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出版者:人民美术

作者:赵孟頫

出品人:

页数:102

译者:

出版时间:2011-6

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787102056104

丛书系列:

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《宋代文人画的兴衰与流变》 内容提要 本书旨在系统梳理和深入剖析中国艺术史上一个辉煌而复杂的篇章——宋代文人画的产生、发展、鼎盛及其最终的衰落与流变。宋代，特别是北宋与南宋时期，是中国封建社会文化艺术发展的一个高峰。在这一历史背景下，以士大夫阶层为主要代表的文人阶层，将自身的哲学思想、文学修养、人格情操融入绘画创作，形成了具有独特审美旨趣和深厚人文内涵的“文人画”。本书将从多个维度对这一艺术现象进行细致的考察与阐释，力求揭示文人画在中国艺术谱系中的核心地位及其深远影响。 第一章 时代背景与文人画的萌芽 本章首先勾勒出宋代（特别是徽宗朝前后）的政治、经济和社会文化环境。阐述商品经济发展、市民阶层壮大对艺术赞助和审美趣味的影响，以及理学兴起对士人精神世界的塑造。重点探讨唐代晚期以来，区分“院体画”与“士人画”的观念是如何逐步成型的。通过分析五代荆浩、关仝的山水画，以及董源、巨然对江南烟景的描绘，追溯文人画在技法与精神层面的早期探索，特别是对“用笔”与“写意”的初步强调。 第二章 北宋文人画的理论构建与实践高峰 北宋是文人画理论体系形成的关键时期。本章将集中探讨苏轼、黄庭坚等人对绘画理论的贡献。重点分析苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশু 伍”，强调“诗中有画，画中有诗”的艺术境界，以及他“不求形似，但求神似”的思想对后世写意精神的奠基作用。 实践层面，本章详细分析了以“米家父子”（米芾、米友仁）为代表的革新者。米芾对“刷”墨法的运用，以及他对古人作品的鉴赏态度，体现了文人画在笔墨趣味上的自觉追求。同时，对范宽、郭熙等山水大家，分析其作品中蕴含的哲理思考与对自然世界的独特理解，探讨他们如何将对天地万物的体悟转化为独特的笔墨语言。 第三章 南宋的转折：院体与文人画的交织 靖康之变后，南宋的政治格局和文化氛围发生了显著变化。国破家亡的背景催生了文人画更为内敛、忧郁的情感表达。本章研究南宋院体的延续与变革，以及文人画家在逆境中的坚持。 重点分析“金石学”和“考古学”在南宋士人心中的地位，以及这种对古雅的追求如何影响了绘画中的“尚古”风尚。对马远、夏圭的“边角之景”进行细致解读，分析这种构图上的取舍，如何暗合了南宋士人“一角”、“半边”的生存心态与审美偏好。同时，探讨南宋文人画家如何通过描绘梅竹、蔬果，来寄托对故国和自身节操的坚守。 第四章 文人画的审美核心：笔墨的哲学 本章是全书理论探究的核心。深入剖析文人画区别于院体画的根本特征——“笔墨”。 1. 用笔与书法的关系：阐述绘画用笔对书法用笔的直接继承，强调“骨法用笔”的内涵，如何通过线条的粗细、缓急、轻重来表现画家的性情与学养。 2. 墨法的变化与意境：研究墨分五色的运用，从董源的淡墨晕染到文同的浓墨干笔，探讨不同墨法如何表达不同的心境与物态。 3. “写”与“意”：区分“描”与“写”，论述“写意”作为文人画的最高境界，是画家精神与物象高度统一的产物。 第五章 文人画对后世的影响与流变 宋代文人画的理论和实践，为其后的元、明、清三代艺术发展设定了不可逾越的标杆。本章探讨元代“四王”对宋代笔墨传统的继承，特别是对米氏父子和南宋院体的取法过程。分析“元四家”如何将文人画的理论推向极致，使“写意山水”成为中国画的主流。 随后，探讨明代吴门画派对宋代文人画中“雅”与“俗”的再平衡，以及清代“四僧”如何从宋人遗风中汲取力量，进行更为反叛和个性的表达。本书总结宋代文人画的成就，即它成功地将艺术创作从单纯的“技艺”层面，提升到了“修身养性”、“言志托情”的哲学高度，确立了中国画发展的主导方向。 结语 本书通过对大量一手摹本、传世作品的考察，结合传记文献与理论著述，力求呈现一个立体、丰富的宋代文人画全景图。宋代文人画不仅是绘画史上的一个阶段，更是中国士人精神史的一个重要注脚，其对笔墨的极致追求和对人格的强调，至今仍是中国艺术教育和创作的重要源泉。

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关于古典园林艺术的这本专著，简直是园林爱好者的“圣经”。它详尽地梳理了从私家园林到皇家园林的布局演变和哲学思想根源。作者的文字功底扎实，语言流畅又不失严谨，读起来完全没有晦涩感。最让我感到震撼的是，书中对“借景”和“对景”的处理手法进行了系统性的归纳和实例分析，配以大量手绘平面图和意境图，让人对咫尺山林如何容纳天地做了清晰的认知。我特意对照着书中的描述，去实地考察了几个著名的园子，发现那些原本只是走马观花的角落，在有了这些理论指导后，瞬间变得立体而有深意。它让我明白了，造园的精髓在于“含蓄”，在于“藏”与“露”的平衡，而不是单纯的堆砌奇石怪木。这本书的价值，不仅仅在于学术研究，更在于它能提升普通人在日常生活中对空间美学的感知力。

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这部厚重的《中国书法史》真是让人爱不释手，特别是它对魏晋风度的描摹，简直是身临其境。作者的笔触细腻得令人惊叹，仿佛能看到王羲之在兰亭集会上挥毫泼墨的场景。书中对不同时期书法风格的演变，从篆隶的古朴厚重到楷书的法度森严，再到草书的奔放不羁，都有独到的见解。尤其让我佩服的是，作者不仅罗列了大量碑帖的图片，还深入剖析了每一位大家在特定历史背景下的心境和技法特点。阅读过程中，我多次停下来，对着书中呈现的拓片仔细揣摩，那些线条的提按顿挫、墨色的浓淡干湿，都像是在与古人对话。对于我这样一个初学者来说，这本书不仅是知识的殿堂，更像是一座艺术的灯塔，指引着我探索书法的奥秘。它让我明白了，书法绝非简单的文字书写，而是心性、学识与技艺的完美融合。光是关于颜真卿楷书“雄强”的论述，就足够我反复咀嚼品味很久了。

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我最近翻阅的这本《明清小说中的市井百态》，简直是一部活生生的社会风俗史。作者没有采用传统的文学批评方式，而是聚焦于小说文本中对市井生活的细致描摹，从茶馆酒肆的俚语俚俗，到街头巷尾的买卖交易，都被梳理得井井有条。书中对人物对话的分析尤其精彩，那些充满地方特色的歇后语和俗语，被作者一一考证解释，让人仿佛能听到那个年代人们的真实声音。特别是关于“小人物”的命运描绘，体现了作者深厚的人文关怀。它让我意识到，文学作品的伟大之处，很多时候不在于帝王将相，而在于那些默默无闻的芸芸众生。这本书的叙事风格活泼生动，夹杂着许多有趣的历史轶事，读起来轻松愉快，但其背后蕴含的社会学和民俗学意义却极其深远。

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最近在看一本关于西方现代艺术哲学的译著，这本书的翻译质量令人称赞，使得那些晦涩难懂的德语和法语概念，在中文语境下也变得清晰可辨。它主要探讨了从印象派后期到抽象表现主义兴起这段时间，艺术家们如何与传统美学决裂，并试图寻找新的“真实”。书中对尼采和海德格尔哲学思想如何渗透到艺术创作中的分析，既有高度的理论概括，又不乏具体的作品剖析，比如对马蒂斯色彩的“解放”和毕加索结构“重塑”的解读。读这本书，感觉像是在进行一场智力上的攀登，虽然过程需要集中精神，但每攻克一个难点，都会带来巨大的心智上的满足感。它极大地拓宽了我对“艺术是什么”的边界认知，让我开始用更具批判性和探索性的眼光去看待当代的视觉文化。

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我最近沉迷于《宋代文人画研究》，这本书的视角极其新颖，完全颠覆了我以往对宋画的理解。它没有停留在表面描绘山水花鸟的精美，而是深入挖掘了宋代士大夫阶层在政治动荡中，如何通过“写意”来寄托胸中块垒。作者对苏轼、米芾等人的文字解读，简直是神来之笔，将他们的诗词、尺牍与画作做了精妙的跨界比对。我特别喜欢其中关于“逸笔草草，不求形似”的讨论，这不仅是绘画技法的探讨，更是一种人生哲学的体现。书中的插图选取极为考究，很多高清复印件让那些原本只能在博物馆隔着玻璃远观的细节，现在可以近距离品鉴。读完后，我再去欣赏宋人的作品，感觉完全不一样了，不再只是欣赏其形，而是能体会到那种“一念所及，皆成文章”的境界。这本书的学术深度和艺术鉴赏力达到了一个令人望而生畏的高度。

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