常酣畅淋漓。特别是它对某几部被历史低估的文艺片中配乐的重新挖掘和评价,让人耳目一新,颠覆了我过去的一些既有印象。整本书的结构逻辑清晰得像是精密的钟表,层层递进,从宏观的历史背景到微观的某个音符的运用,都处理得恰到好处,读完后会让人有一种知识体系被重新构建的充实感。

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说实话,我刚开始买这本书时,是冲着它那扎实的史料价值去的,但读完之后,我发现它更像是一本关于“时代情绪”的深度剖析集。这本书的行文风格变化多端,一会儿是冷静客观的年代分析,一会儿是充满感性的个人回忆录式的片段,切换得非常自然。它巧妙地将宏大的历史叙事与音乐创作者的个体悲欢离合编织在一起,读起来既有历史的厚重感,又不失人性的温度。我印象最深的是关于某个特定时期(比如特定年代的文艺片)中,音乐如何“暗度陈仓”地表达了创作者的某种潜台词,那种“只可意会,不可言传”的艺术手法,被作者解构得淋漓尽致。这本书的语言组织能力令人叹服,它能将复杂的音乐理论和生硬的时代背景,转化成充满诗意和画面感的文字,让即便是对电影史不太了解的普通读者,也能被其中蕴含的艺术魅力深深吸引,读完后久久不能平静,感觉仿佛与那个逝去的电影黄金时代进行了一次深刻的对话。

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我最欣赏这本书的地方,在于它对不同地域、不同文化背景下的电影音乐所展现出的那种包容性和对比性。它不仅仅聚焦于主流的几个电影厂牌,而是花了大量篇幅去描绘那些地方性、边缘性的电影艺术在音乐上的探索和成就。比如对早期香港南下电影在音乐风格上的融合吸收的分析,以及台湾新浪潮电影中那种极简主义配乐哲学的形成过程,都有详尽的阐述。作者似乎走遍了中国电影的每一个角落,挖掘出了许多鲜为人知的音乐家和作曲家的故事,这些故事里充满了个人命运的跌宕起伏和艺术追求的坚韧不拔。这些叙述非常生动,仿佛作者本人就站在那些老录音棚里,亲耳聆听着音乐的诞生。读到那些幕后制作人员为了一个完美的音效或是一句恰到好处的对白付出的巨大心血时,我常常感慨万千。这本书的价值,不仅仅在于“记录”,更在于对“被遗忘的”艺术价值的“重新发现”和“郑重肯定”。

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