徐朔方说戏曲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海古籍出版社

作者:徐朔方

出品人:

页数:212

译者:

出版时间:2000-12

价格:11.00

装帧:平装

isbn号码:9787532527892

丛书系列:“上古”名家说

图书标签:

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好的，为您撰写一份名为《戏曲的千年回响》的图书简介，字数约1500字，内容详实，完全不涉及《徐朔方说戏曲》的具体内容。 --- 《戏曲的千年回响：从祭祀咏唱到舞台幻境的演变史》 卷首语：在历史的褶皱中倾听锣鼓的声响 戏曲，这一融合了文学、音乐、舞蹈、表演、美术的综合性舞台艺术，是中华文明长河中一朵绚烂的奇葩。它不仅仅是娱乐形式的更迭，更是特定时代社会思潮、审美趣味乃至政治风云的缩影与载体。当我们凝视一方斑驳的戏台，敲击的鼓板，吟唱的腔调，所听到的，是千年风雨洗礼后依然清晰可辨的文化脉搏。 本书《戏曲的千年回响》，旨在系统而深入地梳理中国戏曲自其萌芽期至成熟期的漫长发展历程。我们试图超越对单一剧种的专注，转而从宏观的文化史视角，探究“戏曲”这一艺术形态是如何在不同历史阶段被塑造、被定义、被革新的。我们将追溯其源头，剖析其结构，展现其在不同地域的“在地化”实践，最终呈现出一部立体的、充满生命力的中国舞台艺术通史。 第一章：古老的源头——戏曲的胚胎与孕育（上古至唐代） 戏曲的生命力，根植于远古的祭祀与傩仪。本章首先回到文明的起点，探讨先秦时期的“歌舞大合乐”——《云门》、《韶乐》等，如何奠定了后世戏曲中“歌舞并重”的基础。重点分析了《山海经》等古籍中记载的原始表演形态，以及百戏的兴起。 隋唐时期，戏曲艺术迎来了第一个重要的发展阶段。我们详细考察了唐玄宗设立的“梨园”对专业化表演人才培养的历史意义。唐代“参军戏”的出现，标志着戏曲中“角色扮演”与“滑稽讽谏”元素的初步融合，为宋代“杂剧”的诞生提供了直接的土壤。本章将通过对敦煌壁画中乐舞形象的细致描摹，复原那些失传已久的早期戏曲片段的想象图景。 第二章：市民的狂欢——宋元南北杂剧的鼎盛（宋、元时期） 宋代商业经济的繁荣与市民阶层的壮大，为戏曲的成熟创造了前所未有的条件。本章着重分析了宋代“瓦肆勾栏”的城市生态，以及“说唱”艺术（如“话本”）如何反哺了戏曲的叙事结构。 元代是公认的中国古典戏曲的第一个高峰期——元杂剧的时代。我们将聚焦于四大家（关汉卿、白朴、马致远、郑光祖）的创作特征，深入解析《窦娥冤》的悲剧力量、《西厢记》的浪漫情怀及其对社会伦理的挑战。本章将详细梳理元杂剧的“四折一楔子”结构、板式运用以及“一人唱、众人帮”的表演模式，并探讨元代文人对民间艺术的汲取与提升过程。 第三章：南腔北调的交织——明清传奇与地方声腔的勃兴（明、清时期） 明代，随着江南经济的进一步发展，以昆山腔为代表的南戏（传奇）开始占据主导地位。本章对比了元杂剧与明代传奇在体制、音乐、表演风格上的显著差异。我们详细考察了汤显祖“临川四梦”的唯美主义倾向，及其对人物内心世界的细腻刻画，特别是对“情”的极致表达。 清代，尤其是在康乾盛世，戏曲进入了百花齐放的时期。昆曲艺术在宫廷和士大夫阶层中达到了形式上的巅峰，其典雅、精微的程式化表演成为一个时代的审美符号。与此同时，地方声腔如徽班进京、花部乱弹的兴起，预示着新的变革。本章将深入探讨地方声腔如何吸纳民间活力，并为后来的京剧诞生奠定基础。 第四章：地方剧种的生态图景——地域文化的熔炉 中国地域辽阔，不同地理环境、方言体系塑造了千姿百态的地方剧种。本章选取了若干具有代表性的剧种进行个案分析，展现“一省一腔”甚至“一县一调”的丰富性。 例如，我们将考察川剧的“变脸”绝技背后的技术与表演心理；分析粤剧在岭南文化中的身份构建及其与南洋地区的文化联动；探讨秦腔的粗犷豪迈与黄土高原的关联性。本章的重点在于揭示这些地方剧种在保持自身音乐特性的同时，如何通过“皮黄腔系”的融合与革新，实现艺术上的自我延续和生命力的激发。 第五章：程式的密码——戏曲艺术本体论探析 戏曲之所以具有持久的魅力，在于其高度凝练和符号化的舞台语言。本章将从纯粹的艺术本体角度，解构戏曲的“程式”系统。 我们将详细阐述“手、眼、身、法、步”在不同剧种中的具体体现，解析“亮相”的瞬间张力。“虚拟性”是戏曲美学构建的核心，本章探讨了“一桌二椅”如何变幻出万千场景；水袖、马鞭等道具如何承载复杂的情感信息和叙事功能。此外，本章还将深入探讨戏曲音乐中“板式”的严谨性与“过门”的灵活性，以及它们如何与演员的口型、气息控制形成一个有机整体。 终章：传统的重塑与未来的对话 进入近代，面对西方戏剧的冲击，中国戏曲经历了深刻的自我反思与现代化尝试。本章回顾了“五四”时期对戏曲的批判与保护并行的复杂局面。重点分析了如何在新旧观念的碰撞下，维护传统艺术的精髓，同时进行必要的革新，以适应现代观众的审美需求。 《戏曲的千年回响》不是一部纯粹的剧目评论集，而是一部致力于还原历史现场、解析艺术生成机制的通史著作。它试图让读者明白，戏曲舞台上每一次水袖的翻飞，每一次高亢的唱腔，都蕴含着数百年来的文化积淀与艺术智慧。阅读此书，便是与历史进行一场跨越时空的对话，倾听那穿越千年的锣鼓声，感受中华舞台艺术不朽的魅力。

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老实说，这本书的结构松散得有些令人抓狂，但奇怪的是，这种松散反而营造出一种知识分子式的漫游感。作者似乎完全没有受到传统学术规范的束缚，章节之间的跳跃性极大，一会儿从清代某个小剧团的行规聊到徽班进京的政治影响，下一秒又转到某个声腔流派对地方方言的吸收与改造。这种“天马行空”的叙事方式，对于追求逻辑严密性的读者来说或许是种折磨，但我却觉得这是最真实的学术研究状态——灵感的碎片不断碰撞，最终汇集成一片璀璨的星空。它不是教科书，它是一份深入田野调查后，作者沉淀下来的私人笔记的集合。我尤其喜欢其中穿插的一些对当代戏曲现状的犀利观察，那种既爱之深切又批评不留情的态度，显示出作者对艺术本体的深刻关切，而不是一味地粉饰太平。读完后，我感到脑海中充满了各种待验证的假设和新的研究方向，这本“闲书”的价值远超预想。

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如果用一个词来形容这本书的整体感觉，那便是“回声”。作者似乎专注于挖掘那些被主流叙事所遗漏的声音，那些舞台两侧、幕布之后被历史风沙掩盖的微弱回响。他花了大量的篇幅去重构那些失传已久的配乐片段、甚至是对某位名家在特定场合下即兴发挥的模仿性记录。这种对“消逝的瞬间”的执着，赋予了全书一种近乎挽歌般的悲怆美感。书中大量运用了口述史的片段，那些老一辈艺人的零碎回忆，被作者精心串联、打磨，焕发出新的生命力。这不仅仅是对历史的回溯，更像是一种情感的追溯，是对逝去时光中纯粹艺术精神的深情致敬。阅读时，我能感受到作者那份沉甸甸的责任感——他仿佛是抢救历史的考古学家，试图在时间的长河中，为我们留下最后几块珍贵的碎片。

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这本书的阅读体验简直像是一场高难度的智力游戏，作者似乎刻意设置了许多门槛，让那些不真正投入的读者知难而退。他大量使用了一些行内术语和古籍引文，且鲜有大段的注释来解释，这迫使我不得不频繁地在不同工具书之间来回切换，甚至需要查阅一些非常专业的戏曲史料才能跟上他的思路。这种高强度的互动性阅读，虽然累人，却极大地提升了学习的效率和深度。书中对某几个特定剧目版本流变的研究，达到了令人咋舌的细致程度，他能够从舞台调度的一个微小变化中，推断出当时社会环境或特定伶人的心态。这不再是泛泛而谈的艺术评论，而是精细入微的“文本考古”。它要求读者具备相当的耐心和背景知识，但对于真正热爱戏曲，渴望深入钻研其肌理的行家而言，这无疑是一份珍贵的、不加稀释的“原浆”。

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这部关于戏曲的著作，如同一扇通往历史深处的古老门扉，每一次翻阅都伴随着木香与尘封纸张的独特气味。作者的叙事风格带着一种近乎沉醉的迷恋，仿佛他不是在记录，而是在亲身经历那些梨园台前的悲欢离合。书中对舞台美术的描摹极其细腻，无论是水袖的翻飞、行头的考究，还是那咿呀婉转的唱腔背后所蕴含的千年文化积淀，都被他用近乎诗歌的笔触娓娓道来。我特别欣赏他对传统美学中“留白”的理解，他没有将所有知识点都铺陈开来，而是留下了许多回味的空间，让读者得以自行去想象那青灯古佛般的舞台意境。阅读过程中，我常常需要停下来，闭上眼睛，试图在脑海中重构出那些失传已久的戏班日常，那种对艺术纯粹的执着与坚守，即便隔着时空，依然能感受到强大的震撼力。这本书更像是一部戏曲文化的“心灵史”，关注的不仅是剧目本身，更是支撑起这门艺术的那些无名匠人和他们对“道”的追求。

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翻开这本书，一股强烈的“江湖气”扑面而来。这里的“江湖”指的不是打打杀杀，而是指戏曲艺人那种漂泊不定、依附于权力或市井而生的生存状态。作者的笔触冷峻而富有洞察力，他毫不避讳地揭示了戏曲在不同历史时期所扮演的社会角色——从宫廷娱乐到市井俚俗的慰藉，再到近代知识分子力图“改良”的载体。他没有将戏曲浪漫化处理成高高在上的纯艺术，而是将其置于复杂的权力结构与经济基础之上进行剖析。特别是对戏班内部权力结构、师徒关系的描写，充满了生活化的张力，读来令人唏嘘。这种不回避阴暗面、直面艺术生存困境的勇气，使得全书的论述具有了坚实的现实基础，而不是空中楼阁般的赞美。这种写实主义的笔法，让我对戏曲的理解从审美层面跃升到了社会学层面。

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我喜欢元曲，但我听不懂那些转音若丝的唱腔，所以我喜欢白纸黑字的文字。

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语言略显紊乱

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我喜欢元曲，但我听不懂那些转音若丝的唱腔，所以我喜欢白纸黑字的文字。

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