坦培拉绘画技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术

作者:刘孔喜

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-1

价格:55.0

装帧:平装

isbn号码:9787539810010

丛书系列:

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《中世纪玻璃艺术：彩绘玻璃的工艺与象征》 内容提要 本书深入探讨了中世纪欧洲兴盛的彩绘玻璃艺术，聚焦于其复杂的制作工艺、丰富多样的象征意义，以及在宗教建筑中所扮演的核心角色。不同于着重于绘画材料或平面艺术的著作，本书将读者带入哥特式大教堂的光影世界，解构那些宏伟的彩色玻璃幕墙是如何从熔融的二氧化硅、金属氧化物与铅条的结合中诞生的。 第一章：光影的炼金术——原材料与早期制作 本章追溯了彩绘玻璃工艺的历史源头，区别于油画和坦培拉等基于颜料的媒介，彩绘玻璃完全依赖于光线的穿透和折射。我们将详细剖析用于着色的金属氧化物（如钴、铜、铁、锰）如何被添加到玻璃熔体中，形成不同色调的“宝石玻璃”（Potash Glass）。重点介绍中世纪晚期玻璃制造商如何掌握在玻璃表面“绘制”效果的技术，即使用烤釉（Grisaille）——一种由铁的氧化物和碎玻璃混合而成的深色颜料，用于描绘面部特征、衣褶和阴影。 我们将详述玻璃的切割、拼装过程。工匠们如何利用玻璃的物理特性和熔化时的不规则性，在制作出大面积彩色玻璃板后，精确地使用描图纸（Cartoon）进行布局。随后，铅条（Cames）的制作技术，包括冷锤压制和热熔铸造，以及铅条如何在结构上起到支撑和美化图案轮廓的双重作用，都将得到细致的阐释。 第二章：结构之美——哥特式建筑与玻璃的共生 彩绘玻璃并非孤立的艺术品，而是与哥特式建筑结构紧密相连的有机组成部分。本章分析了肋拱、飞扶壁等建筑创新如何解放了墙体，为容纳巨幅彩绘玻璃创造了可能。我们将考察“盲窗”（Blind Tracery）的演变，以及在圣礼拜堂（Sainte-Chapelle）等巅峰之作中，玻璃如何取代了厚重的石墙，成为主要的叙事载体。 重点分析石作花饰（Tracery）的类型（如几何式、火焰式、射线式），这些石制框架不仅是结构支撑，更是将玻璃画面划分为不同叙事单元的视觉框架。研究指出，在许多大型教堂中，玻璃的重量和风压计算是工艺挑战的核心，这要求工匠与建筑师之间进行严密的合作。 第三章：叙事的圣经——图像学与神学阐释 彩绘玻璃在中世纪的首要功能是“文盲的圣经”，它以直观、震撼的方式向不识字的民众传达教义、圣徒生平及复杂的教理。本章深入探讨玻璃上的图像学母题。 我们将对比不同地区的叙事风格：例如，法国朗斯大教堂强调王权与神圣性的结合，而德累斯顿圣母大教堂的玻璃则可能侧重于教区的特定圣徒崇拜。详细解析光线在不同颜色中的象征意义：蓝色常代表天堂和圣母玛利亚的斗篷；红色则象征殉道者的鲜血或基督的牺牲。烤釉的使用如何实现三维立体感和面部情感的表达，是本章分析的重点。 此外，本章还会讨论赞助人文化对玻璃主题的影响。贵族和行会的捐赠往往要求在玻璃上留下他们的纹章或肖像，这些元素如何巧妙地融入到宏大的宗教场景中，体现了世俗权力对神圣空间的介入。 第四章：失落的技艺与复兴的挑战 中世纪后期，随着宗教改革和技术变革，彩绘玻璃的传统工艺一度衰落。本章追溯了这一时期的变化，特别是工匠对烤釉颜料配方的失传。我们将考察十九世纪的“哥特复兴运动”中，艺术家们如何试图“重建”中世纪的色彩和质感，以及这种复兴运动中出现的对原貌的误解和创新。 最后，本章总结了现代保存科学对中世纪彩绘玻璃的保护工作，包括如何应对铅腐蚀、酸雨侵蚀以及玻璃本身的自然老化。对珍贵中世纪玻璃进行的三维数字化记录和修复实践，展示了这项古老技艺在当代所面临的保护挑战与机遇。 结论：永恒的透明叙事 《中世纪玻璃艺术》旨在全面展示彩绘玻璃作为一种集建筑、绘画、雕塑和神学于一体的综合艺术形式的独特地位。它所探讨的工艺深度和象征复杂性，为研究中世纪的物质文化、宗教生活和视觉语言提供了独特的窗口。本书的论述聚焦于玻璃的物理特性、其与石材结构的相互作用，以及它作为光线媒介所承载的永恒精神价值。

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这本书的排版和插图设计，体现出一种极高的专业水准和对读者的体贴。虽然内容涉及许多复杂的技术细节，但视觉呈现上却做到了清晰与美观的完美平衡。我发现作者非常注重细节的图示说明，一些抽象的技法概念，通过清晰的、甚至是拓印风格的线描图来展示，瞬间就变得直观易懂。比如，书中展示不同角度的刀刮纹理时，图示的精细程度令人叹服，每一个细微的凹凸变化都捕捉得淋漓尽致。此外，书中对“色彩理论”的阐述也极具启发性。它没有停留在基础的色轮上打转，而是深入探讨了颜料在不同媒介下发生的化学反应，以及如何利用这种反应来创造出意想不到的视觉效果。这种深度的挖掘，让我这个有一定绘画基础的读者，也找到了许多可以立刻应用到自己实践中的新思路。这本书更像是一位经验丰富的导师，在你耳边低语，引导你避开常见的陷阱，直奔创作的核心。

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说实话，这本书的文字风格带着一种近乎古典的庄重感，阅读起来需要全神贯注，丝毫不能分心。它不像市面上流行的快餐式教程那样追求即时效果，相反，它更注重“慢工出细活”的匠人精神。作者在行文中大量使用了一些精准且富有画面感的词汇，描述颜料的“醇厚度”和笔触的“韧性”时，简直让人仿佛能触摸到画布上的肌理。我特别喜欢他描述“准备工作”的那部分，那部分占据了全书相当大的篇幅，但完全没有让人觉得冗余。他详细剖析了如何挑选木板、如何打磨基底到何种程度才算完美，甚至连不同季节的湿度对最终效果的影响都被一一列举。这让我意识到，真正的艺术创作，从准备工作开始就充满了科学与艺术的博弈。读完这部分，我感觉自己对创作前期的尊重和敬畏之心油然而生，过去我总是急于动笔，现在才明白，扎实的准备是成功的一半，甚至超过一半。

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初次接触《坦培拉绘画技法》时，我最担心的是它会过于晦涩难懂，毕竟涉及的领域看起来比较小众和专业。然而，作者的叙述逻辑出乎意料的流畅和有条理。全书结构如同一个精密的建筑蓝图，从基础的“构建框架”到高阶的“细节装饰”，层层递进，环环相扣。我注意到作者在不同章节之间设置了巧妙的过渡，使得知识点的衔接非常自然，不会让人感到突兀。更令人惊喜的是，书中对“修复与保护”这部分内容的介绍也相当详尽。这部分内容通常在技法书中会被一笔带过，但作者却将其提升到了一个重要的位置，详细论述了古代作品的保存之道，以及现代修复的伦理考量。这不仅拓宽了读者的知识边界，也让这本书的价值超越了单纯的创作指导，上升到了对艺术遗产保护的关注层面。总而言之，这是一部值得反复研读，并能够在不同阶段都能提供新见解的宝藏之书。

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这本书，说实话，拿到手的时候我就被它的封面设计给吸引住了，那种质感和色彩搭配，简直就是一场视觉的盛宴。我原本是抱着学习一些基础的绘画理论知识的心态去翻阅的，毕竟书名听起来就挺专业的。然而，当我真正沉浸其中后，才发现它远不止于此。作者的叙事方式非常独特，他没有采用那种枯燥的教科书式的讲解，而是将许多复杂的概念融入到生动的案例和历史典故之中。比如，在谈到光影处理时，他会引用文艺复兴时期某位大师的作品作为引子，详细剖析了当时艺术家是如何运用微妙的色彩过渡来营造空间感的。我尤其欣赏作者对“材料”的执着探讨，他花费了大量篇幅去介绍不同颜料的特性、基底的处理方式，甚至包括不同时期画笔的演变，这些细节的丰富程度，简直让人拍案叫绝。我感觉自己像是一个初次踏入一座巨大艺术宝库的访客，每翻开一页，都有新的惊喜和知识点等待发掘。它不仅仅是一本关于“技法”的书，更像是一部融合了艺术史、材料科学和哲学思考的综合性读物，对提升一个艺术学习者的综合素养有着不可估量的价值。

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这本书的深度和广度，超出了我原本对一本技法书籍的预期。我一直以为，这类书籍无非就是教你如何调色、如何运笔、如何勾勒轮廓，但《坦培拉绘画技法》彻底颠覆了我的认知。它更像是一部详尽的“艺术家内心独白录”。作者在阐述每一个步骤时，都融入了对“为何如此”的深刻反思。比如，在讲解如何构建画面的层次感时，他并没有直接给出公式，而是引导读者去思考不同图层之间的“对话关系”——底层色彩如何影响表层光泽，底稿的力度如何决定最终作品的情绪走向。这种引导式的教学方法非常高明，它迫使读者必须调动自己的批判性思维，而不是机械地复制步骤。阅读过程中，我常常需要停下来，拿起笔在草稿纸上模拟思考，甚至会回顾我过去的一些作品，对比着书中的理论去分析自己的不足。最让我印象深刻的是其中关于“光线与时间”的章节，作者将绘画的创作过程与时间的流逝联系起来，探讨了不同光照条件下颜料的变化规律，这让原本静止的绘画似乎拥有了生命和呼吸感。

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水乳交融。樸實無華。

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很详细,很强大,我们学校美术学院的教授出版的,曾经作为第一代留日学习美术的学生学习日本画和坦培拉

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呀 意外的喜欢艾安《沉默的城——游戏的羊》

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想死