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出版者:音乐出版社

作者:【苏】A.伊柳兴

出品人:

页数:0

译者:陈登颐

出版时间:1963

价格:0.62

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《建筑的哲学与空间叙事》 图书简介 本书深入探讨了建筑艺术与哲学思想之间的复杂互动，旨在超越单纯的技术和功能描述，揭示建筑如何作为一种深刻的文化载体和人类经验的容器。它不仅是一部关于建筑史的梳理，更是一场关于“场所精神”（Genius Loci）和空间本质的哲学思辨之旅。 本书的结构分为四个主要部分：第一部分：起源与本体论；第二部分：空间的形式与感知；第三部分：时间、记忆与场所的构建；第四部分：当代语境下的伦理与批判。 --- 第一部分：起源与本体论——建筑的“在世”状态 本部分追溯了建筑思想的源头，聚焦于建筑并非仅仅是“建造”，而是“存在”的一种方式。我们从海德格尔对“构筑、栖居、思考”的阐释出发，探讨了庇护所（Shelter）如何演变为意义的载体。 1. 从洞穴到神庙：原始冲动与符号的诞生 详细分析了史前巨石阵、埃及金字塔以及古希腊神庙的建造逻辑。这些早期结构并非仅仅是物理屏障，它们是宇宙观的物化，是人类试图在混沌中锚定秩序的最初努力。我们将重点分析对称性、轴线（Axis Mundi）在这些早期建筑中扮演的宗教和政治角色。例如，帕提农神庙的视觉矫正（Entasis）并非技术上的缺陷，而是对观看者心理活动的哲学回应，揭示了建筑对“完美”的追求及其在有限材料中的挣扎。 2. 维特鲁威的遗产与文艺复兴的回归 审视了古罗马建筑理论的复兴，特别是维特鲁威“坚固、实用、美观”（Firmitas, Utilitas, Venustas）三位一体的深刻含义。在文艺复兴时期，建筑不再仅仅是实用工具，而是成为承载人文主义理想的载体。我们深入考察了布鲁内莱斯基和阿尔伯蒂如何运用几何学和古典语汇，试图将人类理性置于空间秩序的中心。这里的重点在于，理性主义如何塑造了我们对“合理空间”的定义。 3. 现代性的断裂与技术的解放 本章对比了古典秩序的瓦解与现代主义的兴起。勒·柯布西耶的“新建筑五点”被置于工业化和快速城市化的宏大背景下进行考察。我们探讨了赖特（Frank Lloyd Wright）的“有机建筑”哲学，如何试图通过将建筑融入自然环境来对抗工业化带来的异化感。现代主义的核心冲突在于：自由的形式追求与标准化、高效的生产模式之间的张力。本书认为，现代主义的本质是一场关于“功能至上”的本体论选择，它重塑了“家”和“城市”的意义。 --- 第二部分：空间的形式与感知——现象学的介入 本部分将理论焦点转向个体在空间中的实际体验。建筑不再是观察的对象，而是被“穿行”和“居住”的场域。 1. 空间作为体验的场所：格罗皮乌斯与密斯的反思 本书关注密斯·凡德罗的名言“少即是多”（Less is More）背后的哲学深度——它关乎于去除冗余的符号，以达到对纯粹空间的敬畏。我们对比了密斯对透明性（Transparency）的追求，以及包豪斯学派如何试图通过功能主义的设计来促进社会平等。透明性不仅仅是玻璃的应用，更是一种社会和政治态度的表达。 2. 诺伯格-舒尔茨与场所精神（Genius Loci）的再发现 详细阐述了克里斯蒂安·诺伯格-舒尔茨（Christian Norberg-Schulz）的空间现象学理论。他认为，建筑的本质是创造一个“可栖居的世界”，而非仅仅是物理结构。我们通过分析挪威的传统建筑和地中海的村落布局，探讨了“地方感”（Sense of Place）是如何通过特定的路径、光影和材料质感被编码和传递的。本书特别强调，一个成功的场所必须能唤起居住者一种内在的、原型性的认同感。 3. 路径、视野与身体的尺度 本章聚焦于身体在空间中的运动学。借鉴了延斯·盖尔（Jens Gehl）对城市步行性的研究，但将其提升到更深层的感知层面。我们分析了法国哲学家莫里斯·梅洛-庞蒂的身体现象学如何应用于建筑分析：建筑不是被“看”见的，而是被“感”受到的。楼梯的坡度、走廊的宽度、天花板的高度，这些都是对人类运动能力和情感状态的微妙调控。 --- 第三部分：时间、记忆与场所的构建 建筑是凝固的时间。本部分探讨了建筑如何存储历史，以及衰败和修复过程对场所意义的改变。 1. 废墟的诗学：时间的印记 分析了建筑的衰败过程，探讨了废墟（Ruin）在美学和记忆中的地位。与对完美无瑕的新建物的偏好相反，本书认为废墟承载了更丰富的时间层次。我们考察了对遗址的保护与干预的伦理困境——是应该“冻结”历史瞬间，还是允许时间继续作用？这里的讨论与意大利的修复理论家卡洛·斯卡帕（Carlo Scarpa）的工作紧密相关，他如何在新的干预中向旧的结构致敬。 2. 记忆的容器：纪念性建筑的社会功能 纪念碑和纪念馆是集体记忆的物质化形式。本章批判性地审视了二战后的纪念碑设计，讨论了如何通过非具象（Abstract）的形式来处理创伤记忆，避免落入简单叙事或煽情主义的陷阱。例如，彼得·艾森曼（Peter Eisenman）在柏林大屠杀纪念碑中的空间迷宫，其目的正是通过制造迷失感来模拟历史的不可理解性。 3. 材料的“自然史”：地域性与气候的对话 探讨了建筑材料的生命周期及其与当地环境的关系。一栋建筑的材料选择（如泥土、木材、石材）不仅是技术决策，也是一种对地域性的承诺。我们分析了如何使用当地材料（Vernacular Materials）来创造具有深厚“地方感”的建筑，抵抗全球化带来的同质化审美。 --- 第四部分：当代语境下的伦理与批判 本书的收尾部分将目光投向当代挑战，探讨建筑在社会正义、可持续性和权力结构中的角色。 1. 批判性地域主义与全球化抵抗 在高度全球化的今天，建筑师如何避免成为跨国资本的工具？本书介绍了“批判性地域主义”（Critical Regionalism）的概念，它倡导在接受现代技术的同时，保留并激活特定地方的文化和气候特征。这是一种在普遍性与特殊性之间寻求平衡的艰难艺术。 2. 权力、围墙与空间的隔离 对当代城市规划中“安全化”和“排他性设计”（Defensive Design）进行了伦理反思。摩天大楼、封闭式社区（Gated Communities）如何通过空间布局来固化社会阶层和权力关系？建筑作为社会控制工具的一面被深入剖析。 3. 可持续性：从技术到生活方式的转变 可持续性不应仅仅是节能标签的堆砌。本书主张，真正的可持续性源于对建筑生命周期（从开采、使用到拆除）的整体哲学思考，以及对居住者生活方式的深刻尊重。建筑的“永恒性”与资源消耗之间的矛盾，是当代建筑师必须面对的核心伦理困境。 结语：回到栖居的本质 全书最终回归到建筑的根本目的：为人提供一个有意义的、可理解的“世界”。本书力图为读者提供一套批判性的工具，使他们能够超越建筑的视觉表象，去理解它作为人类思想、历史和情感投射的深层结构。 本书适合对象： 建筑学、城市规划、哲学、艺术史及对人居环境有深刻兴趣的读者。

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我是一个自学吉他的乐手，在摸索的过程中，总感觉自己的演奏技巧和理解力之间存在一道无形的墙。看这本书之前，我更多是靠模仿和感觉来弹奏，很多乐句听起来“对”，但说不上“为什么对”。这本书最让我惊喜的是它对“旋律构成”的剖析，它没有停留在音阶的堆砌上，而是深入探讨了动机的发展、乐句的呼吸感，甚至提到了作曲家是如何通过特定的音程关系来营造情绪张力的。我记得有一章专门讲了如何利用模态音阶来改变曲子的色彩，对比了多利亚调式和弗里吉亚调式在不同音乐语境下的听感差异，这对我后续的即兴创作帮助太大了。书中的练习题设计得非常巧妙，它们不是那种机械的“填空题”，而是引导你去思考如何将理论知识转化为实际演奏中的表现力，这点做得比我之前看过的任何教材都要到位。

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这本书的结构安排简直是教科书级别的示范。它从最基础的节奏概念开始，循序渐进地引入音高、调性，然后过渡到复杂的和声、曲式分析，整个逻辑链条一气呵成，没有丝毫的跳跃感。对于像我这样需要备考的乐理初学者来说，这种清晰的脉络简直是救星。它在解释“功能和声”时，用了大量的图表和色彩编码来区分主属关系，让原本抽象的T-S-D-T循环变得一目了然。我尤其欣赏作者在讲解“变音记号”和“转调”时所采用的视角，它不是简单地告诉你规则，而是让你理解为什么要在特定的情绪节点进行转调，这种对“目的性”的探讨，让学习过程充满了探索的乐趣。

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说实话，我当初买这本书纯粹是抱着试试看的心态，毕竟市面上的乐理书多如牛毛，真正能让人读下去的不多。这本书的叙事方式非常流畅，更像是一部音乐史的侧写，而不是一本冰冷的教科书。它会把理论知识巧妙地嵌入到对特定历史时期音乐风格的讨论中，比如巴赫的对位法是如何服务于他宏大的结构概念，或者印象派音乐是如何通过和声的模糊性来捕捉瞬间的光影。这种“带着故事学理论”的方式，极大地降低了我的学习门槛。更值得称赞的是，它对听觉训练的重视程度，书中设计了一些非常实用的听音辨音练习，并且提供了配套的资源链接，让你可以立即检验自己的成果，这种理论与实践的紧密结合，是我非常看重的。

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这本书的封面设计得挺有意思，那种复古的墨绿色配上烫金的字体，一下子就抓住了我的眼球。我本来对音乐理论不太感冒，总觉得那些五线谱和调性分析枯燥乏味，但看到这本书的排版和插图，感觉还挺亲切的。特别是它在介绍和声进行的时候，用了一些很形象的类比，比如把和弦比作建筑的支撑结构，一下子就让我对那些复杂的乐理概念有了直观的认识。书中对于节奏的讲解也很有新意，不是简单地罗列拍号和时值，而是结合了世界各地的音乐风格，比如拉丁节奏的律动感和巴洛克的严谨性，让人在学习之余还能感受到音乐的多元魅力。而且，作者在行文中不时流露出的那种对音乐发自内心的热爱，真的很有感染力，让人忍不住想立刻拿起乐器试试看书中学到的新东西。这本书的厚度适中，拿在手里沉甸甸的，感觉内容很充实，但又不至于让人望而生畏。

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我一直认为，真正好的乐理书，应该能帮助学习者“听见”音乐的内在骨架。这本书在这方面做得非常出色。它没有陷入过多深奥的学术名词泥潭，而是专注于构建一个实用的音乐思维框架。比如，当它谈到配器法时，会清晰地指出不同乐器组在音域和音色上如何相互作用，以达到特定的织体效果。书中穿插的案例分析，都是从听众最熟悉的经典曲目中选取片段，然后像解剖一样展示其内部的精妙构造，让你在聆听时不再是盲目的感性享受，而是能清晰地捕捉到作曲家精心布置的每一个细节。阅读完后，我发现自己再去听那些复杂的交响乐时，耳中的信息量似乎一下子增加了好几倍，这种“开窍”的感觉，是其他资料无法比拟的。

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depict the basics of music theory in a clean and clear way, shed light on (almost struck) me with just several simple sentences. i wonder why such a nice book get so few ratings. btw, i love russian's way of writing :)

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