具体描述
Though a part of American soldiers' lives since the Revolutionary War, by World War II music could be broadcast to the front. Today it accompanies soldiers from the recruiting office to the battlefield. For this book, Jonathan Pieslak interviewed returning veterans to learn about the place of music in the Iraq War and in contemporary American military culture in general. Pieslak describes how American soldiers hear, share, use, and produce music both on and off duty. He studies the role of music from recruitment campaigns and basic training to its use "in country" before and during missions. Pieslak explores themes of power, chaos, violence, and survival in the metal and hip-hop music so popular among the troops, and offers insight into the daily lives of American soldiers in the Middle East.
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用户评价
这是一本关于二十世纪中叶爵士乐从波普（Bebop）向自由爵士（Free Jazz）过渡阶段的评论集，但它的视角极其独特——它完全是从打击乐手群体的视角来构建这段历史的。作者通过对巴迪·里奇、麦斯·罗奇，乃至更具实验性的托尼·威廉姆斯等人的鼓点哲学进行解构，揭示了节奏部分是如何从伴奏的角色中解放出来，成为推进和声与旋律革命的核心驱动力的。书中对鼓组的配置变化、镲片使用技术的演进以及对“时间感”本身的处理方式的讨论，详尽得令人咋舌。我读到其中一段关于自由爵士鼓手如何“重塑四四拍”的分析时，几乎是屏住呼吸读完的，作者将复杂的节奏切分和多重对位描述得如同精彩的棋局对弈。这本书的价值在于，它打破了传统乐评以旋律和即兴独奏为主导的窠臼，让“节奏”这个常被低估的元素登上了历史舞台的中央，提供了对现代音乐发展一个极具颠覆性和启发性的解读。
评分这本关于欧洲古老音乐传统的书籍，无疑是一次深邃而引人入胜的旅程。作者以极其细腻的笔触，描绘了中世纪圣歌在不同修道院中的演变脉络，不仅仅停留在音符和曲式的分析上，更是深入挖掘了宗教仪式、社会结构乃至当时人们精神生活对音乐形式的塑造作用。书中详尽地考察了格里高利圣咏的区域性变体，比如圣马可大教堂的复调音乐与罗马教廷官方标准的微妙张力。对于一位对早期西方音乐史略知皮毛的爱好者来说，这本书提供了远超预期的深度。我尤其欣赏作者在引用原始手稿和历史文献时的严谨态度，每当提到某个特定调式或旋律片段时，总能清晰地指出其出处，这使得整个论述如同可触摸的历史现场，而不是空泛的理论构建。读完之后，我对“神圣的音乐”如何从单一的咏唱发展成为复杂的复调艺术，以及这一过程如何与欧洲思想史紧密交织，有了全新的认识。它不是那种快餐式的历史普及读物，而是需要时间沉淀和反复咀嚼的学术精品，非常适合那些渴望真正理解古典音乐根源的深度阅读者。
评分我对这本聚焦于二十世纪七十年代先锋电子音乐实验的著作感到由衷的震撼。作者避开了对那些耳熟能详的大师的常规传记式叙述，转而选择了一种“声音考古学”的视角，去解剖那些在当时被视为边缘甚至怪异的声学探索。书中详尽地梳理了早期合成器技术（如Moog和Buchla系统）如何被重新理解和“滥用”，以挑战传统的音乐语法和听觉习惯。最令人称奇的是，它并未将这些实验孤立看待，而是将其置于冷战后期的社会焦虑、媒体传播理论以及新兴的视觉艺术思潮之中进行剖析。例如，作者用极具冲击力的语言描述了某些噪音音乐作品是如何直接回应城市化进程中的异化感。行文风格冷峻而富有洞察力，充满了对“可听性”边界的哲学思辨。它迫使我重新审视我们今天习以为常的“电子音乐”的定义。这本书的价值在于，它不提供答案，而是提供了一套极其精密的工具，让你去聆听历史的那些“噪音点”，体会那些勇敢的创造者是如何在声音的荒原上开辟新路径的。
评分这本书以一种近乎诗意的方式探讨了世界各地那些濒临失传的口头音乐传统，尤其是那些与特定地理环境和农业周期紧密相连的歌谣。我发现它最迷人的地方在于，作者拒绝用西方中心主义的框架去衡量这些文化遗产的“艺术价值”，而是着重于它们在社区存续、知识传承以及人与自然关系中的核心功能。书中对亚马逊河流域某一部落的“季节祭祀歌”的田野调查片段，简直是教科书级别的民族音乐学记录。作者详细记录了歌词的象征意义、演唱者的年龄划分以及歌声在特定地形中回荡的物理特性。阅读过程中，我仿佛能闻到雨林潮湿的泥土气息，感受到歌声中蕴含的对土地的敬畏。这种叙事方式极其真诚且富有同理心，成功地将听觉体验与深厚的文化人类学观察融为一体。它不仅仅是一本音乐学的书，更是一部关于人类生存智慧的挽歌，提醒着我们，声音的世界远比我们想象的要广阔和脆弱。
评分关于十九世纪浪漫主义时期室内乐发展的一卷，其学术严谨性和叙事流畅性的结合达到了一个令人惊叹的高度。作者并没有简单地罗列勃拉姆斯、舒曼或门德尔松的作品，而是巧妙地将音乐的结构分析与当时资产阶级家庭客厅的社交礼仪、钢琴技术的普及以及音乐出版业的兴起联系起来。我最欣赏的是它对“私密性”和“公共性”在室内乐中拉锯战的深入剖析。例如，作者如何展示作曲家们如何在高度形式化的奏鸣曲结构内部，偷偷地注入高度个人化的情感表达，这使得那些熟悉的乐章焕发出了全新的意义。行文逻辑缜密，论据充分，但绝不晦涩难懂，作者对乐谱细节的描述精确而富有画面感，即便是没有乐器常识的读者，也能通过文字构建起对和声进行和织体变化的清晰认知。这本书证明了，严肃的音乐分析完全可以做到既有深度又充满阅读的乐趣。
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