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出版者:

作者:郑国恩

出品人:

页数:350

译者:

出版时间:2009-5

价格:46.00元

装帧:

isbn号码:9787811272390

丛书系列:

图书标签:

• 摄影
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镜语：光影叙事的匠心独运 《镜语》并非一本关于电影拍摄技巧的指南，也不是对特定影片摄影风格的解读。它是一次深入人类视觉感知与情感表达的探索，聚焦于“观看”本身，以及我们如何通过观察世界来构建理解与共鸣。 一、 凝视的深度：从眼睛到心灵的旅程 本书首先将我们带入眼睛的奥秘。我们并非被动地接收光线，而是主动地构建视觉现实。从生物学的角度，我们会审视视网膜如何捕捉信息，大脑如何解读边缘、色彩和深度，以及我们如何在瞬间整合庞杂的视觉数据。但《镜语》的野心不止于此，它更关注的是“凝视”背后的心理机制。 选择性注意的魔力： 我们为何会注意到某些事物而忽略另一些？是什么吸引了我们的目光，又是什么让它久久停留？本书将分析注意力在塑造我们视觉体验中的关键作用，以及文化、经验和情感如何潜移默化地影响着我们的“观看”重点。 观看的意图： 观看并非总是无意识的行为。我们观看是为了学习、为了理解、为了欣赏、为了寻找连接，甚至是出于好奇。本书会探讨不同观看意图如何引导我们进入不同的视觉世界，从科学家的严谨观察到艺术家对细节的捕捉，再到普通人日常生活中不经意的瞥视。 情感的色彩： 视觉信息与情感体验密不可分。《镜语》将剖析某些色彩、线条、形态如何触动我们的情绪，唤起喜悦、悲伤、恐惧或平静。我们将探讨色彩心理学、形状象征意义，以及它们如何在潜意识层面影响我们的感受。 二、 空间的呼吸：体验与感知并存的舞台 空间不仅仅是三维的容器，更是我们感知和体验的载体。《镜语》将打破纯粹物理空间的界定，探索我们如何感知和塑造空间。 熟悉与陌生： 我们对熟悉空间的感知与对陌生空间的探索有何不同？本书将分析我们如何利用已有的空间认知来导航，又如何在新的环境中建立新的理解。这不仅仅是地理意义上的空间，也包括社会空间、心理空间。 比例与尺度： 物体的大小、距离的远近，如何影响我们的判断和感受？从宏伟的建筑到微小的细节，本书将探讨比例和尺度如何塑造我们的敬畏感、亲近感或疏离感。 光影的雕塑： 光影并非单纯的照明，它们是空间形态的雕塑家。本书将深入研究光线如何定义边缘、突出质感、营造氛围，以及它们如何引导我们的视线，从而影响我们对空间的整体感受。这并非电影摄影的布光技巧，而是对自然界及人造环境中光影作用的哲学性思考。 三、 叙事的低语：非线性与多维度的感知 当我们将目光投向周围的环境，我们也在无意识地构建叙事。《镜语》将探讨我们如何从静态的视觉信息中提取动态的故事。 时间的回响： 即使是静止的画面，也能传递出时间的流逝感。本书将分析画面中的细节，如物体的磨损、植物的生长、光线的变化，是如何暗示着时间的印记，勾勒出过去、现在与未来的可能。 关系的联结： 物品、人物、环境之间的关系，是构成叙事的重要线索。《镜语》将探讨我们如何通过观察物体之间的摆放、人物的互动、环境的特征，来推断它们之间的联系，从而构建出潜在的故事线。 留白与想象： 并非所有信息都需要被清晰地呈现。有时，“未被看见”的部分更能激发我们的想象，让我们主动参与到叙事的构建中。《镜语》将探讨留白、模糊、遮挡等视觉策略如何邀请观众进行二次创作，让感知更加丰富和个性化。 四、 观看的伦理：责任与觉察的力量 《镜语》的最终落脚点，是对“观看”行为本身的伦理反思。我们如何观看，不仅反映了我们的内心世界，也塑造着我们与世界的互动方式。 观看的偏见： 我们是否带着既定的观念去观察？文化、社会、个人经历的差异，如何影响我们对同一事物的不同解读？本书将探讨消除观看偏见的重要性，以及如何培养更加开放和包容的视角。 观看的责任： 我们的观看是否会对他者造成影响？我们如何在一个充满视觉信息的时代，保持清醒的认知，避免被误导或被剥夺感受力？本书将鼓励读者认识到观看的力量，并对其可能产生的社会影响保持警觉。 觉察的艺术： 最终，《镜语》倡导的是一种“觉察式的观看”。它鼓励我们走出习以为常的观看模式，重新激活我们的感知力，以一种更加深入、细致、富有同情心的方式去体验世界。这是一种生活态度，一种对生命更深层次的理解。 《镜语》是一次对人类最基本感知能力的邀请。它不提供答案，而是提出问题；它不教导技巧，而是启迪思考。它希望引导每一位读者，重新审视自己的目光，发现那些隐藏在日常观看中的无限可能，从而以更丰富、更深刻的方式，体验和理解我们所处的世界。

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这本书的封面设计得相当有格调，那种深沉的蓝配上一些复古的烫金字体，初看起来还以为是什么文学名著或者艺术史的厚重之作。我一开始是带着极高的期待翻开的，心里盘算着，能把“摄影艺术”这几个字放在书名里的，想必内容一定涉及了大量的视觉语言解析、光影的哲学探讨，甚至可能挖掘到那些经典电影背后的调度美学。然而，当我读过前几章后，心中那份期待就像被冷水浇灭了一样。它似乎更侧重于某种技术流的解析，而非我所期望的，那种深入灵魂、触及创作本质的理论探讨。我期待看到的是对于蒙太奇的深层解读，是对特定导演个人风格的视觉符号拆解，而不是那些关于焦距、光圈这些工具层面的描述。整本书给我的感觉就像是拿着一份精美的工具说明书在阅读，虽然信息量很大，但总觉得少了那么一股能点燃创作者激情的“魂”。它更像是一本面向初学者的操作指南，而不是一本能引导资深人士进行深度思考的艺术理论集。这种期望与实际内容的巨大落差，让我感到有些失落。我更希望看到的是对“如何用镜头讲故事”的艺术化阐述，而不是枯燥的参数罗列。

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这本书的装帧和纸张质量绝对是值得称赞的，拿在手里很有分量感，油墨印刷清晰，即便是大篇幅的文字内容，阅读体验也算得上舒适。不过，抛开这些硬件上的优点，内容本身却让我感到有些摸不着头脑。它仿佛是把不同领域的知识点生硬地拼凑在了一起，逻辑的跳跃性太大。一会儿谈论起某种特定的显影技术，下一页可能又转到某个历史时期服装的考究上，两者之间的内在联系并没有被清晰地阐述出来。我尝试着去寻找一条清晰的主线索，试图理解作者的整体意图，但很快就被各种不相关的知识点打乱了节奏。这让我联想到，也许作者的初衷是想写一本百科全书式的著作，试图包罗万象，但结果却像是一个资料堆砌的仓库，缺乏精心的策展和梳理。对于一个渴望系统性学习的人来说，这种跳跃性极强的叙述方式，着实考验着读者的耐力和理解力，让人难以形成一个完整、立体的知识结构。

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这本书的结构安排，我个人认为存在一些重大的失衡。似乎有太多的篇幅被用来探讨一些已经被业界公认为基础常识的知识点，比如不同类型镜头的基础功能介绍，这部分内容在任何一本基础教程里都能轻易找到，而且往往更精炼。相反，那些真正能体现“艺术”二字的、关于风格化表达、情绪氛围营造的深入探讨，却被一带而过，显得非常单薄和浅尝辄止。这就好比一本烹饪书，花了整整三分之一的篇幅教你如何分辨盐和糖，却只用一页纸匆匆带过了如何调配出令人惊艳的酱汁。对于一个已经对基础操作有所了解的爱好者来说，阅读这样的内容，就像在泥泞的浅滩上行走，寸步难行却又无惊喜可言。我期待的是能有关于“如何打破规则”的讨论，而不是一味地强调“如何遵守规则”，内容重心明显偏向了技术规范而非艺术创新。

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当我合上这本书时，脑海中浮现的第一个念头是：它似乎更像是一份来自上世纪八十年代的教材汇编，而非一部紧跟时代脉搏的当代艺术论述。书中引用的案例和例子，大多陈旧，缺乏对近二十年内，特别是数字时代带来的视觉革命的充分关注和反思。在如今这个短视频和沉浸式体验主导的媒介环境下，我们对画面的感知和解读方式已经发生了翻天覆地的变化，这本书却仿佛停留在胶片时代的黄金标准中，固步自封。缺少了对新媒介、新技术（比如高帧率、HDR等）如何影响叙事美学的探讨，使得这本书在“前沿性”和“时代感”上严重滞后。我需要的是一本能帮我理解现在和展望未来的指南，而不是一本缅怀过去的纪念册，这使得它在指导实际创作时的参考价值大打折扣。

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坦白说，这本书的语言风格偏向于学术论文的严谨和古板，大量的专业术语堆砌，使得初次接触这个领域的读者可能会感到非常吃力。我反复阅读了几段关于“光学畸变与构图平衡”的章节，感觉自己就像是在啃一块没有调味的干硬面包，虽然营养或许是有的，但口感实在算不上愉悦。它缺乏那种引导性的叙事，没有用生动的案例或者恰当的比喻来辅助理解那些晦涩的理论。我总是在想，如果作者能引用一些我们耳熟能详的经典电影片段来进行对比分析，哪怕是几句富有诗意的描述，也比那些冷冰冰的定义要来得更有穿透力。这种过于注重“正确性”而牺牲了“可读性”的做法，让这本书的受众范围大大缩小了。它更像是写给同行之间互相印证观点的参考资料，而不是一本面向大众、激发热情的入门读物。读完之后，我能记住的只有几个生僻的术语，而那些本该深入脑海的创作灵感却无从谈起。

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貌似很有内容 有点泛泛而谈 截图不多 例子分析不精妙

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