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出版者:人民音乐出版社

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页数:0

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出版时间:2004-07-01

价格:4.2

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isbn号码:9787103025185

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• 中学音乐
• 音乐教材
• 九年级音乐
• 基础乐理
• 音乐欣赏
• 合唱
• 独唱
• 乐器演奏
• 音乐实践
• 课程标准

跨越时空的音符：《二十世纪西方音乐的探索与回响》 一卷展开的音乐画卷，一次深入肌理的聆听之旅。 本书并非对单一阶段或特定地域音乐的梳理，而是致力于描摹一幅宏大而复杂的二十世纪西方音乐图景。我们拒绝碎片化的记录，力求以深邃的洞察力，解析这一百年间音乐语言如何经历剧变、重塑与新生。全书分为五个宏伟的篇章，层层递进，引领读者穿越迷雾，抵达二十世纪音乐精神的核心。 第一章：激进的开端——瓦解与重建的序曲 (1900-1920) 二十世纪伊始，欧洲古典音乐的“黄金时代”的余晖尚未完全散尽，一股不可逆转的革新浪潮已然席卷而来。本章聚焦于德彪西与拉威尔所代表的印象主义如何以色彩和光影取代了传统的结构逻辑，以及斯特拉文斯基的《春之祭》如何以其原始的节奏暴力，彻底宣告了浪漫主义美学的终结。 我们将深入剖析“原始主义”的文化背景，解析其对非西方音乐元素的借鉴与挪用，以及这种激进转变对后世作曲家产生的决定性影响。同时，舍恩堡的“自由无调性”探索，并非简单的音高摒弃，而是一场关于听觉秩序的哲学辩论。本章详尽考察了“解放不和谐音”的理论基础，对比了其在维也纳学派早期实践中的心理张力。通过细致的乐谱分析，揭示了这些开创性作品是如何在听众的震惊与赞叹中，搭建起现代音乐的第一个坚固基石。 第二章：理性与秩序的回归——新古典主义与十二音体系的并存 (1920-1940) 第一次世界大战的创伤，使得艺术家们对早期浪漫主义的过度主观情感表达产生了强烈的反思。本章探讨了“新古典主义”作为一种精神上的“退回秩序”的运动，如何在复古的形式中注入现代的和声语汇。从普罗科菲耶夫的诙谐与巴赫式的清晰，到欣德米特的“实用音乐”理念，我们考察了如何将历史的形式语言（如奏鸣曲、协奏曲）重新灌注以时代精神。 与此同时，在维也纳，舍恩堡建立了严谨的十二音体系（Dodecaphony）。本章将十二音体系视为一种对抗音乐自由泛滥的“理性堡垒”。我们不仅讲解了其操作规则，更重要的是，解析了它如何提供了一种新的组织材料的方式，使无调性音乐获得了内在的逻辑连贯性。通过对比勋伯格、贝尔格和韦伯恩在十二音运用上的差异——从宏大的戏剧性到极端的精简与纯粹——读者将清晰理解这一体系的生命力与局限性。 第三章：战争的阴影与前卫的试验 (1940-1960) 第二次世界大战是西方文明的巨大断裂点。音乐界在战后表现出两种截然不同的反应：对确定性的彻底抛弃，或对新秩序的极度渴望。 本章的核心是“序列主义”的激进化。我们详述了韦伯恩作品的影响力如何从地下走向主流，并解析了布列兹（Boulez）等人如何将十二音原则扩展到节奏、力度、音色等所有音乐元素上的“总体序列主义”（Total Serialism）。这一阶段的音乐以其不可穿透的复杂性和对演奏技巧的极限要求而著称。 紧接着，本章转向了对技术革命的接纳：电子音乐的诞生。我们详细回顾了科隆的电子音乐工作室（WDR）与巴黎的具象音乐（Musique Concrète）之间的理论与实践分野。从施托克豪森（Stockhausen）对空间与时间概念的颠覆，到皮埃尔·布莱斯（Pierre Schaeffer）对自然声音的重塑，这一时期的探索标志着作曲家首次真正掌握了声音材料的“微观控制权”。 第四章：机遇与偶然——概率、极简与新声音 (1960-1980) 六十年代的社会变革浪潮同样冲击了音乐的殿堂。本章探讨了两种看似对立却都旨在打破作曲家绝对控制权的思潮。 约翰·凯奇（John Cage）是本章的精神领袖。我们深入分析了他的“偶然音乐”（Chance Operations）哲学，阐释了如何通过易经或其他随机方法来消除作曲家个人偏好，从而让音乐回归到纯粹的“声音事件”本身。这不仅是作曲技法上的革新，更是对“艺术作品”概念的根本质疑。 与此相对的是“极简主义”（Minimalism）的崛起。雷利希、赖利和史蒂夫·赖希等人的音乐，以其缓慢的相位移动、重复的动机和可感知的过程，为饱受复杂序列主义折磨的听众提供了一种回归性的、近乎冥想的听觉体验。本章对比了极简主义的欧洲根源（如拉蒙特·扬的“长时间音符”）与美国实践的差异，并考察了其如何与摇滚乐、非洲节奏产生微妙的互文关系。 第五章：后现代的回声与多元化的未来 (1980至今) 步入后现代，音乐界进入了一个“无特定方向”的时代。本章聚焦于“拼贴”与“复古”成为主要创作手段的现象。我们考察了“新浪漫主义”的回潮，以及诸如格拉斯（Philip Glass）等音乐家如何将极简主义的语言转化为具有叙事性的歌剧与交响乐。 此外，本章还关注了声音的“混合”趋势： 1. 光谱音乐（Spectralism）： 以格里塞和多菲为代表，他们利用声学分析仪将单个音符的泛音结构作为构建宏大和声与音色变化的蓝图，是对声音物理特性的深入挖掘。 2. 后序列主义的修正： 探讨作曲家如何重新引入“可听性”，并尝试在严谨的结构中寻找情感的出口。 3. 跨文化对话的深化： 音乐家们如何在全球化的背景下，更加自如地融合不同文化传统的声音元素。 本书的终极目标是让读者理解：二十世纪的音乐史并非一条直线，而是一个充满张力、自我否定与不断重生的巨大螺旋。每一次“打破规则”的行为，最终都成为了下一轮规则构建的基石。通过对理论的梳理、对乐谱的细读和对时代精神的捕捉，本书旨在提供一个全面且富有启发性的视角，以重新审视这些“不和谐”却至关重要的音符。

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这本书的内容深度和广度都超出了我的预期，它不像市面上很多同类型的教材那样流于表面，只是简单罗列一些知识点。相反，作者似乎花费了大量心血去挖掘音乐背后的文化根源和历史变迁。比如，在讲解某一个音乐流派的发展脉络时，作者不仅仅停留在了时间轴的描述上，而是深入剖析了当时的社会背景、技术革新，甚至引用了当时文人学者的评论，使得整个知识体系变得立体而饱满。我尤其欣赏作者那种鼓励批判性思维的写作方式，很多地方都不是直接给出标准答案，而是提出一些开放性的问题，引导我们去思考“为什么是这样”，而不是“这就是这样”。这种引导，极大地激发了我自主探索的兴趣，让我从一个被动的知识接收者，变成了一个主动的探究者。读完某一章节后，我常常会有一种豁然开朗的感觉，仿佛推开了一扇通往更深层次理解的大门。

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我个人认为，这本书在实用性方面做得尤为出色，它显然是为那些渴望将理论付诸实践的学习者量身定制的。书中穿插了大量的小练习和实践建议，这些建议都不是那种空泛的口号，而是具体到操作层面的指导。比如，在讲解视唱练耳技巧时，它提供了一系列循序渐进的听辨练习，并且非常贴心地给出了不同阶段的训练目标和自我检测的方法。更棒的是，书中关于乐曲分析的部分，提供了一个非常成熟且可复制的分析框架，这个框架不仅适用于书中所举的例子，我尝试应用到其他我喜欢的曲目上，也取得了非常好的效果。这让我感觉自己手里握着的不再是一堆静止的文字，而是一套可以随时启动、帮助我提升实际技能的工具箱。对于那些希望真正“做点什么”而不是仅仅“知道点什么”的音乐学习者来说，这一点价值无可替代。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了那种哑光质感的纸张，触感温润细腻，拿在手里感觉很舒服。主色调是深沉的墨蓝，配上烫金的字体，透露出一种古典又现代的韵味。插图的选择也十分考究，比如扉页上的那幅手绘的乐器速写，线条流畅，对光影的把握极为精准，一下子就把读者的思绪拉进了音乐的世界。我特别喜欢它在排版上的用心，字体的间距和行距都经过了精心调整，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。而且，书脊的装订非常牢固，感觉即使用力翻阅也不会轻易散页，这点对于经常需要翻阅查找资料的读者来说，简直是福音。内页的纸张厚度适中，完全不用担心会透墨，这点在我使用荧光笔做标记时尤其重要。总的来说，从拿到手的第一刻起，这本书就给人一种“物有所值”的高级感，它不仅仅是一本书，更像是一件值得珍藏的艺术品，让人爱不释手，忍不住想多看几眼细节。

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这本书带给我的情感共鸣是其他教材难以比拟的。它不仅仅是知识的传递，更像是一次与伟大音乐灵魂的深层交流。作者在描述某些经典作品的创作背景或演奏体验时，文字中流露出的那种对音乐纯粹的热爱和敬畏感，非常有感染力。我记得读到某段关于作曲家在困境中创作的描述时，我的眼眶微微湿润了，因为我能真切地感受到文字背后那种挣扎与升华的力量。这种情感的链接，使得学习过程不再是枯燥的任务，而变成了一种精神的朝圣。它让我开始重新审视自己过去听音乐的方式，不再满足于表面的旋律和节奏，而是去探寻隐藏在音符背后的情感张力与时代精神。这本书成功地唤醒了我内心深处对美的敏锐感知，让我对“音乐”这个词有了更丰富、更立体的理解。

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这本书的行文风格简直是教科书级别的典范，它成功地在学术的严谨性与大众的可读性之间找到了一个绝佳的平衡点。语言精炼却不失温度，即便是涉及到一些比较复杂的音乐理论术语，作者也能用生动形象的比喻进行解释，让人感觉晦涩难懂的部分瞬间变得平易近人。举个例子，它对复调音乐的讲解，没有使用冷冰冰的公式推导，而是将其比喻成一场精妙的“对话”，不同的声部像是在进行高低错落的交谈，这种画面感的描述，让我立刻就能抓住核心概念。此外，全书的逻辑结构组织得极其清晰，章节间的过渡自然流畅，前后的呼应做得天衣无缝。很少有教材能让我产生“一口气读完”的冲动，但这本书做到了，它让你沉浸其中，忘记了时间的流逝，完全被作者的叙事节奏所牵引着向前。

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