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出版者:上海音乐学院

作者:钱大维

出品人:

页数:282

译者:

出版时间:2009-5

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787806924181

丛书系列:

图书标签:

• 钱大维
• 艺术理论
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《管弦乐队技术解析：从巴洛克到现代》 本书系统梳理了管弦乐队在不同历史时期所采用的演奏技法、乐器配置演变及合奏实践的精深理论与应用技巧。它并非一部侧重于声乐或合唱声部训练的指南，而是专注于器乐领域，特别是大型乐队的织体构建与技术攻坚。 第一部分：器乐技术基础与历史演进 第一章：弦乐组的机械原理与音色塑造 本章深入探讨了小提琴、中提琴、大提琴及低音提琴的物理特性与演奏动作的精细关联。重点解析了弓法学（Bowing Technique）的细微差别——从巴洛克时期对均衡连贯性的极致追求，到浪漫主义时期对强弱对比和“歌唱性”线条的强调。我们详尽分析了不同弓段（弓根、中弓、弓尖）对音质（Timbre）的影响，以及揉弦（Vibrato）在不同历史语境下的使用规范与情感表达强度。 音准的建立与微调： 探讨了乐队内部小提琴声部如何通过听觉反馈，实现精确的集体音准校正，区别于声乐中依靠人体共鸣腔体实现的相对音高调整。 指法与把位转换的效率： 详细列举了从第一把位到高把位快速、无痕迹转换的实用策略，特别针对现代管弦乐作品中高难度和声段落的应对。 特殊演奏技法： 涵盖了如拨弦（Pizzicato）的多种形式（手指拨弦、弓背拨弦）、倍音（Harmonics）的精确控制及其在和声织体中的镶嵌作用。 第二章：木管组的空气动力学与音色融合 木管乐器（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）的演奏涉及复杂的呼吸控制与口型调节，本书着重于如何将个体音色（Individual Timbre）平滑地融入整体乐队音响中。 呼吸的深度与支撑： 侧重于器乐演奏对持续气流的极限要求，以及如何利用膈肌和肋间肌群进行长句的动力支撑，这与声乐中的“支持”概念在具体执行上存在显著差异。 舌奏与气流分离： 详尽解析了不同类型的舌奏（如单吐、双吐、三吐）在快速乐句中的清晰度要求，以及如何通过口舌的精确配合来切分节奏，而非仅仅聚焦于歌词的清晰度。 移调乐器的校准： 针对降B单簧管、F调圆号等移调乐器，提供了标准的记谱与听觉转换表格，强调在排练中对实际音高差异的即时修正能力。 第三章：铜管组的张力控制与爆发力 铜管乐器（小号、圆号、长号、大号）的音色特点在于其穿透力和强大的动态范围。本部分专注于如何平衡其巨大的声压，避免掩盖其他声部。 嘴唇振动与气柱的耦合： 讨论了演奏者口型（Embouchure）的稳定性和持久性，特别是在连续高音区段的耐力训练方法。 制音器（Mutes）的使用： 系统分类了直音、瓦格纳、铝制、直筒等多种制音器对方位、音色和动态的改变，并提供了在古典、浪漫及二十世纪作品中选择制音器的依据。 和声的构建： 研究了铜管组内部的泛音列关系，尤其是在处理和弦时，如何通过调整乐器长度（如圆号的滑管操作）来实现完美的内声部平衡。 第四部分：打击乐与乐队织体的节奏骨架 打击乐不仅是节奏的标志，更是音色纹理和动态对比的重要来源。 定音鼓的音高控制： 专注于定音鼓调音的精确性，以及如何利用踏板控制系统，在不中断演奏的情况下，快速、准确地切换音高，以配合管弦乐中的和声变化。 敲击乐器的音色选择： 针对小军鼓、大鼓、镲片等，分析了不同敲击点、不同鼓槌材质对音色的影响，以及如何在复杂的复节奏中保持整体的清晰度。 第二部分：管弦乐队的结构、排练与实践 第五章：管弦配器法的结构逻辑 本章超越了简单的“乐器组合”，深入探讨了作曲家如何利用乐器组的特性构建宏大的声学空间。 主题的传递与色彩变化： 分析了主题如何在弦乐、木管和铜管声部间进行“接力”，以及这种转换背后的音色意图。 声部层次的构建： 详细阐述了乐队中高、中、低声部的权重分配，以及如何通过对不同声部的力度标记（如p vs pp）来控制层次的清晰度，而非简单地要求“小声”。 第六章：排练效率与技术难题的攻克 成功的管弦乐队演奏依赖于高效的排练策略。本书提供了针对技术难点（如快速音型、复杂的对位段落、非传统拍号）的排练流程。 分段与精确度优先： 强调在攻克复杂段落时，应首先隔离节奏最为困难的小节，使用慢速进行技术磨合，随后再逐步加入音乐性表达。 导体与乐团的沟通： 讨论了指挥手势在传达力度、速度和情感方面的精确性，以及如何通过眼神和身体语言，确保演奏者对意图的统一理解。 第七章：历史风格的演绎实践 对不同历史时期的管弦乐作品，要求演奏者具备不同的技术取向。 古典主义时期（海顿、莫扎特）： 强调透明度、精确的乐句划分和适度的动态范围，避免使用过于浓重的现代揉弦技巧。 浪漫主义时期（勃拉姆斯、马勒）： 侧重于线条的连贯性、情感的深度挖掘和对强大管弦织体的驾驭能力。 二十世纪及以后： 探讨了对无调性、复调性及非常规演奏技巧（如超吹、特定泛音）的掌握，以及对极简主义重复段落中保持内心节奏的训练。 本书旨在为管弦乐队演奏者、指挥专业学生及音乐研究者提供一套全面、深入的技术参考和实践指导，其核心关注点始终围绕器乐的机械实现、音色控制与宏大织体的整合，与声乐领域的训练体系存在本质区别。

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这本书的装帧设计真是太走心了，拿在手里沉甸甸的，纸张的质感也很好，印刷清晰锐利，长时间阅读眼睛也不会太累。我最喜欢的是它对“合唱心理学”的探讨那几章。很多指挥和声部长都忽略了这一点，认为只要音准和节奏对了就万事大吉，但这本书却花了大量篇幅去解析“群体共振”的形成机制。作者从社会心理学的角度出发，分析了在一个团队中，个体如何放下自我，融入整体声部的过程，以及如何通过非语言的暗示（比如眼神交流、微小的身体动作）来统一团队的听觉感受。书中甚至引用了一些神经科学的研究成果，来解释为什么合唱能带来强烈的归属感和精神愉悦。阅读这些内容时，我感觉自己不仅仅是在学习唱歌技巧，更是在学习如何构建一个高效、和谐的艺术共同体。它提供的不仅仅是“怎么唱”，更是“为什么要这样唱”的深层哲学思考。这种对“人”的关注，使得整本书的立意拔高了一个层次，不再是冷冰冰的技术手册，而是一部充满人文关怀的声乐艺术指南。

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这本书，说实话，拿到手里的时候我就有一种强烈的期待感。封面设计简洁大气，那种沉稳的蓝色调，让人一下就感觉这本书是经过深思熟虑、内容扎实的。我首先关注的是它的目录结构，非常清晰，从基础的乐理知识到进阶的合唱技巧，脉络梳理得井井有条。作者似乎非常注重理论与实践的结合，每一个章节后面都有相应的练习建议，这对于我们这些想系统学习合唱的人来说，简直是福音。我记得其中有一章专门讲了呼吸控制的精微之处，描述得非常细致，不是那种空泛的“深呼吸”，而是深入到横膈膜的运动轨迹和气息的支撑力度上，甚至还提到了不同声部在气息运用上的细微差别。这远超出了我之前接触过的大部分入门教材，它更像是一位经验丰富的老指挥家在耳边细细指导。阅读过程中，我常常会停下来，尝试书中所描述的那些练习，确实能感受到身体和声音状态的微妙变化。特别是关于和声的构建部分，作者用了非常生动的比喻来解释复杂的和声进行，让原本枯燥的理论变得易于理解和记忆。总的来说，这本书的编排体现了作者深厚的专业素养和极强的教学热情，读起来非常舒服，让人有种茅塞顿开的感觉。

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坦白讲，我是一个非常注重“实操性”的读者，那些过于玄乎、不接地气的理论对我吸引力不大。但这本书在这方面做得非常出色，尤其是关于“音色塑造”的部分，简直就是一本“声音魔术手册”。作者没有停留在“明亮”或“温暖”这类模糊的形容词上，而是提供了一套可量化的指标和训练方法。比如，它详细介绍了如何通过调整口腔的共鸣腔形状，配合不同的舌位和软腭高度，来精确地控制泛音的分布，从而得到我们所追求的特定音色。书中配有大量的图示，用剖面图清晰地展示了声带的振动模式和气流通过通道的变化。我尝试了书里提到的一种专门针对高音区“穿透力”的训练法，只练习了三天，我的女高声部的音量和清晰度都有了肉眼可见的提升，而且毫不费力。这种立即可见的效果，极大地增强了我对后续章节学习的信心。它把那些高深的声乐物理学知识，用最直观、最实用的方式呈现给了读者，真正做到了工具书的最高标准——即学即用，立竿见影。

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我必须得夸赞一下这本书在“跨文化合唱”议题上的视角。我们现在很多合唱团的曲目都偏向西方古典或民族小调，缺乏对全球声乐形式的了解。这本书恰恰填补了这一空白。它不仅仅简单地罗列了世界各地的合唱曲目，而是深入探讨了不同文化背景下，合唱在仪式、社会结构中的功能差异。比如，它对比了东亚传统“吟诵”与巴洛克时期“清唱”在音高处理和情感表达上的内在逻辑差异。作者在介绍非洲复调音乐时，用了非常生动的现场记录和录音分析（虽然文字描述，但画面感极强），让我们理解了那种即兴性、循环性的节奏结构是如何在没有统一指挥的情况下自发形成的。这不仅拓宽了我们对“合唱”一词的定义，也为我们拓展曲目库提供了全新的思路和审美标准。读完这部分，我立刻产生了一种强烈的冲动，想尝试将一些民族音乐的元素融入到我们团的日常排练中去。这本书的视野开阔，绝非局限于某个流派或地域，它真正体现了全球视野下的合唱艺术研究。

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拿到这本乐谱集，我本以为会是那种老掉牙的、充斥着陈旧编曲的合集。然而，翻开第一页我就被它的选曲眼光惊艳到了。它不像其他一些选集那样只堆砌名曲，而是巧妙地将不同风格、不同年代的作品穿插在一起，从经典的民间曲目到近现代的实验性合唱作品，都有涉猎。更让我惊喜的是，它对每一首作品的背景介绍都非常考究。比如有一首二十世纪初期的无伴奏合唱，作者不仅标注了首演的时间地点，还详细分析了当时社会思潮对这首作品风格形成的影响。这种深度的解读，让我在排练时不仅仅是在“唱”音符，更是在“理解”和“再现”作曲家的意图。而且，对于一些高难度的技术处理，比如复杂的对位、快速的音型变化，书里都附带了清晰的指法提示和节奏分解练习。我尤其欣赏它在节奏处理上的细致入微，很多地方都用小字标注了重音的倾向性和乐句的呼吸点，这对于指挥和声部负责人来说，是极大的便利。这本书真正做到了将音乐史、美学理论和实际排练技巧融为一体，阅读体验绝佳，堪称一册兼具学术价值和实用性的“活教材”。

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不是很有新意。另，看起来真的很像我的排练手记..XD

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