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出版者:上海人民美术出版社

作者:［英］珍妮•德•索斯马兹

出品人:

页数:112

译者:郑赛赛

出版时间:2012-1

价格:38.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532274901

丛书系列:英国设计基础系列

图书标签:

• 色彩
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《光影的诗学》 一、 破晓——视觉的源起 我们如何感知世界？色彩，是眼睛捕捉到的第一个维度，是心灵涌动的最初情感。然而，色彩并非客观存在的实体，而是光与物质相互作用，在我们的视觉系统中产生的奇妙幻觉。要深入理解色彩，我们必须从它的源头——光——开始。 光，是一种能量，一种电磁波。我们肉眼能感知到的可见光，不过是这浩瀚光谱中的一小段。当白光照射到物体表面，物体的分子结构会选择性地吸收和反射不同波长的光。那些被反射出来的光波，经过我们眼睛的晶状体聚焦，最终传递到视网膜上的视锥细胞。视锥细胞，这个我们感知色彩的“感光器”，主要分为红、绿、蓝三种类型，它们分别对不同波长的光最为敏感。当不同比例的红、绿、蓝光同时刺激视锥细胞时，我们的大脑就会将它们解读为我们所见的丰富色彩。 因此，色彩的产生，本质上是一个光——物体——眼睛——大脑的连续过程。理解了这个过程，我们就能明白，为什么在不同的光源下，同一物体的颜色会发生变化；为什么有些颜色在黑暗中显得黯淡，而在阳光下却熠熠生辉。这并非物体本身的色彩发生了改变，而是光线的成分和强度，影响了物体对光的反射，进而改变了我们大脑对其的解读。 “光影的诗学”并非仅仅是关于颜料的混合，或是一些视觉上的技巧，它更是一门关于如何“看”的艺术，一门关于如何理解和运用光影塑造视觉语言的哲学。它邀请你一同探索，色彩如何在光线的舞台上翩跹起舞，如何在物体的画布上留下深刻的印记。 二、 调色板的秘密——光谱的低语 色彩的基石，是光谱。我们将可见光按照波长从长到短排列，就得到了红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫的彩虹色带。这七种颜色，虽然并非绝对的“基本色”，但在我们对色彩的认知体系中，扮演着至关重要的角色。 原色与混合： 在光学中，我们通常将红、绿、蓝（RGB）视为加色原色。这意味着，将它们以不同的比例混合，可以产生几乎所有的颜色。例如，红光与绿光混合会得到黄光，绿光与蓝光混合会得到青光，蓝光与红光混合会得到品红光，而红、绿、蓝三色光以等比例最大强度混合，则会产生白色。这种原理在电视屏幕、电脑显示器等发光体中被广泛应用。 在颜料的混合中，我们更常接触到的是减色原色：品红（Magenta）、黄（Yellow）和青（Cyan），常简称为RYB或CMY。这些颜料之所以称为“原色”，是因为它们自身吸收特定波长的光，而反射出剩余的波长。例如，品红颜料吸收绿光，反射红光和蓝光，所以我们看到它是红蓝混合的颜色。将这三种颜料混合，理论上可以得到黑色，因为它们会依次吸收光谱中的大部分光波。然而，在实际操作中，由于颜料纯度的限制，混合出的“黑色”往往是深灰色或棕色。 理解原色的区别至关重要，因为它直接影响到我们对色彩混合规律的掌握。一个艺术家如果误将RGB的加色原理应用于颜料混合，将无法获得预期的色彩效果。 色彩的属性： 要准确描述和运用色彩，我们需要掌握其三个基本属性： 色相（Hue）： 这是色彩最直观的区分。我们所说的“红”、“黄”、“蓝”，就是它们的色相。色相是光谱上颜色的位置，它决定了我们如何称呼一种颜色。 明度（Value/Brightness）： 这是指颜色的深浅或亮度。明度高的颜色更接近白色，显得轻盈明亮；明度低的颜色更接近黑色，显得沉重深邃。例如，粉红色是明度较高的红色，而酒红色则是明度较低的红色。 饱和度（Saturation/Chroma）： 这是指色彩的纯度或强度。饱和度高的颜色鲜艳、浓郁，充满活力；饱和度低的颜色则显得灰暗、柔和，趋向于中性色。例如，鲜红与灰红，它们的色相相同，但饱和度截然不同。 这三个属性相互关联，共同构成了我们对任何一种颜色的完整感知。我们可以通过调整这些属性，来创造出无限的可能性。将明度降低，鲜红就变成了暗红；将饱和度降低，鲜红就变成了带灰的红色。 “光影的诗学”将带领你穿越光谱的迷宫，揭示色彩属性之间微妙的互动关系，让你不再仅仅是“看见”颜色，而是真正“理解”色彩的语言。 三、 和谐的交响——色彩的相互作用 色彩从来不是孤立存在的，它们相互映衬，相互影响，共同谱写视觉的交响乐。理解色彩的相互作用，是掌握色彩运用的关键。 对比与和谐： 互补色对比： 光谱上相对的两种颜色，例如红与绿，黄与紫，蓝与橙。当这两种颜色并置时，会产生强烈的视觉冲击力，使彼此的色相更加鲜明，饱和度似乎也得到了提升。这种对比能有效地吸引观众的注意力，营造出活力和张力。 邻近色和谐： 在色轮上相邻的颜色，例如黄与黄绿，蓝与蓝紫。它们在色相上非常接近，混合自然，易于产生和谐、宁静的视觉感受。这种搭配能营造出柔和、统一的氛围。 同类色和谐： 仅在明度和饱和度上有所区别，但色相相同的颜色。例如，不同深浅的蓝色。这种搭配具有高度的统一性，能营造出精致、典雅的风格。 冷暖对比： 色彩本身带有冷暖属性。通常，偏蓝、紫、绿的颜色被认为是冷色，给人以宁静、遥远、收缩的感觉；偏红、橙、黄的颜色被认为是暖色，给人以热情、接近、扩张的感觉。冷暖色系的对比运用，是营造空间感和情绪的重要手段。 色彩的心理效应： 色彩的感知不仅是生理过程，也蕴含着深刻的心理联想。不同的颜色能唤起人们不同的情绪和感受。 红色： 热情、活力、危险、警告、爱情、力量。 蓝色： 宁静、信任、冷静、忧郁、天空、海洋。 黄色： 快乐、阳光、希望、警告、冲动。 绿色： 自然、生命、平和、成长、嫉妒。 紫色： 神秘、高贵、浪漫、皇室、艺术。 橙色： 温暖、活力、创造力、食欲。 黑色： 庄重、死亡、力量、神秘、现代。 白色： 纯洁、和平、简约、空虚、无辜。 这些心理效应并非绝对，它们会受到文化背景、个人经历以及色彩与其他因素（如形状、纹理、光照）的组合方式的影响。 色彩的联觉与象征： 在某些情况下，色彩甚至能引发联觉，即一种感官的刺激引发另一种感官的体验，例如听到音乐时“看到”颜色。而色彩的象征意义，在不同的文化中有着截然不同的解读。了解这些象征意义，对于跨文化交流和艺术创作尤为重要。 “光影的诗学”将深入剖析色彩之间的复杂关系，揭示它们如何在视觉空间中相互作用，如何在我们的心理深处激起涟漪，从而帮助你构建出富有表现力的色彩语言。 四、 创作的画布——光影的实践 理论的最终目的是为了指导实践。“光影的诗学”不仅传授色彩的知识，更致力于引导你将这些知识转化为创作的能量。 构图与色彩的统一： 在绘画、摄影、设计等视觉艺术中，色彩的运用与构图紧密相连。色彩的分布、饱和度、明度，都会影响观众对画面的感知和情绪。巧妙的色彩安排，能够引导视线，突出主体，增强画面的层次感和节奏感。色彩的统一性，即整体色调的协调，能够使画面更加和谐、耐看。 光影与色彩的表现力： 光影是塑造形态和情感的利器。不同的光源方向、强度和色温，都会对物体的色彩产生显著的影响。 硬光： 光线强烈，对比鲜明，阴影锐利。能够突出物体的质感和轮廓，营造出戏剧性和力量感。 软光： 光线柔和，过渡自然，阴影模糊。能够使物体看起来更圆润、更富有体积感，营造出温馨、宁静的氛围。 侧光： 突出物体的纹理和立体感，在物体表面形成强烈的明暗对比。 逆光： 在物体轮廓处形成明亮的边缘光，使物体从背景中分离出来，营造出神秘或神圣感。 暖色调光： 营造出温暖、舒适、怀旧的氛围。 冷色调光： 营造出冷静、疏离、现代的氛围。 理解光影如何影响色彩，才能更好地运用色彩来表现光影的质感和情绪。例如，在表现夕阳下的海面时，需要用暖色调的黄色、橙色和红色来捕捉光线的温度，同时利用阴影来表现海水的深邃。 色彩的运用场景： 色彩的运用无处不在，从自然景观到室内装饰，从服装搭配到品牌设计，都离不开色彩的智慧。 自然写生： 观察自然界中色彩的微妙变化，学习如何捕捉不同时间和天气下的光影色彩。 人物肖像： 利用色彩来刻画人物的肤色、情绪和性格。 风景画： 通过色彩来表现空间的深度、氛围和季节感。 商业设计： 运用色彩来吸引消费者，传达品牌信息，激发购买欲望。 空间色彩： 了解色彩如何影响人们在空间中的情绪和行为，如在卧室使用柔和的色彩营造放松感，在工作区使用明亮的色彩提高效率。 “光影的诗学”将为你提供实践的指导，鼓励你拿起画笔，按下快门，或是在你的设计中大胆尝试。它相信，通过不断的实践和反思，你将逐渐领悟到色彩的真谛，并用你的作品，描绘出属于你自己的光影诗篇。 结语： 色彩，是世界的语言，是情感的表达，是艺术的灵魂。“光影的诗学”是一场关于色彩的深度探索，它将引领你从基础的视觉原理，走到复杂的色彩关系，再到最终的艺术实践。它邀请你，用一颗敏锐的心去感受光影的流动，用一双求知的眼去洞察色彩的奥秘，最终，用你的双手去创造属于你的色彩传奇。

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这本书的阅读体验，坦白说，带给我一种久违的沉浸感。我通常阅读专业书籍时，会习惯性地做很多笔记和高亮，但《色彩基础》的某些部分，我竟然能一气呵成地读完，并且信息点能够自然地内化。这很大程度上归功于作者独特的叙事风格，它不像教科书那样冷冰冰，反而像是一位经验丰富的导师在与你进行一对一的私密对话。比如，当他解释“环境光”对物体色彩感知的影响时，他没有直接给出复杂的公式，而是用了一个生活化的场景——“在清晨的咖啡馆里，你的拿铁会呈现出与午后阳光下完全不同的暖调”。这种亲切的比喻，极大地降低了学习门槛。此外，书中的色彩案例分析非常多元化，涵盖了从自然界的生物伪装色到现代极简主义建筑的外墙用色，这种广阔的视野让我意识到色彩的运用无处不在，并非仅限于绘画或设计领域。它拓宽了我对色彩的理解边界，让我开始关注到环境色、反射色这些过去常常忽略的微妙因素。读完这本书，我感觉自己不再是被动地接受颜色，而是开始主动地去“感知”和“构建”色彩世界了。

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我对艺术史和材料学的交叉领域特别感兴趣，而这本书的某些章节恰好满足了我的好奇心。《色彩基础》在讲解颜料发展史和现代合成色料的应用时，做得非常出色。我一直好奇，为什么古代大师的油画色彩能够保持那种深邃而富有生命力的质感，而现在有些数码打印的颜色却显得苍白无力。这本书通过对比不同时期使用的矿物颜料（如群青、朱砂）的化学结构和光线反射特性，解释了这种历史沉淀下来的“高级感”的来源。它不是一本单纯的技术手册，它将色彩的物理特性与艺术家的创作意图紧密地结合了起来。更让我惊喜的是，书中有一小节专门讨论了在数字媒介（RGB）和印刷媒介（CMYK）之间进行色彩转换时，常常遇到的色彩丢失和漂移问题，并给出了几种经过验证的色彩管理流程建议。这部分内容对于任何需要跨媒介交付作品的设计师来说，都是极其宝贵的经验总结。我很少在基础教程中看到如此细致且实用的技术细节，这使得这本书的价值远远超出了“基础”二字的范畴，更像是一本结合了历史、科学与艺术的综合指南。

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说实话，我购买这本书的时候，内心是抱着一种“死马当活马医”的心态的。我过去尝试过好几本书来理解“明度”和“纯度”这两个概念，每次都感觉像是听天书，理论知识在我脑子里转了一圈又一圈，最终什么都没留下。直到我接触到《色彩基础》，我才真正体会到什么叫“醍醐灌顶”。这本书最厉害的地方在于它的实践导向性极强。它没有仅仅停留在理论的宏大叙事上，而是非常细致地拆解了每一个基础色彩属性是如何影响最终视觉效果的。书中附带的学习练习，比如要求读者利用单一色相，通过调整明度和纯度来表现出物体的立体感，这个练习对我来说简直是打开了新世界的大门。我按照书中的步骤一步步操作，那种从模糊到清晰的过程，比任何抽象的定义都来得实在。特别是关于色彩对比度的章节，它提供了一套非常实用的量化标准，而不是那种“你觉得对比够不够”的主观判断。这种科学严谨的态度，让我这个偏重技术层面的学习者感到非常受用。它不仅仅是在教你“怎么看颜色”，更是在教你“如何控制颜色”，这对于我从事的室内软装搭配工作来说，是决定性的能力提升。

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我购买《色彩基础》的初衷，是想解决一个在摄影后期处理中长期困扰我的难题：如何准确地还原并控制特定场景下的氛围感色彩。我发现很多后期教程都只是教你套用预设（Preset），但并没有告诉我预设背后的逻辑是什么。这本书提供了一个非常扎实的理论框架来支持我的后期决策。书中深入讲解了色调分离（Tone Mapping）的原理，以及如何在高光、中间调和阴影区域分别介入不同的色彩倾向来营造特定的情绪。最关键的是，它强调了人眼对色彩的适应性，解释了为什么在观看连续的色彩序列时，我们的大脑会自然地进行补偿和平衡。这一点对于处理HDR图像或者需要长时间观看的电影调色尤其重要。我尝试用书中推荐的“色彩平衡矩阵”来审视我过去的作品，立刻发现了我在处理冷暖对比时存在的偏差。这本书真正教会我的，是如何建立一套属于自己的、基于科学理解的色彩判断系统，而不是盲目地跟随潮流或者依赖软件工具的默认设置。对于希望将自己的视觉创作提升到“可控、可预测”层次的实践者来说，这本书提供了必需的底层逻辑和方法论。

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这本《色彩基础》的装帧设计实在让人眼前一亮，封面那大胆的撞色搭配，一下子就抓住了我的眼球。拿在手里沉甸甸的，感觉内容一定非常扎实。我本来是带着一点点怀疑的，毕竟市面上关于色彩的书籍多如牛毛，大多是理论堆砌，读起来枯燥乏味。然而，翻开内页后，我立刻被它清晰的逻辑和精美的插图所吸引。作者似乎非常懂得如何将复杂的色彩理论以最直观、最易于理解的方式呈现出来。例如，讲解三原色和三间色时，配图不仅仅是简单的色块对比，而是深入到了不同光照条件下颜色的细微变化，甚至还加入了历史上的调色大师是如何运用这些基础概念的实例。我尤其欣赏它在“色彩心理学”这一章节的处理方式，它没有停留在“红色代表热情”这种肤浅的层面，而是结合了跨文化的研究数据，深入探讨了不同文化背景下对特定色彩的潜意识反应，这对于我后续的平面设计工作，尤其是在面向国际市场进行品牌VI设计时，提供了非常宝贵的参考视角。这本书的排版也很人性化，字体大小适中，留白得当，长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。总的来说，这是一本在视觉呈现和内容深度上都达到极高水准的入门级教材，对于任何想系统学习色彩知识的人来说，都是一个绝佳的起点。我甚至已经开始期待后续章节中关于色彩和谐与冲突的更深入探讨了。

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涨词汇量了，，尼玛卓越又便宜了一块

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跟着做完三个色环有些收获

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涨词汇量了，，尼玛卓越又便宜了一块

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图书馆翻看的。因为没法实践所以不能很好理解。但还是受益了的。

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图书馆翻看的。因为没法实践所以不能很好理解。但还是受益了的。