敦煌画稿研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中央编译出版社

作者:沙武田

出品人:

页数:520

译者:

出版时间:2007-5

价格:72.00元

装帧:精装

isbn号码:9787802113657

丛书系列:国家社科基金成果文库

图书标签:

• 敦煌
• 艺术史
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• 艺术理论
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• 佛教艺术
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• 图像学

笔墨丹青，千年回响——聚焦艺术史上的璀璨星辰 这是一部关于艺术史的深度探索，它并非局限于某一特定时期的绘画风格，或是某一地域的雕塑流派。本书旨在打开一扇通往艺术演变脉络的窗口，钩沉那些塑造了我们今日审美理解的艺术思潮、技术革新以及它们背后错综复杂的社会文化影响。我们将在历史的长河中回溯，追寻那些闪耀的艺术之光，解析它们如何从起源走向成熟，又如何激励后世无数创作者。 首先，我们将目光投向史前文明的艺术萌芽。从洞穴壁画的粗犷线条到新石器时代陶器的几何纹饰，这些早期艺术形式并非仅仅是简单的记录，它们承载着先民对世界的认知、对自然的敬畏以及对生命的理解。本书将深入探讨这些古老符号的象征意义，解析它们在宗教仪式、社会组织和部落传承中的作用。我们将审视它们使用的媒材、颜料的来源以及绘画、雕刻技术的原始形态，尝试还原当时艺术家们是如何利用有限的条件，表达他们内心丰富的情感和想象。通过对这些被誉为“人类文明的童年”的艺术遗产的梳理，我们可以初步理解艺术作为人类基本表达需求，是如何跨越数万年的时光，依然在我们心中激荡起共鸣。 接着，我们将进入古典文明的辉煌时期。古希腊的雕塑以其对人体比例的完美追求和对理想美的极致诠释，成为西方艺术史上的不朽丰碑。本书将细致分析古希腊雕塑从“古风时期”的僵硬到“古典时期”的写实，再到“希腊化时期”的动态与情感表达的演变过程。我们将深入研究其材质（如大理石、青铜）、技法（如失蜡法、阴刻）、以及哲学思想（如理性、和谐）如何深刻地影响了这些艺术作品的面貌。与此同时，我们也会将视角延伸至古罗马，探讨其艺术如何吸收希腊传统，又如何发展出更具现实主义和实用性的特点，例如肖像雕塑、纪功柱和建筑装饰。对这些古典艺术的品鉴，不仅是欣赏其形式之美，更是理解西方文化中理性、秩序和英雄主义精神的载体。 东方艺术的魅力同样不容忽视。本书将重点描绘中国古代绘画的独特发展轨迹。从战国时期的帛画，到汉代的画像石、画像砖，再到唐宋时期山水画、人物画的成熟，中国画在笔墨、意境、构图等方面形成了独树一帜的风格。我们将探讨“写意”与“写实”的辩证关系，解析水墨晕染的技巧如何在纸上营造出深邃的意境，以及山水画如何体现“天人合一”的哲学思想。同时，本书还将涉及中国古代书法艺术，将其视为一种与绘画同源的线条艺术，探讨汉字结构、笔画变化如何蕴含着丰富的审美价值，以及书法作品如何体现书写者的个性和情感。对中国古代绘画和书法的研究，将使我们领略东方艺术的含蓄、内敛与深沉。 艺术的发展并非孤立存在，它与宗教信仰、社会政治、经济状况以及哲学思想紧密相连。在中世纪的欧洲，宗教艺术占据了主导地位。本书将详述哥特式教堂的宏伟建筑如何体现人们对上帝的虔诚，彩绘玻璃上的圣经故事如何成为教化民众的视觉语言，以及宗教画作如何通过象征符号来传达神圣的教义。我们将分析罗马式艺术的厚重与肃穆，以及哥特式艺术的轻盈与向上。在东方，佛教艺术的传播同样深刻影响了亚洲各地的艺术发展。本书将触及佛教造像的演变，从印度犍陀罗艺术的西方影响，到中国、日本佛教艺术的本土化，解析不同文化背景下佛教艺术所呈现的多样风貌。 文艺复兴的到来，标志着欧洲艺术进入了一个新的纪元。本书将深入剖析这一时期艺术家们如何重新发现古典艺术的价值，如何以人文主义的视角来审视人与世界。我们将重点研究达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师的创作，解析他们在解剖学、透视法、色彩运用等方面的突破性成就，以及他们作品中所体现出的对个体价值的肯定和对现实世界的关注。文艺复兴的艺术不仅仅是技艺的革新，更是思想的解放，它为近代西方艺术的发展奠定了坚实的基础。 随后的巴洛克和洛可可时期，艺术风格发生了显著的变化。本书将探讨巴洛克艺术的宏伟、动感和戏剧性，解析其在宗教改革和君主制下的艺术宣传作用。而洛可可艺术则以其精致、华丽和轻松愉悦的风格，反映了贵族阶层的审美趣味。我们将比较这两个时期在色彩运用、线条造型、题材选择等方面的差异，理解艺术风格如何随着社会环境和审美潮流的变迁而演变。 19世纪以来，艺术的边界被不断打破，新的流派层出不穷。本书将回顾从新古典主义的严谨、浪漫主义的激情，到写实主义的忠实描绘，再到印象主义对光影瞬息变化的捕捉。我们将分析各个流派的艺术主张、代表人物及其作品，探讨它们如何回应社会变革、科学发现以及哲学思潮的影响。印象派的革命性尝试，特别是其对色彩和笔触的全新运用，为后来的现代艺术打开了大门。 进入20世纪，艺术进入了一个前所未有的多元化时代。立体主义对形的解构、表现主义对情感的宣泄、抽象艺术对形式本身的探索、超现实主义对潜意识的挖掘……本书将梳理这些重要的现代艺术运动，分析它们在艺术语言、创作观念和哲学思考上的创新与颠覆。我们将审视艺术家们如何挑战传统的审美规范，如何利用新的媒材和技术，以及艺术如何在社会、政治和个人经历中寻找表达的动力。 本书还将触及一些边缘但同样重要的艺术领域。例如，对民间艺术的考察，将揭示其鲜活的生命力、独特的地域风格以及与日常生活紧密联系的特质。手工艺的传承与发展，同样是艺术史不可分割的一部分，它们展现了人类精湛的技艺和对美的追求。此外，我们还将探讨艺术与设计的关系，以及设计如何在功能与美学之间找到平衡，影响着我们身边的物质世界。 在内容的选择和呈现上，本书力求严谨而富有启发性。每一个章节都将基于扎实的学术研究，引用最新的研究成果，并辅以精美的图版，让读者能够直观地感受到艺术作品的魅力。我们并非仅仅罗列作品和艺术家，而是致力于挖掘它们背后的思想内涵、历史语境和社会影响，让读者能够理解艺术为何如此，又为何对人类文明产生如此深远的影响。 本书的最终目的，是帮助读者建立起一个更广阔、更深刻的艺术史观。它鼓励读者以开放的心态去欣赏不同文化、不同时期、不同风格的艺术，去理解艺术创作的多样性与复杂性。通过对艺术史的深入了解，我们不仅能够提升自身的审美能力，更能够理解人类共通的情感、理性的思考以及对美好永恒的追求。这趟跨越时空的艺术之旅，将是一次对人类文明瑰宝的致敬，一次对创造力火花的捕捉，一次对我们自身理解世界方式的拓展。

评分☆☆☆☆☆

角度大赞。旁涉资料宏富，思路清晰，逻辑亦尚佳，对敦煌画稿的分类最可肯定。第二、三章为中心。净土经变稿、金光明经变稿、劳度叉斗圣变稿等等经变画稿结构布局示意对研究实际佛窟意义重大。第七章密宗类画稿下笔较浅，密教的界定存在问题；略显单薄。然书之整体涉及资料众多...

评分☆☆☆☆☆

角度大赞。旁涉资料宏富，思路清晰，逻辑亦尚佳，对敦煌画稿的分类最可肯定。第二、三章为中心。净土经变稿、金光明经变稿、劳度叉斗圣变稿等等经变画稿结构布局示意对研究实际佛窟意义重大。第七章密宗类画稿下笔较浅，密教的界定存在问题；略显单薄。然书之整体涉及资料众多...

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评分☆☆☆☆☆

角度大赞。旁涉资料宏富，思路清晰，逻辑亦尚佳，对敦煌画稿的分类最可肯定。第二、三章为中心。净土经变稿、金光明经变稿、劳度叉斗圣变稿等等经变画稿结构布局示意对研究实际佛窟意义重大。第七章密宗类画稿下笔较浅，密教的界定存在问题；略显单薄。然书之整体涉及资料众多...

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我不得不感叹，作者对于敦煌艺术的“非主流”面向挖掘得实在太深了。市面上太多关于敦煌的出版物都聚焦于那些绚烂夺目、保存完好的“精品”，但这本书的视角却是向下挖掘，直抵那些尚未被完全定型的“试验品”和“练习稿”。这种关注点上的差异，使得全书的基调显得尤为新颖和锐气。我特别喜欢作者在讨论材料科学与艺术实践交叉点时的那种批判性思维。他没有简单地将敦煌的材料视为给定条件，而是将其置于当时的社会经济背景下进行考察，比如，某一类特定纸张在特定时期的大量使用，可能反映了来自长安或河西走廊的官方资助模式的变化。最让我感到震撼的是关于“失传技法”的重建尝试。作者基于残存的草稿，结合古代造纸和颜料制作的文献，推测出几种可能已经失传的晕染和勾线方法，虽然是推测，但其推导过程基于大量的考古发现和化学分析，严谨到令人信服。这本书无疑拓展了我们理解敦煌艺术的维度，不再仅仅停留在图像学的层面，而是深入到了工艺美术史和物质文化研究的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这部关于敦煌早期手稿的著作，简直是为那些痴迷于丝绸之路文化遗产的学者们量身打造的宝藏。我刚翻开引言部分，就被作者那种对历史细节的执着深深吸引住了。他没有停留在泛泛而谈的敦煌艺术史描述，而是直接深入到那些尘封的、往往被忽视的草稿和残片中去。比如，其中关于第17窟早期佛经变相图的考证部分，作者通过对笔触、墨色以及纸张纤维的微观分析，大胆推翻了过去一些流行的断代观点，提出了一个更具说服力的、与初唐中原风格演变更为契合的序列。尤其令人称道的是，书中收录了大量高分辨率的拓印和放大图，那些肉眼难以辨识的细微修改痕迹，在图版上暴露无遗，这对于我们研究早期画工的创作过程和技法转换提供了无可替代的直观证据。我个人对其中关于“白描线稿”如何预示最终壁画风格的论述最为感兴趣，这不仅仅是技术分析，更像是一场与古代匠人的心灵对话，揭示了从构思到定稿之间，那些充满偶然性和创造性的瞬间。全书的论证逻辑严密，引经据典，充分展现了作者深厚的文献功底，读起来酣畅淋漓，完全沉浸在了对敦煌早期艺术基因的探索之中。

评分☆☆☆☆☆

如果说大多数敦煌研究是描绘辉煌的“殿堂之美”，那么这本著作则更像是一次对艺术创作“车间内部”的深度探访。它真正触及了敦煌艺术的“生产链”的源头。作者似乎对古代的作坊组织结构和学徒培养体系有着异乎寻常的兴趣，并将其融入到对画稿的解读之中。例如，书中对几种不同“笔法成熟度”的草稿进行了分类，并据此推测出敦煌早期可能存在的三级或四级学徒制度，这不仅仅是艺术史的发现，更像是早期中原地区手工业管理史的一个侧面折射。这种跨学科的视野，让整本书的格局被极大地拓宽了。我发现自己开始思考，这些看似简单的“习作”背后，凝结着多少代人的技艺传承和商业运营的智慧。这本书的价值在于，它成功地将那些沉默的、被埋没的“初稿”重新激活，赋予了它们作为历史文献的重量和温度，让读者不再仅仅欣赏最终的“成品”，而是开始尊重创作过程本身。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排，着实考验了读者的耐心，但也奖励了那些真正愿意深入探究的行家。它并不是一本适合在咖啡馆里轻松翻阅的读物，更像是一本需要放在案头，随时准备查阅参考的工具书兼学术专著。作者显然将大量的精力投入到了对那些编号复杂、信息零散的档案材料的整理和系统化上。全书的论述节奏缓慢而扎实，大量的篇幅用于对具体“页”或“卷”的逐一剖析。例如，在分析某一组被认为是“学徒练习”的草图群时，作者细致入微地比对了不同作者在处理同一尊佛像时的线条张力差异，这种对比分析，简直是美术史教学的活教材。坦率地说，如果不是对敦煌研究有一定基础，初次接触可能会觉得有些晦涩，因为作者常常需要引用那些不为人熟知的敦煌遗书编号或壁画残片编号，但一旦进入状态，那种抽丝剥茧、还原历史场景的成就感是无与伦比的。它更像是一部学术侦探小说，只不过“罪证”是古代的墨迹和纸张。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格异常沉稳、老派，充满了古典学术论著的韵味，读起来有一种直面古籍的敬畏感。作者极少使用现代流行语汇，对术语的界定极为审慎和精确，这保证了其学术的严肃性。我尤其欣赏其在处理一些模棱两可的历史问题时所展现的“学术克制”。面对一些尚无定论的断代和归属问题，作者总是提出基于现有证据的最优解释，但同时清晰地标明了其论断的局限性，并为未来的研究留下了可能性。这种严谨的态度，在如今很多追求快速传播的学术作品中是相当难得的。对于我这种偏爱传统史学范式的人来说，阅读体验极佳，仿佛置身于一个安静的、堆满了手稿和放大镜的研究室中，与作者一同面对着同一份来自千年前的古代图稿，共同解读其中的奥秘。它不是在“告诉”你结论，而是在“带领”你经历发现的过程。

评分☆☆☆☆☆

3.5

评分☆☆☆☆☆

3.5

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白画 画稿

评分☆☆☆☆☆

3.5

评分☆☆☆☆☆

废话与干货齐飞，属于罗列现有文献资料，除了画稿二字，未见博士论文该有的创新性，未见逻辑推理的论述，看了五十页好像什么都没有看到