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出版者:人民音乐出版社

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页数:0

译者:

出版时间:2005-07-01

价格:3.7

装帧:

isbn号码:9787103025192

丛书系列:

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• 中学音乐
• 音乐教材
• 五年级
• 音乐教育
• 基础乐理
• 歌曲
• 合唱
• 器乐
• 音乐欣赏
• 课本

《世界音乐巡礼：跨越地域的旋律之旅》 引言： 音乐是人类共通的语言，它穿越时空，连接着不同的文化与心灵。然而，当我们习惯于在特定的教育框架内接触音乐时，我们可能会错过更广阔、更多元的声音世界。《世界音乐巡礼：跨越地域的旋律之旅》并非一本教科书，它是一张通往全球音乐地图的单程票，旨在带领读者跳出熟悉的音阶与和声结构，深入探索地球上那些鲜活、独特、充满生命力的音乐传统。本书聚焦于那些在主流音乐教育体系中鲜少被提及的流派、乐器、演奏技法及其背后的文化深意。 第一章：欧罗巴的隐秘回响——民间音乐与早期实验 本章将目光投向欧洲大陆上那些被“古典”光环掩盖的民间音乐遗产。我们不会过多纠缠于巴赫或莫扎特的结构分析，而是深入探究爱尔兰的传统提琴（Fiddle）即兴演奏如何与酒吧里的喧嚣融为一体；探寻巴尔干半岛上，吉普赛（罗姆人）音乐家们如何用他们特有的五声音阶和变拍节奏，讲述着迁徙、苦难与狂喜的故事。 凯尔特音乐的呼吸： 深入解析苏格兰和爱尔兰风笛（Uilleann Pipes）的独特音色和复杂的指法系统，探讨“Session”（音乐聚会）中口头传承的即兴艺术，而非固定乐谱的束缚。 伊比利亚的暗流： 聚焦西班牙弗拉门戈（Flamenco）中“Cante Jondo”（深沉之歌）的灵魂。分析其复杂的拍子结构——如十二拍的 Soleá 或 Bulerías，以及“Duende”（灵感或魔力）在歌者、舞者和吉他手之间传递的神秘能量。这不是学习如何弹奏吉他，而是理解何为“灵魂的呐喊”。 东欧的复杂韵律： 介绍保加利亚合唱团的“奇异音程”（如增二度），这些听起来“不和谐”的音程，实际上是其音乐美学核心，体现了古老音律的遗存。 第二章：亚洲的宏大叙事——从庙堂到街头 亚洲音乐拥有数千年历史，其复杂性和哲学深度往往令人望而生畏。本章旨在以一种贴近体验的方式，解构这些体系。 印度斯坦尼音乐的无限延展： 我们将重点探讨拉格（Rāga）体系。拉格不仅仅是音阶，它是一种情绪、时间、甚至特定的神祇联结。分析西塔尔琴（Sitar）或萨罗德琴（Sarod）演奏中的“Alaap”（引子），这是完全自由的、非节奏性的探索阶段，展示了音乐家如何“雕刻”出旋律的形状。我们将对比北印度的古典音乐与宝莱坞音乐的制作差异。 爪哇甘美兰的宇宙秩序： 探索印度尼西亚（尤其是巴厘岛和爪哇岛）甘美兰（Gamelan）的金属打击乐世界。甘美兰的特点在于其复调的、交织的节奏，以及对“核心旋律”的层层装饰。理解其与印度教、佛教仪式中对宇宙平衡的追求之间的关系，而非将其视为一套简单的敲击乐器组合。 东亚的留白之美： 考察日本雅乐（Gagaku）中那缓慢、庄严的进行，以及中国古琴音乐中对“散音”、“泛音”和“按音”的精妙处理。重点在于理解这些音乐如何体现“虚实相生”的美学，留白之处往往比发出的声音更重要。 第三章：非洲大陆的节奏心脏——律动与身份的构建 非洲音乐是节奏的百科全书，其复杂性在于多重节奏的叠加与互动。 西非的鼓语： 详细介绍加纳阿肯族（Akan）或马里格里奥特（Griot）音乐中的核心乐器，如“Djembe”（丁苯鼓）和“Talking Drum”（会说话的鼓）。探讨在传统仪式中，鼓手如何通过节奏的转换来呼唤特定祖先或传达复杂的社会信息，鼓声即是语言。 马达加斯加的马林巴变形： 介绍马达加斯加的瓦利哈琴（Valiha，竹管琴），探索其独特的音高系统和演奏技巧，以及它如何融合了东南亚和非洲的音乐元素，形成一种独特的岛屿声音。 中非的复调与呼应： 考察刚果盆地等地的传统合唱，分析他们如何运用“呼应”（Call-and-Response）结构，以及这种结构在工作、社交和宗教活动中的社会功能。 第四章：美洲的熔炉与再造——从殖民地到电子实验 美洲大陆的音乐是全球文化碰撞后产生的最剧烈的火花。 拉丁美洲的“混合性”： 深入探究古巴的Son、阿根廷的探戈（Tango）如何吸收非洲的打击乐、欧洲的和声与土著的旋律。分析探戈中“Bandoneón”（手风琴）的悲怆音色是如何捕捉移民的乡愁。 北美原住民音乐的仪式性： 关注北美大平原印第安人（如苏族）的传统“歌唱”（Singing）传统，这些音乐通常是单音或五声音阶的，直接与仪式、祈祷和故事讲述相连，它们的目的并非娱乐，而是构建精神联结。 蓝调的起源与变形： 尽管蓝调被广泛研究，但本章将着重探讨其早期Delta蓝调（三角洲蓝调）中，演奏者如何用滑动音（Slide）模仿人声的哀叹，以及这种音乐在社会压迫下如何成为一种自我疗愈的途径。 结语：倾听世界的脉搏 《世界音乐巡礼》的目的不是要让读者成为某一门派的专家，而是培养一种“开放的耳朵”。通过了解不同文化如何定义“和谐”、“节奏”和“旋律”，我们得以反思自身音乐背景的局限性。世界的声音是无限的，每一次聆听，都是对人类创造力边界的重新认识。本书鼓励读者走出音乐厅，去那些不被精心编排的角落，真正聆听世界的复杂脉动。

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在尝试使用这本书进行自我提升的过程中，我发现它在“实践指导”上的缺失是其最大的软肋。这本书似乎完全假定读者已经拥有了成熟的演奏技能和理论基础，因此，对于“如何提高演奏表现力”或者“如何进行有效的自我纠错”这类实操性问题，它提供的建议非常抽象和概念化。举个例子，当谈及如何处理奏鸣曲的呈示部时，书中只会用“应注意重音的层次感和乐句的呼吸”这类指导方针式的语言，但对于初学者而言，如何具体地找到那个“呼吸点”，如何分辨出不同乐器在特定情境下的“层次感”差异，书中没有提供任何可操作性的练习方法或具体的音频范例来佐证说明。这使得这本书更像是一本理论的“禁宫秘籍”，高高在上，可望而不可即。如果能加入一些针对不同难度级别的演奏片段的音频分析链接，或者提供一些可以自我录音比对的练习清单，让学生和教师能够将枯燥的理论知识转化成可见、可感的练习成果，那么这本书的实用价值将不可同日而语。目前的形态，更像是一部静止的、缺乏互动的知识陈列馆。

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我花费了大量时间去研究《中学音乐五》中关于音乐史叙述的部分，发现其在时间轴的划分和事件的取舍上，明显带有强烈的地域性偏好。书中对于西欧古典音乐发展脉络的梳理可谓是面面俱到，几乎每一个重要的作曲家、每一个里程碑式的作品都被详细地标注出来，这当然是学术研究的价值所在。然而，作为一本面向“中学”阶段的教材，其对非西方音乐文化的介绍却显得严重不足，甚至有些轻描淡写。比如，在提到世界音乐的章节时，对于亚洲，特别是东亚地区传统音乐的复杂体系，仅仅用了一小节的篇幅进行了概述，其使用的术语和分析方法，似乎仍然是用西方的“曲式”框架去套用，未能真正体现出不同音乐文化的独特性和内在逻辑。这种“以偏概全”的叙事方式，很容易让年轻一代的读者形成一种“只有西方音乐才是正统音乐”的狭隘观念。现代音乐教育的趋势是倡导全球视野和文化包容性，这本书在这方面显然是落后于时代的，它似乎固守在二十世纪中叶的音乐教育范式中，未能及时更新其全球音乐图谱的绘制。

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初次接触《中学音乐五》，我最直观的感受是其选材的“精英化”倾向，这对于一个面向广大中学生的教材来说，未免显得有些脱离实际。书中花了大量的篇幅去介绍那些需要极高专业背景才能完全理解的作曲家及其作品的精妙之处，这无疑抬高了入门的门槛。例如，对于某个特定时期德奥声乐套曲的结构分析，文字描述得极其繁复，充满了专业的术语堆砌，即便是作为一位有一定音乐素养的读者，也需要反复查阅词典才能勉强跟上作者的思路。这让我不禁思考，对于一个音乐基础尚未完全稳固的中学生来说，面对这样的内容会不会产生强烈的挫败感？我更期待的是，书中能提供更多“接地气”的案例，比如选取那些学生在日常生活中可能接触到的影视原声、或者一些跨文化背景的音乐作品作为切入点，通过解析这些熟悉的旋律来反哺基础乐理的学习，这样学习的兴趣点会更易于被点燃。此外，书中对于“听觉训练”的环节设计也显得过于传统和单调，多是以传统的“听辨音程、和弦”为主，缺乏对现代音乐中音色、空间感等非传统要素的考察，这与当前音乐审美多元化的趋势有些背离，略显保守了。

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这本书的排版和装帧质量，坦率地说，是我近些年来读过的教辅类书籍中，相对比较平庸的一档。虽然纸张的厚度尚可，但油墨的均匀度和色彩还原度实在不敢恭维。尤其是在涉及到乐谱示例的部分，有些小节的力度记号印得模糊不清，甚至出现了轻微的重影，这对于需要精确识别乐谱细节的学习者来说，是一个不小的障碍。更令人费解的是，许多重要的音乐术语，比如某些特定的演奏法标记，竟然没有在页眉或页脚做交叉引用或术语解释的提示，读者需要频繁地翻到书末的附录去查找，极大地打断了阅读的连贯性。如果说内容是书籍的灵魂，那么载体就是灵魂的躯壳，这本《中学音乐五》的躯壳显然没有得到应有的重视。如果能将那些重要的乐谱插图采用更清晰的线条和更精准的色彩来呈现，并且在关键概念处使用醒目的版式设计进行强调，而不是仅仅依赖大段的文字叙述，这本书的实用价值和阅读体验会得到质的飞跃。现在的样子，更像是一份匆忙赶工出来的内部资料，而非一本面向市场的正式出版物。

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这本《中学音乐五》的封面设计给我留下了相当深刻的印象，那种略带复古的色调搭配着现代感的字体，似乎在暗示着内容会是一种传统与创新的交织。我原本抱着非常高的期待，毕竟涉及到“中学音乐”这个阶段，它应该能涵盖到从基础乐理到古典名曲鉴赏的广泛领域。然而，当我翻开目录时，发现它似乎将重点过多地放在了某些特定的艺术流派上，对于流行音乐或者世界民族音乐的探讨显得有些单薄。比如，我非常期待能看到关于二十世纪中叶爵士乐发展脉络的详细分析，以及它如何影响到当代音乐创作的章节，但书中这部分内容寥寥数语，更像是一种“点到为止”的介绍，缺乏深入的剖析和实例的引用。另外，对于如何将这些复杂的音乐理论知识转化为生动的课堂教学活动，书中也提得不够具体。期望中的那些富有创意的课堂互动设计，比如如何用身体律动来理解复杂节奏型，或者如何引导学生用自创旋律来表达特定情绪的实践指导，几乎没有出现。这本书更像是一本厚重的音乐史参考手册，而非一本能够激发教学热情、提供实际操作指南的工具书。它给读者的感觉是，内容非常扎实，但“落地”的环节却显得力不从心，让人在合上书本后，感觉知识点虽然接收了不少，但“如何教好音乐”的困惑并未得到有效解决。

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