西方美术大师的绘画技法 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:广西美术出版社

作者:英国昆腾出版有限公司

出品人:

页数:548

译者:诸迪

出版时间:2016-3-1

价格:290元

装帧:平装

isbn号码:9787549412983

丛书系列:

图书标签:

绘画技法
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具体描述

本书内容收录了100多位大师绘画的文化背景及技法相应的图表、照片和等大的绘画局部——所有这些图片都有助于我们对艺术史

东方神韵：中国传统水墨画的意境与传承一、导言：穿越千年的东方水墨本书旨在深入探究中国传统水墨画这一独步世界的艺术门类。水墨画，以其“计白当黑”、“墨分五色”的独特审美哲学，承载了中华民族数千年的文化精髓与精神追求。它不仅仅是线条和色彩的简单组合，更是一种“以有形写无形”、“咫尺之内再造乾坤”的东方智慧的体现。本书将带领读者，从水墨画的起源、哲学基础、核心技法，直至当代发展，进行一次系统而深度的学术考察与艺术鉴赏之旅。二、溯源与哲学基石：道法自然与文人精神 2.1 萌芽与演变：从魏晋风骨到宋元气象水墨画的滥觞可追溯至东汉末年的壁画与人物画，但真正确立其独立艺术地位的，是魏晋南北朝时期对“气韵生动”的追求。本书将详述顾恺之“传神写照”的理论如何奠定了中国画的叙事基础。进入唐代，随着山水画的独立发展，用墨的层次感和笔法的力度开始受到重视。然而，水墨画艺术的巅峰，无疑是宋元时期“文人画”的崛起。我们将重点剖析文人画家群体——他们如何将儒家的“修身养性”、道家的“天人合一”、禅宗的“顿悟心性”融入笔端。苏轼提出的“论画以形似，见与 শিল্পী儒”，深刻界定了文人画区别于宫廷院体画的本质：艺术不再是单纯的再现，而是主体精神的投射。 2.2 哲学内核：留白中的宇宙观水墨画的核心哲学在于“虚实相生”。“白”并非空无一物，而是蕴含无限可能的空间，是“气”的流淌之处。本书将援引老庄哲学，阐释“无为”与“自然”如何转化为笔墨的“不确定性”与“率性而为”。通过分析历代山水巨匠的构图，读者将理解“可行、可望、可游、可居”的审美体验，如何在有限的宣纸上构建出无限的自然意境。三、技法精要：笔墨的内在逻辑本书将详尽拆解中国水墨画的“笔法”与“墨法”，这是区别于西方绘画技术体系的关键所在。 3.1 执笔与用笔：线条的生命力中国画强调“十八描”等程式化描法，但更崇尚“写”——即以书法的笔法入画。我们将深入探讨中锋、侧锋、偏锋在勾勒、皴擦中的不同效果。重点分析“骨法用笔”如何赋予物象结构上的力量感与精神上的生命力。针对不同对象（如树石、人物、花鸟），探讨其最适宜的线条表现形式，例如篆隶入画的苍劲与工笔的细腻对比。 3.2 墨法的变化：墨分五色的科学与艺术水墨画的精髓在于墨法的变化。本书将系统介绍“墨分五色”的实现途径，即通过控制水量、用墨的浓淡干湿，在水与墨的相互渗透中产生微妙的变化。具体技法包括：积墨法：逐层叠加，创造深邃的立体感与肌理效果。破墨法：在已干的墨色上用浓墨或淡墨迅速“破开”，产生浑厚淋漓的层次。宿墨法：利用隔夜墨汁的特性，创造出朦胧、苍茫的烟雨气象。我们将通过对比不同地域、不同时代的画家（如黄宾虹的“黑密厚重”与董源的“披麻皴”）的用墨特点，展示墨法对画面氛围的决定性影响。 3.3 载体与工具：宣纸、绢与笔墨的共振水墨画对载体的要求极为苛刻。我们将专门辟章介绍宣纸（生宣、熟宣）与绢布的吸水性、洇化特性，以及这些特性如何反过来制约和引导画家的创作方向。工具的选择——狼毫、羊毫、兼毫的特性，决定了线条的“弹性”和“润度”，是实现技法意图的物质基础。四、题材的演进：山水、花鸟与人物的精神指代水墨画的题材划分并非简单的物象分类，而是对应着不同的哲学寓意。 4.1 山水志向：胸中山河山水画是中国画的最高成就，它象征着画家对宇宙秩序的理解和对隐逸生活的向往。本书将着重分析“北方山水”的雄浑壮阔（如范宽）与“南方山水”的温润秀逸（如江南诸家）的地域性差异，以及如何通过“点景”——即在宏大的自然景观中嵌入极小的亭台楼阁或人物，来确立人与自然的尺度关系。 4.2 花鸟写意：生命的诗篇花鸟画从早期的草虫图案，发展成为寄托高洁品格的载体。我们将分析“四君子”（梅、兰、竹、菊）所代表的正直、谦逊、气节与隐逸精神，并对比工笔重彩的花鸟画（工笔的写实功力）与写意花鸟（写意的神韵外放）在技法和精神上的分野。 4.3 人物画的“写意”：形神兼备的追求人物画关注人的精神状态和历史典故。与西方油画对人体解剖的精确刻画不同，中国人物画更注重通过眼神、动态和衣纹的疏密来传达人物的内心世界。本书将梳理“线条人物”到“墨戏人物”的演变，探讨其对传统叙事和民间传说的反映。五、传承与创新：当代水墨的探索进入近现代，水墨画面临着与西方艺术思潮碰撞的挑战。本书最后一部分将聚焦于水墨语言的现代化实践。我们将考察二十世纪以来，艺术家们如何在新时代背景下，对传统笔墨语言进行解构与重组，探索水墨在表现现代都市景观、抽象概念时的可能性。这不仅是材料的延伸，更是对“何为中国精神”这一永恒命题的新一轮哲学追问。我们关注那些在保持水墨“气韵”的同时，融入西方现代构成理念的探索者们，以期为当代水墨艺术的未来发展提供历史参照与理论支撑。通过对以上领域的全面梳理，本书旨在为艺术史学者、专业学习者以及所有热爱中国传统艺术的读者，提供一本既有学术深度，又具审美趣味的综合性读物。

作者简介

诸迪：中华人民共和国文化部艺术司司长

目录信息

编者寄语
简介
第一部分古代大师1300—1860
乔托Ciotto di Bondone《耶稣诞生》（帕多瓦小礼拜堂场内壁蕊）
杜乔·布尔宁斯格纳Duccio di Buoninsegna《圣母与天使、预言者、圣徒》
简·凡·爱克Jan van Eyck《阿诺芬尼的婚礼》
皮埃罗·德拉·弗朗切斯卡Piero Della Francesca《耶稣受洗》
列奥纳多·达·芬奇Leonardo da Vinci《岩间圣母》
海尔洛尼曼斯·布希Hieronymous Bosch《搬迁》
提香Tiziano Vecellio《艾克狄安之死》
尼古拉斯·西利尔德Nicholas Hilliard《玫瑰丛中倚树的青年》
卡拉瓦乔Michelangelo Merisi da Caravaggio《艾玛斯的晚餐》
艾尔·格列柯El Greco《耶稣在寺院驱赶商人》
狄也戈·委拉斯开兹Diego Velazquez《塞维利亚的卖水人》
彼特·保罗·鲁本斯Peter Paul Rubens《苏珊娜·富尔曼像》
伦勃朗·凡·里靳Rembrandt van Rijn《伯沙撒之盛宴：墙上手写怪字》
简·维米尔Jan Vermeer《弹吉他的女人》
安东尼·华托Antoine Watteau《万尼提恩尼斯的节日》
乔华·雷诺兹Joshua Reynolds《女神哈特利和小白奇斯》
托马斯·庚斯博罗Thomas Cainsborough《画家夫人像》
威廉·布莱克William Blake《亚当和夏娃发现亚伯的身体》
约翰·康斯太布尔John Constable《布莱顿码头》
简·奥古斯特·度米尼科·安格尔Jean Auguste Dominque Ingres《欧蒂芬和斯芬克斯》
艾庚·德拉克洛瓦Eugane Delacroix《攻占君士坦丁堡》
威廉·特纳Willam Turner《暴风雪》
让·弗朗索瓦·米勒Jean—Francois Millet《去工作的人们》
威廉·霍尔曼·亨特William Holman Hunt《良知的觉醒》
古斯塔夫·库尔贝Gustave Courbet《相遇》
第二部分印象主义1860—1905
简介与背景
1860—1870
简介
爱德华·马奈Edouard Manet《草地上的午餐》
古斯塔夫·库尔贝Gustave Courbet《快乐泉溪上鹿乐园》
埃德加·德加Edgar Degas《贝里尼一家》
爱德华·马奈Edouard·Manet《推勒里富音乐会》
加米耶·毕沙罗Camille Pissarro《蓬图瓦的勒尔米达B》
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿Pierre Auguste Renoir《弗莱德里克·巴齐耶肖像》
克劳德·莫奈Claude Monet《格林尼耶的浴者》
1870—1880
简介
让·弗朗索瓦·米勒Jean—Francois Millet《秋，干草堆》
克劳德·莫奈Claude Monet《阿让特伊的秋天》
保罗·塞尚Paul cazanne《吊死者之房》
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿Pierre Auguste Renoir《巴黎女人》
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿Pierre Auguste Renoir《阳光中的女人体》
阿尔弗莱德·西斯莱Alfred Sisley《塞纳河上的船》
克劳德·莫奈Claude Monet《拉扎尔圣徒车站》
加米耶·毕沙罗Camille Pissarro《在窗前缝补的毕沙罗夫人》
格斯达伍·加利波特Gustave Caillebotte《巴黎的雨天——泰因路和莫斯科路的交叉路口》
爱德华·马奈Edouard Manet《贝尼路的修路工入》
埃德加·德加Edgar Degas《度伦迪肖像》
1880—1890
简介
保罗·塞尚Paul Cezanne《利斯塔克的山》
埃德加·德加Edgar Degas《浴后擦身的女人》
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿Pierre Auguste Renoir《利斯塔克的悬崖峭壁》
贝丝·摩里索Berthe Morisot《布吉瓦尔花园里的妇女和孩子》
玛丽·卡萨特Mary Cassatt《黑衣女子》
乔治·修拉Ceorges Seurat《阿涅尔的沐浴》
埃德加·德加Edgar Degas《海莱娜·卢阿小姐肖像》
保罗·西涅克Paul Signac《餐室》
加米耶·毕沙罗Camille Pissarro《摘苹果》
克劳德·莫奈Claude Monet《安弟贝斯》
文森特·凡·高Vincent van Cogh《放烟斗的椅子》
乔治·修拉Ceorges Seurat《康康舞》
1890—1905
简介
文森特·凡·高Vincent van Cogh《盛开的桃树》
爱德华·蒙克Edward Munch《嫉妒》
保罗·塞尚Paul Cezanne《丘比特石膏像静物》
保罗·高更Paul Cauguin《1905圣诞夜》或《牛的祝福》
保罗·高更Paul Gauguin《特雷洛亚》
亨利·德·土鲁斯·劳特累克Henri de Toulouse Lautrec《共进晚餐》
保罗·塞尚Paul Cezanne《大型浴女像》
编年表
第三部分现代大师1905—1980
引言与背景
1905—1920
简介
保罗·塞尚Paul Cezanne《静物：苹果、瓶子和椅背》
安德列·德兰Andre Derain《马蒂斯肖像》
亨利·马蒂斯Henri Matisse《德兰肖像》
安德列·德兰Andre Derain《伦敦桥水域》
亨利·卢梭Henri Rousseau《梦》
帕伯罗·毕加索Pahlo Picasso《带椅垫的静物》
瓦西里·康定斯基Wassily Kandinsky《黑拱门》
乔治·布拉克Georges Braque《壁炉上的单簧管和兰姆酒瓶》
帕伯罗·毕加索Pablo Picasso《吉他》
瓦两里·康定斯基Wassilv Kandinsky《小小的乐趣》
季诺·塞维里尼Gino Severini《光的离心膨胀》
马赛尔·迪尚Marcel Duchamp《新娘被单身汉们剥光衣服》或《大玻璃》
皮埃尔·波纳尔Pjprre Bonnard《安提贝室内》
1921—1940
简介
费尔南·莱热Fernand Leger
《带啤酒杯的静物》
爱德华·霍帕Edward Hopper《铁路边的房子》
霍安·米罗Joan Miro《人投鸟——石子》
佩特·蒙德里安Piet Mondrian《红、黄、蕊构图》
爱德华·华兹沃思Edward Wadsworth《马赛港前》
皮埃尔·波纳尔Pierre Bonnard《窗口》
保罗·克利Paul Klee《隐蔽所》
萨尔瓦多·达利Salvador Dali《记忆的永恒》
保罗·克利Paul Klee《帕纳松山》
马克斯·恩斯特Max Ernst《石城》
佩特·蒙德里安Piet Monclrian《红黄蓝构图》
萨尔瓦多·达利Salvador Dali《山湖》
1941—1960
简介
马克斯·恩斯特Max Ernst《众天使们》
弗兰两斯·培根Francis Bacon《风景中的人物》
让·迪比费Jean Duhuffet《像杏子的多特》
杰克逊·波洛克Jackson Pollock《整整五寻》
杰克逊·波洛克Jackson Pollock《秋天的节奏》
亨利·马蒂斯Henri Matisse《蜗牛》
阿尔贝托·贾科梅第Alberto Ciacometti《坐着的安尼特》
贾斯珀·约翰斯Jasper Johns《旗》
贾斯珀·约翰斯Jasper Johns《带四张脸的靶标》
彼德·布莱克Peter Blake《阳台》
弗兰克·斯特拉Frank Stella《盖蒂之墓二号》
1961以后
简介
莫利斯·路易斯Moms Louis《菌丝》
罗伯特·劳生伯Robert Rauchenberg《着陆第一跳》
理查德·汉密尔顿Richerd Hamilton《走向确定的宣言……》
安迪·沃霍尔Andy Warhol《玛丽莲双连画》
弗兰克·斯特拉Frank Stella《鬣狗顿足舞》
罗伊·列希腾斯坦Roy Lichtenstein《哇！》
罗伊·列希腾斯坦Roy Lichtenstein《在车中》
大卫·霍克尼David Hockney《大水花》
大卫·霍克尼David Hockney《克拉克与佩尔西夫妇》
索尔·列维Sol Le Witt《细部：使用四种颜色及其所有变调的十五部分的素描（各种颜色的方向不同的平行直线）》
吕西安·弗洛伊德Lucian Freud《大室内，W.9》
词汇表
· · · · · · (收起)

读后感

评分☆☆☆☆☆

感觉国内美术目前某部分的学院教育和大众认知有一种一种误区，就是认为技法不重要，素描、色彩基础决定一切。就好像看到别人的房子盖的又高又漂亮，刷了五颜六色的油漆。我们也仿着盖，认为只要有好的水泥、漂亮的油漆我们也能盖成，但却不知道别人打了多深的地基，钢筋用了多...

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，坦白地说，有些偏向于学院派的严谨，初读起来需要一定的专注力来消化其中的信息密度。它极少使用通俗易懂的类比，而是倾向于使用精确的艺术史术语和化学描述来构建论点。例如，在讨论威尼斯画派对油性媒介的改进时，它会深入探讨松节油和亚麻籽油在氧化聚合过程中的作用差异，以及这如何影响了色彩的持久性和透明度。这使得这本书的阅读过程更像是一场学术研讨，而不是一次轻松的下午茶时间。对于希望快速获得“小窍门”的读者来说，这可能会成为一个障碍，因为作者似乎更关心“为什么”和“如何精确地”实现，而不是“简单地”去做。但对我而言，正是这种毫不妥协的深度，构成了这本书的价值核心。它拒绝提供肤浅的答案，而是引导读者去构建一套完整的、基于材料科学和历史演变的知识体系，这对于任何想要在绘画这条路上走得更远的人来说，都是至关重要的基础训练。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书并未将“技法”仅仅局限在“如何画得像”的层面，而是巧妙地将技法与画家的“精神世界”和“哲学立场”联系起来。例如，书中对卡拉瓦乔的“暗色背景处理”的分析，并非仅仅描述他如何用强烈的明暗对比来制造戏剧效果，而是探讨了这种处理方式如何服务于他作品中对人性挣扎和瞬间决断的捕捉，这种“光线即叙事”的理念是多么具有革命性。再比如，书中对印象派（虽然不是严格意义上的“古典大师”，但被纳入了技法演变的脉络中）笔触的探讨，揭示了他们如何放弃了传统对“完成度”的执念，转而追求对瞬间光影的“感知记录”。这本书成功地将技术层面与美学思辨熔于一炉，让你意识到，每一次运笔、每一种颜料的选择，都不是随意的，它们都是艺术家在与世界进行对话时所使用的复杂密码。读完后，我不仅学到了新技巧，更重要的是，我的“观看”方式被彻底刷新了。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我当初买这本书的时候，主要目的是想找一本能快速提升我个人油画实践水平的“速成手册”，所以最初的阅读体验略显“不适应”。这本书的叙事节奏非常缓慢，它更像是一部精细的、按部就班的编年史，而非一本提供立即可用“技巧包”的工具书。它花了大量的篇幅去探讨不同历史时期对“完美”线条和“理想”色彩的社会文化定义，比如文艺复兴盛期艺术家对解剖学和几何透视的痴迷是如何影响他们的绘画流程的，这部分内容对于纯粹的技法学习者来说，可能显得有些“冗余”——毕竟我更关心的是如何调出那个完美的“提香红”。然而，当我耐下性子继续读下去，我开始理解这种深层背景的重要性。它揭示了一个残酷的事实：大师们的技法并非凭空产生，而是扎根于他们所处的时代哲学和科学认知中。它教会我，如果只是盲目模仿笔触，而没有理解其背后的动机，那么你的“模仿”永远只会停留在表皮，缺乏灵魂。这本书更像是一部艺术史的“幕后花絮”，揭示了技法是如何在历史的熔炉中被锻造出来的。

评分☆☆☆☆☆

这本《西方美术大师的绘画技法》简直是艺术爱好者的福音，尤其是对于那些渴望深入了解古典大师们如何将画布变成奇迹的读者来说。我原本以为它会是一本枯燥的理论汇编，充斥着晦涩难懂的术语，但事实完全出乎意料。作者以一种近乎“显微镜式”的细致，解构了从文艺复兴到巴洛克时期，乃至更晚一些大师们在颜料调和、笔触运用和光影处理上的独到之处。比如，书中对达·芬奇那标志性的“晕染法”（Sfumato）的分析，不仅仅停留在概念层面，而是详细拆解了它在不同层次的透明度和颜料厚度上的微妙变化，让人仿佛能亲手触摸到那层薄如蝉翼的色彩过渡。还有对伦勃朗后期作品中那种戏剧性“油光”效果的阐释，书中竟然追溯到了他可能使用的特定媒介剂和底层的准备工作。读完后，你对那些挂在博物馆里的杰作的敬畏感会更深一层，因为你不再只是一个旁观者，而是有了一把钥匙，能窥见那些“魔术”背后的精妙工程。它不是教你如何成为大师，而是教你如何像一个大师那样去观察世界和处理材料，这份知识的沉淀是无价的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图例质量，绝对是业内顶尖水准。很多关于颜料层叠和笔触方向的细节展示，如果没有高质量的印刷和放大图，是根本无法被有效传达的。特别是关于色彩的章节，书中对比了不同时期画家对“非自然光”（比如宗教画中的神圣光芒）的处理手法。它不是简单地展示一张图片然后告诉你“看，这是阴影”，而是通过高分辨率的局部扫描图，清晰地展示出，例如扬·凡·艾克是如何通过无数次透明釉料的叠加，来达到那种宝石般的光泽和深度。这种对物质媒介的尊重和细致入微的记录，让我这个长期使用数字工具作画的人都感到震撼。它让我重新意识到，真正的绘画是一种物质的、三维的探索，是对画布表面的物理改造。书中的一些“技法对比”页面尤其精彩，将两位不同时期画家的同一主题处理方式并列展示，那种在笔触的粗犷与细腻之间的分野，一目了然，极大地拓宽了我对“绘画语言”的理解边界。

评分☆☆☆☆☆

图片严重失真，颜色不对印象派没法看

评分☆☆☆☆☆

有图的解说太棒啦

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有图的解说太棒啦

评分☆☆☆☆☆

有图的解说太棒啦

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