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出版者:上海书画出版社

作者:熊文彬

出品人:

页数:1055

译者:

出版时间:2010-12-1

价格:1500.00元

装帧:精装

isbn号码:9787807258629

丛书系列:

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《藏传佛教艺术发展史》 本书以宏大的历史视角，系统梳理和深入剖析了藏传佛教艺术自萌芽、形成、发展、成熟到演变的全过程。作者秉持严谨的学术态度，结合考古发现、历史文献、实地考察以及对大量艺术品的精微解读，勾勒出藏传佛教艺术波澜壮阔的发展脉络，揭示了其独特的艺术风格、精神内涵及其在不同历史时期所承载的文化意义。 一、 早期渊源与风格奠基（吐蕃时期） 本书开篇追溯了藏传佛教艺术的起源，探讨了其如何受到印度佛教、尼泊尔佛教以及中原佛教艺术的影响，并在此基础上形成了初步的本土化特征。在吐蕃王朝时期，随着佛教在西藏的广泛传播，佛教造像、壁画、唐卡等艺术形式逐渐兴盛。作者详细介绍了这一时期艺术的特点，如早期造像的古朴、粗犷，壁画的色彩浓烈、题材多样，以及受中原佛教艺术影响的痕迹。例如，桑耶寺、昌珠寺等遗存的壁画和塑像，便是研究这一时期艺术风格的重要实证。作者会深入分析这些艺术品在构图、线条、色彩、题材选择等方面所体现出的独特之处，以及其所反映的当时社会文化、宗教信仰和技术水平。 二、 黄金时代的辉煌（萨迦、帕竹、噶当等时期） 进入萨迦、帕竹、噶当等时期，藏传佛教艺术迎来了其发展史上的黄金时代。政治格局的变化、宗教派别的兴衰以及与外部世界的交流，都极大地促进了艺术的繁荣。本书将重点探讨这一时期艺术风格的多元化和精深化。 造像艺术的成熟与发展： 作者详细分析了这一时期造像工艺的进步，从材质（铜鎏金、泥塑、木雕等）的选择到工艺技法的精进，都达到了前所未有的高度。特别是对不同佛、菩萨、明王、护法等形象的塑造，其程式化规范与艺术表现力如何得到完美结合，进行了深入的阐述。例如，对萨迦寺、江孜白居寺等著名寺庙造像的精细剖析，会展现其庄严、慈悲、威猛等不同特质的刻画。 壁画艺术的精湛与多样： 这一时期的壁画艺术在色彩运用、线条勾勒、构图布局以及人物表情刻画等方面都达到了极高的水平。作者将细致解读寺庙壁画中所蕴含的丰富佛教故事、坛城图、本生故事等，分析其艺术风格的地域性差异和时代性演变。例如，布达拉宫、扎什伦布寺等地的壁画，将是本书重点考察的案例。 唐卡艺术的兴盛与成熟： 唐卡作为藏传佛教艺术的代表性形式，在这一时期得到了空前的发展。作者将深入探讨唐卡的起源、发展、分类（如勉唐派、噶玛噶赤派、止贡噶举派等）及其艺术特征，分析其在绘画技巧、色彩运用、线条勾勒、细节处理等方面所展现出的高超技艺。对不同唐卡流派的艺术风格、题材内容、表现手法进行详细对比和分析，将是本书的重要亮点。 三、 风格的演变与区域特色（后弘期至今） 随着时间的推移，藏传佛教艺术在不同地区、不同教派的影响下，呈现出更为多元和地域化的发展趋势。本书将继续追踪这一演变过程。 格鲁派的艺术风格： 作为后弘期藏传佛教最主要的流派，格鲁派的艺术也形成了其独特的风格。作者将分析格鲁派寺庙建筑、造像、壁画、唐卡等艺术形式如何体现其教义和思想，以及其艺术上的创新与传承。例如，对拉萨三大寺（哲蚌寺、色拉寺、甘丹寺）以及布达拉宫等重要建筑群和艺术品的分析，将是理解格鲁派艺术的关键。 区域性艺术风格的形成： 藏传佛教艺术在不同地区，如卫藏、安多、康区等地，也形成了各具特色的艺术风格。作者将对比分析这些区域性艺术风格的差异，探讨其形成原因，如地理环境、历史文化、宗教习俗等因素的互动影响。例如，康区唐卡的粗犷奔放，安多地区壁画的鲜艳明快，都将是本书考察的重点。 近现代藏传佛教艺术的传承与发展： 本书还将关注近现代藏传佛教艺术的发展状况，包括传统艺术的传承、保护以及在新时代背景下的创新与转型。作者会探讨现代艺术家如何继承和发展传统艺术，以及藏传佛教艺术在世界范围内的传播和影响。 四、 艺术中的精神内涵与文化价值 本书不仅仅是对藏传佛教艺术的风格和演变进行梳理，更深入地挖掘了其背后蕴含的精神内涵和文化价值。 佛教教义的 visual manifestation： 作者将细致解读藏传佛教艺术如何将深奥的佛教教义、哲学思想、修持方法等通过具象化的艺术形式得以呈现，从而起到教化信众、引导修行的作用。例如，坛城艺术、佛陀传记壁画、密宗本尊造像等，都将是分析的重点。 民族文化与宗教信仰的融合： 藏传佛教艺术是藏民族文化的重要组成部分，它不仅体现了宗教信仰，也融合了藏民族的审美情趣、生活习俗和宇宙观念。本书将深入探讨藏传佛教艺术如何成为藏民族身份认同和文化传承的重要载体。 艺术史与宗教史的交织： 本书将以艺术史为主线，但也会紧密结合宗教史、政治史、社会史等，展现藏传佛教艺术发展与这些历史因素之间的相互影响和制约。 结论 《藏传佛教艺术发展史》旨在为读者提供一个全面、深入、系统的藏传佛教艺术研究读本。它不仅是一部艺术史著作，更是一扇理解藏传佛教文化、藏民族历史和精神世界的窗口。本书的价值在于其严谨的考证、深刻的分析和丰富的图版，能够帮助读者更好地认识和欣赏这一独具魅力的艺术体系。

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这本书完全颠覆了我对藏传佛教艺术的刻板印象。我一直以为藏传佛教艺术是单调、重复的，直到我读了《藏传佛教艺术发展史》，才发现它有着如此丰富多彩的发展历程和多样的艺术风格。《藏传佛教艺术发展史》这本书，就像一位博学的向导，带领我穿梭于不同时代、不同地域的藏传佛教艺术世界。作者在梳理艺术史的同时，没有忽视艺术与宗教信仰之间的紧密联系。他深入浅出地分析了佛教教义是如何通过艺术形式来表达的，比如佛陀的形象、菩萨的姿态、手印的含义、色彩的象征等等。我最欣赏的是作者在处理不同教派艺术风格差异时的细致。他清晰地勾勒出了噶当派的朴素，萨迦派的华丽，格鲁派的严谨，以及其他教派艺术的特点，并分析了这些差异产生的原因。书中对唐卡的介绍让我大开眼界，原来每一幅唐卡都是一部视觉化的佛教经典，里面充满了丰富的象征意义和精湛的绘画技巧。作者对唐卡的绘制方法、材料、构图原则的介绍，让我对这项古老的艺术形式有了更深的认识。读完这本书，我仿佛看到了一部鲜活的藏传佛教艺术发展史，它充满了智慧、信仰和美。

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坦白说，我本来对藏传佛教艺术的了解仅限于一些零散的图片和模糊的印象。这本书，彻底改变了我的认知。作者的叙事方式非常引人入胜，他不是枯燥地罗列历史年代和艺术流派，而是像一位导游，带领我一步步走进西藏佛教艺术的殿堂。我最喜欢的部分是关于早期佛教艺术如何融入西藏本土文化，并逐渐形成独特风格的论述。作者描绘了当印度佛教艺术传入时，藏族人民如何以开放的心态吸收、借鉴，并与自己原有的宗教观念和审美情趣相结合，最终创造出独具特色的艺术形式。特别是对壁画的研究，从早期比较粗犷、象征性强的图案，到后来逐渐精细、写实的描绘，每一个时期的变化都对应着社会文化的变迁。书中对不同教派艺术风格的区分也非常到位，比如噶当派的简洁朴实，萨迦派的华丽繁复，以及格鲁派的严谨规范，都通过具体的例子得到了生动的阐释。我一直对密宗的坛城非常好奇，这本书花了很大篇幅来解释坛城的结构、意义以及在修行中的作用，让我对这个神秘的艺术形式有了更深入的了解。作者用极其通俗易懂的语言，将复杂的哲学和宗教概念转化为可以视觉化的艺术形象，这让我感觉自己仿佛也参与到了那个精神世界的构建之中。这本书的插图质量非常高，每一幅图片都仿佛在诉说着一段历史，一件艺术品背后都隐藏着一个故事。我感觉作者花了大量的时间和精力去搜集、整理和研究这些宝贵的艺术资料，才能够呈现出这样一本高质量的书籍。

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说实话，当初是被这本书的封面所吸引，那尊庄严而慈悲的佛像，瞬间就抓住了我的眼球。没想到，翻开之后，内容比封面更加精彩。这本书的视角非常独特，它没有简单地从艺术风格的演变来叙述，而是更加侧重于艺术与宗教信仰之间的互动关系。作者深入探讨了佛教教义是如何通过艺术形式来具象化的，比如佛陀的形象、菩萨的姿态、手印的含义、颜色的象征等等。我之前一直对佛教的很多概念感到模糊，看了这本书之后，很多困惑都迎刃而解。特别是关于“空性”和“慈悲”这两个核心概念，书中通过对不同时期、不同宗派艺术品的解读，让我有了更直观的感受。比如，早期壁画中对佛陀苦修的描绘，以及后期唐卡中对极乐世界的绚丽展现，都反映了不同时代人们对解脱和彼岸世界的理解。作者还花了很大的篇幅来讲解藏传佛教的“唐卡”艺术，这是一种独具特色的绘画形式，简直是佛教经典的图解。书中对唐卡的绘制材料、技法、构图原则以及各种象征符号的解释，都非常详尽。我以前总觉得唐卡上的各种人物和图案很复杂，难以理解，但读完这本书，我仿佛掌握了一把解锁这些神秘符号的钥匙。我特别喜欢书中对“坛城”的介绍，那些几何图形和色彩的组合，看似抽象，却蕴含着宇宙的奥秘和修行的次第。作者用生动形象的语言，将这些复杂的概念解释得清晰易懂，让我受益匪浅。这本书不仅仅是一本关于艺术的书，更是一本关于信仰的书，它让我看到了艺术在传承和弘扬宗教思想方面所起到的巨大作用。

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我是一位对历史和文化研究颇有兴趣的业余爱好者，偶然间在书店看到了这本《藏传佛教艺术发展史》，立刻被它厚重的分量和精美的插图所吸引。读完之后，我只能说，这本书完全超出了我的预期。作者的研究非常扎实，他对历史文献的梳理、考古发现的引用，以及对艺术品风格的分析，都显得极为严谨。书中对吐蕃时期艺术的论述，让我对那个遥远而神秘的时代有了更深的认识，从早期受印度笈多王朝和中亚地区艺术的影响，到后来逐渐形成具有鲜明民族特色的吐蕃风格，整个过程的演变脉络清晰可见。作者在分析不同时期艺术风格时，不仅关注表面的形式，更深入挖掘其背后的社会、经济、宗教和政治因素。例如，在讨论元代藏传佛教艺术时，作者详细阐述了萨迦派在元朝的地位以及汉藏艺术的交流，这让我对那个时代多元文化的融合有了更深刻的理解。书中对明清时期，特别是格鲁派兴盛后的艺术风格转变，也有着极为详尽的论述。作者分析了在格鲁派的主导下，艺术创作更加注重规制和标准化，同时也更加精细和写实，这为后来的藏传佛教艺术奠定了基础。本书的价值在于，它不仅为我们呈现了一场视觉的盛宴，更提供了一个理解藏传佛教艺术发展逻辑的框架。作者在处理不同时期、不同教派艺术风格的交融与演变时，展现了极高的学术功底和敏锐的洞察力。我尤其欣赏作者对于一些具体艺术品的细致解读，例如对壁画中人物的服饰、表情、动作的分析，以及对雕塑、唐卡中色彩运用、线条勾勒的阐释，都充满了智慧和见解。

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作为一个对宗教艺术情有独钟的收藏爱好者，我一直在寻找一本能够系统性地梳理藏传佛教艺术发展脉络的书籍。《藏传佛教艺术发展史》这本书，绝对是我近年来最满意的一笔购藏。作者在梳理艺术史的同时，并没有忽略艺术品背后所承载的宗教信仰和文化内涵。他深入浅出地分析了佛教教义如何通过具象的艺术形式得到体现，比如不同佛像的姿态、手印、服饰所代表的意义，以及唐卡中色彩、线条、图案的象征性含义。我尤其对书中关于“造像法度”的论述印象深刻，作者详细介绍了藏传佛教造像的严谨规范，从比例、尺寸到细节处理，都遵循着特定的仪轨，这体现了藏传佛教对精神内涵的极致追求。书中对不同时期、不同地域的艺术风格的比较分析也非常精彩。例如，对早期受印度犍陀罗艺术影响的造像，与后来形成的藏族本土风格的差异，以及受尼泊尔、克什米尔地区艺术的影响，都进行了细致的辨析。我特别喜欢书中关于寺庙壁画的章节，那些历经数百年风雨的壁画，依然鲜活地展现着佛教故事和修行场景，作者对这些壁画的解读，让我能够穿越时空，感受到古代艺术家们精湛的技艺和虔诚的信仰。本书的价值在于，它不仅为我们提供了一个宏观的艺术史框架，更让我们有机会深入了解藏传佛教艺术的细节，理解其背后的文化密码。

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这本《藏传佛教艺术发展史》简直是我的精神食粮！我一直对西藏的文化和艺术充满好奇，但总觉得隔着一层纱，难以窥探其精髓。直到我翻开这本书，才真正感受到那种震撼人心的力量。书中详细地追溯了从早期印度佛教艺术传入西藏，到唐代汉藏文化交流融合，再到元明清时期格鲁派兴盛，直至近现代风格演变的全过程。作者不仅梳理了各个时期艺术风格的特点，比如早期壁画的粗犷写实，噶当派佛像的朴素严谨，萨迦派的华丽繁复，以及格鲁派的精细写实，还深入剖析了这些艺术风格背后所蕴含的宗教思想、哲学理念以及社会政治背景。每一幅图片都经过精心挑选，从措普寺的壁画到甘丹寺的坛城，再到扎什伦布寺的铜造佛像，都展现了藏传佛教艺术的独特魅力。我特别喜欢书中对密宗坛城的研究，它不仅仅是艺术品，更是宇宙观的缩影，充满了深奥的象征意义。作者用极其专业的语言，却又不失通俗易懂地解释了坛城的构成、绘制规则以及其在密宗修行中的作用。我甚至尝试着对照书中的图例，去辨认寺庙中看到的坛城，这让我感觉自己仿佛置身于古老的修行之地，与那些虔诚的朝圣者一同感受神圣。阅读这本书的过程，就像是在进行一次穿越时空的艺术朝圣，让我对藏传佛教艺术有了前所未有的深刻理解。我尤其赞赏作者在处理不同地域、不同教派艺术风格差异时所展现的严谨态度，他能够清晰地勾勒出它们之间的联系与区别，而不仅仅是罗列事实。这种宏观与微观相结合的研究方法，使得本书既有学术的高度，又不乏阅读的趣味性。我迫不及待地想带着这本书去西藏，对照着书中的描述，去实地感受那些艺术瑰宝的震撼。

评分☆☆☆☆☆

我是一名美术史专业的学生，在学习过程中，一直对东方宗教艺术的魅力感到着迷。偶然间了解到这本《藏传佛教艺术发展史》，便迫不及待地开始研读。这本书的研究深度和广度都让我感到震撼。作者不仅仅是描述艺术风格的演变，更着力于分析艺术与宗教、哲学、社会文化之间的复杂联系。书中对吐蕃早期佛教艺术的论述，让我对那个时代艺术风格的形成有了更清晰的认识。作者详细阐述了早期佛教艺术如何受到印度、中亚地区的影响，并在此基础上逐渐融入藏族本土的审美元素，最终形成了具有鲜明特色的吐蕃艺术。我特别喜欢书中关于壁画的研究，那些描绘了佛陀生平、佛教故事以及密宗仪轨的壁画，不仅是艺术品，更是承载着深厚宗教文化的文献。作者对壁画构图、色彩运用、人物形象的分析，都极为专业和细致。在探讨不同教派艺术风格时，作者也展现了极高的学术素养。例如，对噶当派艺术的简洁朴素，萨迦派艺术的华丽精致，以及格鲁派艺术的严谨写实，都进行了详尽的对比分析，并从中揭示了不同教派在宗教实践和思想上的差异。本书的学术价值在于，它不仅仅停留在对艺术形式的描述，更是深入挖掘了藏传佛教艺术发展的深层动因，为我们理解这一独特的艺术体系提供了重要的理论支撑。

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我一直认为，艺术是理解一个民族文化最直接、最深刻的方式。当我在书店看到这本《藏传佛教艺术发展史》时，就被它厚重的封面和精美的图片所吸引。读完之后，我不得不说，这本书完全超出了我的想象。作者的研究非常细致，他不仅梳理了藏传佛教艺术的发展脉络，更深入地挖掘了艺术背后的宗教思想、哲学理念和社会文化背景。我最喜欢的部分是关于唐卡的介绍，作者将唐卡不仅仅看作是绘画，更是佛教经典的“眼睛”，是修行者与佛陀沟通的桥梁。他对唐卡中各种象征符号的解读，让我对这些精美的画面有了更深的理解。书中对不同教派艺术风格的比较分析也极为精彩，例如，噶当派的简洁明快，萨迦派的雍容华贵，格鲁派的严谨精细，都通过具体的艺术品得到了生动的展现。我尤其欣赏作者在分析艺术风格演变时，能够将其与当时的社会政治、经济因素联系起来，这使得本书具有了更高的学术价值。这本书让我对藏传佛教艺术有了更全面、更深刻的认识，它不仅仅是一本艺术书籍，更是一本关于信仰、历史和文化的百科全书。

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我原本对藏传佛教艺术了解不多，只觉得那些佛像和壁画很神秘、很漂亮。直到我读了这本书，才真正打开了新世界的大门。《藏传佛教艺术发展史》这本书，简直就像一本活的历史教科书，把我带回了那个遥远而神秘的年代。作者的叙述非常生动，他用通俗易懂的语言，讲述了藏传佛教艺术是如何一步步发展壮大的。我最感兴趣的部分是关于早期藏传佛教艺术的形成。作者详细介绍了印度佛教艺术是如何传入西藏，以及在藏族人民的智慧下，如何与本土文化相结合，最终创造出独具特色的艺术风格。我以前只知道有唐卡，读了这本书才知道，原来唐卡还有那么多讲究，比如颜料的选择、线条的勾勒、色彩的搭配，以及上面各种人物、图案的象征意义，都蕴含着深刻的宗教哲学。作者还花了很大的篇幅来介绍寺庙壁画，那些色彩斑斓、栩栩如生的壁画，仿佛诉说着一个个古老的故事。我特别喜欢书中对“坛城”的解读，那些精美的几何图案，不仅仅是装饰，更是宇宙的缩影，是修行者观想的工具。读完这本书，我感觉自己对藏传佛教艺术有了前所未有的了解，不再是停留在表面的惊叹，而是能够理解其背后所蕴含的深刻意义。

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作为一个从小就对西藏充满向往的人，这本书就像是为我量身定做的。我一直对藏传佛教的独特艺术风格感到着迷，但苦于没有系统性的了解。《藏传佛教艺术发展史》这本书，恰好填补了我的知识空白。作者的叙述非常流畅，他从吐蕃王朝时期开始，一直讲到近现代，将藏传佛教艺术的发展脉络梳理得井井有条。我特别喜欢书中关于不同时期壁画的介绍，那些绘制在寺庙墙壁上的图案，虽然历经沧桑，却依然散发着庄严神秘的光辉。作者对壁画的色彩运用、人物造型、故事情节的解读，让我仿佛穿越了时空，亲眼目睹了古人的创作过程。书中对佛像艺术的研究也极其详尽，从材质、工艺到造型、神韵，都进行了细致的分析。我尤其欣赏作者对不同教派佛像风格的区分，让我能够更好地理解不同教派在审美追求上的差异。这本书的价值在于，它不仅仅是艺术史的梳理，更是对藏传佛教文化和信仰的深入解读。我感觉作者对藏传佛教艺术有着深厚的感情，他的文字充满了对这份宝贵文化遗产的敬意。

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更像是学术论文集，我的层次还不够，应该先看些教科书级别的。

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漫长的阅读，终于看完了

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漫长的阅读，终于看完了

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果然是能砸死人的那种

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经典之作，绝非锅之社科的坑爹货