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出版者:Focal Press

作者:Susan Ruddick Bloom

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:2009-02-16

价格:USD 39.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780240811147

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笔触之间，光影流转——探索数字绘画的无限可能 本书并非一本关于Photoshop软件操作的详尽指南，也非一本教授Photoshop内建数字绘画工具的详尽教程。它旨在打开一扇通往数字绘画艺术创作的大门，带领读者领略数字画布上光影的魔力，探索色彩的语言，以及如何将想象力化为触动人心的视觉作品。 我们不会深入Photoshop的每一个功能菜单，也不会罗列枯燥的键盘快捷键。相反，我们将聚焦于数字绘画的核心——观察、构思、表达。这本书将是一场沉浸式的艺术之旅，从最基础的光影原理出发，逐步深入到色彩的情感传递，再到如何用画笔捕捉瞬间的灵感，最终将它们编织成一幅幅引人入胜的画面。 第一章：看见光影的语言 光与影是绘画的灵魂。在本章中，我们将抛开软件的束缚，回归绘画的本质。我们会学习如何观察物体受光和背光的表现，理解不同光源（如太阳、灯光、烛光）对物体表面造成的细微差别。我们将探讨高光、阴影、反光、明暗交界线等关键元素，并理解它们如何共同塑造物体的体积感和空间感。我们会通过大量的范例分析，让你学会“看见”隐藏在日常事物中的光影结构，为后续的创作打下坚实的基础。这不仅仅是关于“画出”光影，更是关于“理解”光影。 第二章：色彩的情感调色板 色彩不仅仅是颜料的混合，更是情感的载体。本章将带领你走进色彩的奇妙世界。我们将深入了解色相、饱和度、明度这三个基本属性，并探讨它们之间的相互关系。你将学会如何运用冷暖色调来营造不同的氛围，如何利用对比色来吸引观众的注意力，以及如何通过邻近色来创造和谐统一的画面。我们会讨论色彩心理学，了解不同颜色所能唤起的情感共鸣。更重要的是，我们将学习如何构建色彩和谐的画面，让你的作品不仅在视觉上引人注目，更能触动观者的内心。 第三章：构图的视觉叙事 一幅成功的画作，离不开巧妙的构图。构图是连接观众与作品的桥梁，是引导观众视线、传递情感和故事的关键。在本章中，我们将探索几种经典的构图原则，如三分法、黄金分割、对称构图、对角线构图等，并分析它们在不同场景下的应用。你将学会如何通过画面的元素安排，来引导观众的视线，制造视觉焦点，以及如何利用留白来增强画面的呼吸感和意境。我们会强调构图的目的是为了服务于画面想要表达的主题和情感，让每一笔的落点都有其意义。 第四章：形态的塑造与解构 无论是写实的人物、生动的动物，还是奇幻的场景，准确而富有表现力的形态塑造是不可或缺的。本章将引导你如何观察和理解物体的基本形态，并学会如何将其进行解构和重组。我们会探讨比例、结构、透视等基础知识，让你能够描绘出具有说服力的三维形态。同时，我们也会鼓励你打破常规，通过夸张、变形等手法来赋予你的创作独特的风格和生命力。我们将强调，形态的塑造并非一味模仿，而是对现实世界的理解与再创造。 第五章：纹理与质感的触感描绘 触觉的想象力同样是数字绘画的重要组成部分。在本章中，我们将探索如何用数字的笔触来模拟各种不同的纹理和质感，让你的画面仿佛拥有真实的触感。无论是丝绸的光滑，粗糙的岩石，还是柔软的毛发，我们都会通过对笔刷的理解和运用，以及对细节的刻画，来赋予画面丰富的层次感和表现力。你将学会如何观察物体表面的微观结构，并将其转化为数字绘画中的细腻笔触，让观众仿佛能触摸到画面中的一切。 第六章：从灵感到作品的转化 每一幅精彩的作品都源于一个或多个闪烁的灵感。本章将聚焦于灵感的捕捉与转化过程。我们会探讨如何从日常生活中汲取创作元素，如何通过速写、草图等方式记录转瞬即逝的想法，以及如何将抽象的构思转化为具体的画面。我们将分享一些激发创意的技巧和方法，并指导你如何在一个初步的构思阶段，快速尝试不同的表现形式，找到最适合表达你想法的路径。 第七章：意境的营造与氛围的渲染 一幅真正打动人心的作品，往往能够营造出独特的意境和氛围。本章将深入探讨如何通过画面中的光影、色彩、构图以及细节的刻画，来传递特定的情感和氛围。无论是宁静祥和的清晨，还是紧张激烈的战斗，亦或是梦幻般的奇遇，我们都会学习如何利用各种绘画元素来烘托和渲染出所需要的情绪和意境。你将学会如何用你的画笔“说故事”，让观众在观看你的作品时，能够身临其境，感受到你想要传达的情感。 超越工具，拥抱艺术 本书并非一本操作手册，而是一次对数字绘画艺术的深度探索。它邀请你放下对工具的执念，专注于艺术本身。通过对光影、色彩、构图、形态、纹理等基本元素的理解和运用，你将能够掌握用数字媒介进行艺术表达的核心能力。无论你是初学者，还是有一定基础的绘画爱好者，都能从中获得启发，打开你的数字绘画创作新篇章。让我们一起，用数字的笔触，描绘出属于你自己的，独一无二的艺术世界。

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老实说，我最初是冲着“Photoshop”这几个字来的，希望能找到一些高效的工作流程技巧，结果这本书提供的远不止这些“快餐式”的教学。它的深度和广度都令人印象深刻。有一部分章节专门讨论了如何建立和维护一个高效的图层结构，这对于处理复杂场景的大型项目至关重要。作者分享了他自己多年积累的项目文件管理经验，包括命名规范、文件夹组织，甚至是如何有效地使用智能对象来保持非破坏性编辑。这部分内容对于那些追求专业水准的创作者来说，简直是无价之宝，因为它触及了“如何成为一个更专业的数字艺术家”的核心问题，而不仅仅是“如何画一张图”。此外，书中对“纹理叠加”和“后期精修”的处理方法也让我茅塞顿开。它展示了如何通过巧妙地叠加照片纹理，并结合“高反差保留”等锐化技巧，让原本平滑的数字作品瞬间拥有了触手可及的质感，这在很多同类书籍中是鲜少被如此系统地阐述的。

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我是一位资深的3D建模师，通常不怎么涉足纯粹的2D绘画领域，但这次的阅读体验完全颠覆了我的固有印象。这本书中关于“环境光照与体积雾”的章节，用极富创意的图例解释了光线在空气中传播的物理现象，这对我们在3D场景中设置逼真的体积光有着直接的指导意义。更令人惊叹的是，书中还涉及到了高级的“非真实感渲染（NPR）”技术在Photoshop中的实现方式。它展示了如何利用画笔压力和色彩抖动来模拟水墨或铅笔画的随机性和笔触感，这为我未来在概念设计阶段快速产出特定风格的视觉稿提供了全新的工具箱。我特别关注了作者是如何处理“数字噪点”的部分，书中提供的解决方案远比Photoshop自带的“添加杂色”功能更为细腻和可控，能够有效地在不破坏画面主体结构的前提下，增加画面的“胶片感”或“复古感”。这种跨领域的知识迁移能力，是这本书价值的又一体现。

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这本画册简直是数字艺术爱好者的福音！从拿到书的那一刻起，我就被其精美的装帧和清晰的排版所吸引。虽然我主要关注的是传统媒介，但这本书的引入让我对Photoshop作为绘画工具的潜力有了全新的认识。书中对于笔刷设置的讲解细致入微，简直就是一本“Photoshop笔刷的秘密档案”。它不像其他教程那样只是简单地告诉你“用这个笔刷”，而是深入剖析了每一个参数背后的原理，比如纹理、形状动态和散射如何共同作用来模拟真实世界的介质效果。我特别喜欢其中关于光影处理的一章，作者用一系列直观的对比图展示了如何利用图层混合模式来创造出具有戏剧张力的照明效果，特别是对环境光和反射光的处理，简直是教科书级别的示范。即便是对我这个老派画风的人来说，这些技巧也让我跃跃欲试，尝试将传统油画的厚重感融入数字创作中。书中的色彩理论部分也处理得非常到位，它没有停留在枯燥的色轮讲解，而是结合实际案例，教我们如何运用色彩来引导观者的视线，营造特定的情绪氛围，这一点远超我预期的收获。

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这本书的排版设计本身就是一件艺术品。每一个跨页的范例作品都占据了整整两页，色彩饱满，细节清晰可见，简直让人想把它们撕下来裱起来。但这并非徒有其表，在这些华丽的图像背后，是极其扎实的技术支撑。我非常喜欢作者对于“材质表现力”的分解，他不仅仅展示了如何画出金属的反光，更深入地探讨了不同金属（如拉丝铝、抛光黄铜、旧化钢材）的反射率和漫反射特性的细微差别，并将其映射到了Photoshop中的特定笔刷纹理和高光形状上。这是一种将材料科学融入绘画实践的典范。特别是关于“皮肤质感”的讲解，作者分享了如何分层处理皮肤的透明度、毛孔和细微的血管分布，其层次感和真实感让人叹为观止，这完全超越了一般教程中“涂抹”和“加深肤色”的肤浅教学。这本书无疑是一本可以陪伴创作者多年，每次翻阅都能发现新亮点的深度参考书。

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这本书的叙事风格非常独特，它不是那种冷冰冰的技术手册，更像是一位经验丰富的大师在与你面对面交流，手把手地指导你探索数字绘画的奥秘。我最欣赏的是它对“风格化表达”的强调。很多教程都聚焦于如何“逼真地画”，但这本书却鼓励读者去打破常规，去发展属于自己的视觉语言。其中关于“简化”和“概括”的论述给我带来了很大的启发，它教会我如何在保持画面信息量的同时，去除不必要的细节干扰，让主题更加突出。例如，书中用几个简单的色块就勾勒出了一个栩栩如生的动态人物，其背后的原理是作者对形态和动态的深刻理解，而不是依赖于Photoshop强大的滤镜功能。这种由内而外的教学思路，让我开始反思自己过去过度依赖工具而忽略了基础功的问题。如果你渴望提升的不仅仅是工具使用能力，而是绘画的本质，这本书绝对是值得收藏的。

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