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出版时间:2008

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isbn号码:9789868368712

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雕塑时光：古典与现代的交织——欧洲服饰变迁史 本书将带领读者穿越时空，深入探究自古希腊罗马时代直至二十世纪末，欧洲服饰如何作为社会、政治、经济和美学观念的载体，经历了一系列深刻的变革与演变。我们不关注时下潮流的瞬息万变，而是聚焦于那些构建了时代精神的经典结构、面料选择、剪裁哲学以及服饰背后的文化密码。 第一章：古典的基石与中世纪的信仰 本章首先回顾了古典文明中服饰的简约与象征意义。古希腊的Chiton（束腰外衣）与Himation（披肩），如何通过垂坠感和对人体自然形态的尊重，体现了对和谐与比例的追求。罗马帝国的服饰，如Toga（托加袍）与Stola（女式长袍），则清晰地划分了公民身份与社会阶层。 随后，我们将步入中世纪的漫长岁月。在这一时期，服饰深受基督教信仰和封建制度的影响。早期（约5世纪至11世纪），服饰保持了较为朴素与宽松的特点，强调遮盖。进入盛期（12世纪至14世纪），随着商业的复苏和技术的进步，服饰开始出现结构化的趋势。哥特式风格的兴起，尤其体现在Houppelande（罩袍）和女性高耸的头饰上，展现出对垂直线条的痴迷，象征着对天国的向往。面料的使用，从粗麻布逐渐过渡到昂贵的丝绸和天鹅绒，其稀有性直接与贵族的权力和财富挂钩。 第二章：文艺复兴的觉醒与西班牙的严谨 文艺复兴（15世纪至16世纪）标志着欧洲思想的解放，服饰也开始从宗教的束缚中挣脱，转而赞美世俗的成就和人体的力量。意大利文艺复兴的服饰风格展现出对色彩的偏爱和对廓形的柔化，体现了人文主义的乐观精神。 然而，与意大利的柔和形成鲜明对比的是西班牙在16世纪的统治地位及其带来的“西班牙式庄重”风格。这一时期的服饰以其极度的结构化和僵硬感著称。女性的Verdugado（裙撑，后演变为法式Farthingale）将裙摆撑起，形成近乎几何的形状；紧身胸衣（Bodice）将躯干塑造成倒三角形。男性则流行Doublet（短上衣）和Trunk Hose（泡泡状的短裤），整体造型强调威严、权威与不苟言笑的贵族气派。这种对形体的严格控制，反映了哈布斯堡王朝的政治哲学。 第三章：巴洛克的奢华与洛可可的精致 十七世纪的巴洛克风格，是绝对君主制鼎盛时期的产物。路易十四治下的法国凡尔赛宫成为了欧洲时尚的中心。服饰追求宏大、戏剧性和运动感。男性服饰的标志性元素是Justaucorps（长外套）、Vest（马甲）和Breeches（及膝裤），辅以大量的蕾丝、刺绣和假发。服饰不再是简单的遮体，而是华丽的舞台服装，旨在彰显王权的无上荣光。 进入十八世纪，洛可可风格（Rococo）将巴洛克的宏大转化为精致、轻盈与私密感。色彩转向柔和的粉彩、奶油色和淡蓝。女性的Robe à la Française（法式长袍）以其Watteau Pleat（沃托褶）从后背自然垂落，裙撑变得更宽（Panniers），而非垂直向上。这一时期的服饰高度关注室内社交和女性的魅力展示，充满了曲线美和不对称的装饰细节。 第四章：革命的冲击与新古典主义的回归 法国大革命是欧洲社会和服饰史上最剧烈的断裂点之一。贵族服饰的奢华与不平等遭到了强烈的反弹。服饰哲学转向新古典主义，试图回归古希腊罗马的“自然”与“理性”。 在“Merveilleuses”（奇女子）和“Incroyables”（不可思议者）的短暂狂热之后，拿破仑时代确立了更为简洁的风格。女性服饰抛弃了束缚，采用了高腰线的Empire Line（帝政风格长裙），面料多为轻薄的穆斯林棉布，模仿古希腊雕塑的悬垂感。男性则确立了现代西装的雏形——剪裁合体的长外套和长裤（取代了马裤），强调实用性和职业精神，这标志着资产阶级品味对贵族浮夸的胜利。 第五章：十九世纪的结构与工业化的影响 十九世纪是技术进步与社会阶层固化的世纪。维多利亚时代（Victorian Era）的服饰以其严谨的道德规范和繁复的结构统治了时尚界。 早期与中期（1837-1860s）： 裙撑（Crinoline）达到了体积的顶峰，它最初由鲸骨制成，后被更轻便的钢丝笼取代。这一结构性的支撑极大地限制了女性的行动力，象征着中上层女性被束缚于家庭的社会角色。 后期（1870s-1890s）： 裙撑被Bustle（臀垫）取代，焦点后移，强调后部的夸张体积。束腰（Corset）的收紧达到了极致，塑造出沙漏般的“S”形轮廓。同时，工业革命带来的缝纫机普及，使得服装生产效率提高，定制（Bespoke）与成衣（Ready-to-wear）开始并行发展。 本章还将探讨男性服饰在这一时期的“大寂静”（The Great Masculine Renunciation）：男性彻底放弃了色彩、蕾丝和装饰，确立了以深色西装、白衬衫和领带为主的现代商务外观，成为权威与可靠性的象征。 第六章：世纪之交的过渡与现代设计的萌芽 进入二十世纪初，传统服饰的沉重结构开始受到挑战。爱德华时代（Belle Époque）的“S型”轮廓依然存在，但新的思潮已在酝酿。 奥地利设计师Emilie Flöge与艺术团体“Wiener Werkstätte”（维也纳工艺作坊）开始探索功能性与美学的结合。在巴黎，Paul Poiret勇敢地“解放了女性的腰部”，用更宽松、更具东方情调的剪裁挑战了束腰的统治地位。紧随其后的是第一次世界大战对女性角色的重新定义，她们开始进入工厂，对服装的实用性提出了更高要求。 本书的最终目标是揭示服饰的连续性与断裂性。我们通过分析面料的演变（从手工编织到化纤）、剪裁的几何学转变（从结构支撑到人体工程学），以及服饰背后反映的社会权力结构变迁，提供一个深入理解欧洲历史进程的独特视角。这并非一本关于“穿什么”的指南，而是一部关于“为何而穿”的深度研究。

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这本书的格局远超出了我们通常对美容书籍的想象，它深入探讨了“健康”与“美丽”之间的共生关系。作者对于营养学和作息规律的论述，让我这个常年熬夜的“夜猫子”感到十分汗颜。她用简洁明了的方式解析了某些食物对皮肤炎症的影响，以及充足睡眠是如何优化细胞修复过程的。我本来以为这部分内容会枯燥乏味，但作者非常巧妙地将这些“硬核”知识融入到日常的食谱建议中。比如，她推荐了一款“抗炎活力早晨昔”，做法简单，味道出奇的好，坚持喝了半个月，我发现自己早上起床时的浮肿现象明显减轻了。这是一种由内而外的调理，让人从根本上感觉到身体状态的提升，气色自然就跟上来了。这本书提供的价值，更像是帮你重建一个更健康、更可持续的生活方式，而美丽，只是这个好习惯带来的副产品。

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我必须承认，我对美妆这件事一直以来都抱着一种“差不多就行”的态度，直到我翻开了这本书。它没有那些让人望而生畏的专业术语，而是用一种非常亲切、像邻家大姐姐分享秘诀的口吻，娓娓道来。最让我感到惊喜的是，作者对于“适合自己”这件事的强调。她花费了大量的篇幅去解释色彩学在日常穿搭和妆容中的实际运用。比如，如何通过对比冷暖色调来挑选出最衬托自己肤色的口红色号，这个知识点对我来说简直是醍醐灌顶。我以前盲目跟风买了很多热门色号，结果总觉得哪里不对劲，现在明白了，关键在于“匹配度”。书中还配有一些非常实用的自测小工具和图表，让我可以随时随地进行自我评估，而不是完全依赖BA的推荐。这种赋能感，让我觉得变美不再是件需要砸钱才能达成的目标，而是一种可以掌握的技能。读完这本书，我衣橱里那些“穿不出去”的衣服，好像突然都有了新的搭配可能。

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这本关于提升个人魅力的书籍，内容实在太丰富了，简直像一个行走的时尚指南。我尤其欣赏作者在介绍不同肤质的护理方法时那种细致入微的态度。不是那种笼统地说“你需要保湿”，而是深入到敏感肌如何应对换季的干燥，油性肌肤如何平衡油脂分泌同时又不失水润。每一个步骤，从洁面到精油的选择，都有明确的指导和背后的科学原理支撑，读起来让人心服口服。我试着按照书里推荐的“三明治”式晚间修复法坚持了一周，第二天早上起来，皮肤那种水润饱满的感觉是化妆品堆砌不出来的，是真正由内而外的滋养。而且，书中还穿插了一些不同年龄段女性的真实案例，她们的“变美”历程给了我巨大的鼓舞。这不是一本只关注表面功夫的书，它更像是在教你如何与自己的身体对话，了解它的需求。我以前买过很多速成的美容书，效果往往昙花一现，但这本，感觉像是为我量身定做了一套长期有效的“美丽计划”。强烈推荐给所有追求生活品质的女性。

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这本书最打动我的地方，在于它所传递出的那种成熟、自信的女性态度。它不鼓吹“完美”，而是鼓励读者去拥抱自己的独特性。在谈论发型改造的部分，作者没有强行推销某种“爆款”发型，而是引导读者根据自己的骨相和气质，去寻找最能彰显个人魅力的造型。她有一段话让我印象深刻：“最好的造型，是让你忘记自己正在‘打扮’，因为那已经成为了你的一部分。”这种自信的哲学贯穿始终。书中还涉及了体态管理和仪态训练，教导我们如何通过简单的拉伸和站姿调整，瞬间提升整体气场。读完后我发现，我不仅学会了如何使用眼影盘，更重要的是，学会了如何以更优雅、更从容的姿态面对生活中的各种场合。它教我的，是“成为”一个散发光芒的人，而不仅仅是“画上”一张漂亮的脸。

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装帧设计和排版布局绝对是这本书的一大亮点，它完美地体现了“高颜值”的内在要求。不同于市场上那些充斥着大量模糊照片和密密麻麻文字的书籍，这本书的每一页都像是一件精心设计的艺术品。留白得恰到好处，图片高清且专业，无论是工具的展示还是妆容的示范，都清晰到可以想象出操作的每一个细节。特别是关于“光影塑造”的章节，作者使用了大量的对比图和光线分析图示，解释了如何利用阴影和高光来调整脸型轮廓，这种视觉化的教学方式效率极高。我过去尝试画修容时总是下手过重，读完这几页后才明白，关键在于光线的捕捉和过渡要自然。这本书不仅是知识的载体，本身也是一本极具品位的家居装饰品，每次翻阅都是一种视觉享受。

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