Workbook for the Study of Orchestration pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Samuel Adler

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989-12

价格:USD 29.85

装帧:Paperback

isbn号码:9780393958089

丛书系列:

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现代管弦乐配器法导论：从巴洛克到二十一世纪的色彩探索 本书旨在为音乐专业学生、作曲家以及对管弦乐队编制与音响有浓厚兴趣的音乐爱好者，提供一套全面而深入的现代管弦乐配器基础理论与实践指导。 本书跳脱出传统配器教材中对古典时期和浪漫主义晚期标准的过度依赖，聚焦于自印象主义（Impressionism）兴起，直至二十一世纪前沿实验性管弦乐法的发展脉络。我们相信，理解管弦乐队的“现在进行时”，是掌握其历史沿革的关键。 第一部分：管弦乐队的“新”音色光谱 (The New Timbral Spectrum) 第一章：革新的乐器家族视角 传统的配器教学往往将管乐器简单归类为木管组和铜管组。本书将采用一种更注重音色潜力和演奏技法差异的分类法。 木管组的扩展与边缘探索： 深入探讨传统四管（长笛、双簧管、单簧管、巴松管）在现代乐谱中的角色演变。重点分析次中音单簧管（Bass Clarinet）如何从低音支撑转变为具有独立叙事能力的色彩乐器；低音区长笛（Alto and Bass Flute）在营造朦胧、广阔音景中的应用；以及双簧管家族的特殊调性变体（如英国管的次级替代品）在特定音域的音色叠加效果。此外，对非标准口型和呼吸控制（如气流声、嘶哑音/Flutter-tonguing的精细控制）在德彪西、拉威尔之后的谱例进行拆解。 铜管组的密度与边缘： 传统上，铜管是力量的象征。本书则侧重于如何利用铜管的“弱”音区和“边缘”音色。详细分析圆号（French Horn）在弱奏时使用弱音器（Mute）后，与木管中高音区的交织方式，特别是如何模仿人声和弦乐的泛音。探讨长号（Trombone）在20世纪后半叶，尤其在序列音乐和极简主义作品中，如何通过滑管的微小移动来制造音高不稳定性和音色颗粒感。对低音大号（Tuba）在非和声支撑语境下，作为独立旋律声部或节奏驱动力的实例分析。 打击乐组的声学革命： 打击乐不再是仅仅是节奏的点缀。本章详述有音高打击乐（Pitched Percussion）（如马林巴、颤音琴、定音鼓）在二十世纪配器中的核心地位。重点解析无音高打击乐（Unpitched Percussion）的材料学转向——如何利用金属、玻璃、木材等不同密度材料制造具有特定反射和衰减特性的声音。将“噪声”（Noise）作为一种可控的配器元素，分析布列瑟宁（Varèse）和斯托克豪森（Stockhausen）的实践。 第二章：弦乐组的“非传统”纹理学 面对电子合成音色的冲击，弦乐组的作曲家们寻求将弓、指板和琴体本身转化为复杂的声学实验室。 弓法的微观管理： 深入研究弓在不同位置（靠近琴码/Ponticello、靠近指板/Tasto）所产生的谐波结构变化。着重分析“拉奏”（Col Legno Battuto/Tratto）在现代作品中如何从装饰性效果发展为主要的织体构建手段。 无指板技术（Harmonics and Artificial Harmonics）： 不再仅仅停留在自然泛音的教学，而是详细解析人工泛音（Artificial Harmonics）的音高计算与实际演奏的音准难度，以及如何用它们来创造透明、非物质感的音墙。 特殊发音技法： 探讨颤音（Tremolo）在速度上的极限运用（如Ligeti的微音组织），以及“噪音发声”（Sul Ponticello Tremolo）在营造紧张不安氛围中的作用。 第二部分：二十世纪的配器哲学与实践 (Philosophies of Orchestration) 第三章：印象主义的色彩叠加与透视法 (The Impressionistic Palette) 本章以德彪西和拉威尔的管弦乐经典作品为例，解析如何通过“音色叠加”而非“音高和声”来构建音乐的色彩层次。 声部交织的“非融合”： 探讨如何故意避免传统和声学中的“完美融合”，而是让不同乐器（如巴松管的低音、中提琴的旋律、长笛的装饰音）保持各自清晰的轮廓，如同印象派绘画中的笔触。 调性溶解与音高模糊： 分析如何利用全音阶、五声音阶，以及乐器自身的泛音序列来模糊调性中心，创造一种流动的、不易捕捉的听觉体验。 第四章：序列主义与音色对象的划分 (Serialism and Timbral Objectivity) 勋伯格（Schoenberg）的十二音体系向配器法提出了新的挑战：如果音高是预先确定的，那么音色是否也应被系统化？ 音色序列的概念： 阐释布列顿（Anton Webern）后期作品中，音色如何被视为一个可排列的参数，与音高、节奏、力度并驾齐驱。 点描主义（Pointillism）： 分析如何通过快速、不连续的乐器音响“点”来构建宏观的听觉图案，要求演奏者达到极高的同步精确度。 第五章：声部密度与空间感 (Density, Texture, and Spatial Awareness) 现代管弦乐越来越关注音乐在物理空间中的存在感。 微音组织（Micropolyphony）： 深入研究利盖蒂（Ligeti）作品中，大量声部如何以极小的音高差异相互作用，产生复杂的、类似声波干涉的“云雾”效果。本章提供必要的声学背景知识，帮助学生理解如何通过乐器数量和细微的音高偏差来“调谐”声音的密度。 空间化配器： 不仅关注乐谱上的左右声部分配，更关注乐器组的物理布局。分析如何利用舞台前后、左右的对置来强化声音的对白和穿透力。 第三部分：当代配器的拓展与边界 (Extensions and Frontiers) 第六章：电子与声学声音的融合 21世纪的管弦乐队作曲家无法忽视电子音乐的成就。本章讨论如何通过传统乐器模仿、对比或融合电子声学效果。 “拟电子”技术： 探讨如何使用木管的超高音域、铜管的刺耳噪音或弦乐的弓弦摩擦声，来模拟合成器中的锯齿波或白噪声。 实时处理与反馈： 介绍利用效果器（如延迟、混响、失真）来实时处理传统乐器声音的实践，并探讨作曲家在记谱中对这些外部干预的指示要求。 第七章：非标准记谱与演奏指示 当传统的五线谱和力度记号不足以描述所需的音响时，作曲家必须发明新的符号系统。 图表与图形记谱： 分析如何使用非传统的图表来指示密度的增减、声音的“膨胀”或“收缩”。 演奏者的能动性： 讨论“机会音乐”（Aleatoric Music）的配器挑战——如何在提供必要的结构框架的同时，允许演奏者在音高、节奏或力度上拥有选择权。 总结： 本书旨在训练读者将管弦乐队视为一个充满无限可能性的“声音工具箱”，而非仅仅是历史文献的再现。通过对二十世纪以来配器技法演变的系统梳理，使学习者能够自信地构建属于自己时代的声音世界。

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这本书的实用性超乎我的预期，它真正做到了“练习册”的本质。我过去在学习配器时，最大的困惑是如何将学到的知识快速转化为实际的创作能力。这本书通过一系列精心设计的、带有明确目标的练习，完美地解决了这个问题。它不会让你对着一堆空白的五线谱感到茫然无措。比如，它会要求你：“请为一段描述秋日黄昏的文字，配上一个包含弦乐四部、两个圆号和一个单簧管的短小乐章，要求营造出宁静而略带忧伤的色彩。” 这种具象化的要求，极大地激发了我的创作欲望，同时也让我知道自己的配器决策在实际听感中是否达到了预期效果。而且，书中还巧妙地引入了对“管弦乐配器历史演变”的考察，要求读者模仿特定时期（如巴洛克晚期或浪漫主义中期）的配器风格来完成任务。这种“角色扮演式”的学习方法，不仅趣味性十足，更重要的是帮助我构建起一套系统的历史审美框架，避免了盲目拼凑现代配器手法的误区。

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这本《管弦乐学习练习册》真是让我爱不释手，简直是音乐学子和业余爱好者的福音。从我翻开第一页开始，我就被它那种循序渐进的编排方式深深吸引住了。它不像那些枯燥的理论教科书，而是更像一位耐心且知识渊博的导师，一步步引导你走进管弦乐的奇妙世界。书中的练习设计得非常巧妙，每一个环节都紧密联系着实际的乐器组合和音色搭配。我特别喜欢那些需要自己动手分析和配器的练习，它们强迫我去深入思考作曲家是如何运用不同乐器组的特性来表达情感和描绘场景的。比如说，书中关于如何平衡铜管组和木管组音量差异的练习，让我对管弦乐配器的核心问题有了更直观的理解。不仅仅是理论的堆砌，它还包含了大量的实际案例分析，这些案例往往选取了古典音乐史上的经典片段，通过具体的乐谱片段进行讲解，使得那些抽象的配器原则变得触手可及。这种将理论与实践紧密结合的学习方式，极大地提高了我的学习效率，让我感觉每完成一个练习，我的耳朵和大脑都得到了一次高质量的“训练”。对于任何想要提升自己管弦乐鉴赏能力和配器技巧的人来说，这本书都是一个绝佳的起点。

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如果要用一个词来概括我的整体感受，那就是“系统性”和“前瞻性”。《管弦乐学习练习册》的深度和广度都令人印象深刻。它没有停留在对现有管弦乐团配置的描述上，而是鼓励读者去思考未来乐团的可能性。书中有一部分内容专门讨论了电子乐器与传统管弦乐的融合潜力，以及如何处理现代乐器（如萨克斯管族、打击乐器组的扩展）在传统交响乐中的地位问题。这种既尊重传统又拥抱创新的态度，让我感到这本书不仅是记录过去的辉煌，更是为未来的音乐家指明方向。此外，它对各个乐器声部内部的结构区分也极其细致，比如对提琴组中不同演奏技巧（如拨弦、颤弓、拉弦）的详细区分和应用场景分析，这些细节是许多大部头教材中也难以找到的。总而言之，这本书不仅教会了我“如何写”，更教会了我“为什么这样写”，以及“未来可以怎样写”，它无疑是我音乐书架上最常被翻阅的宝典之一。

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这本书的排版和设计感真的非常出色，看得出来编辑在细节上花了不少心思。我是一个对视觉呈现比较挑剔的人，很多音乐教材往往设计得非常单调沉闷，但《管弦乐学习练习册》却提供了一种既专业又富有启发性的阅读体验。图表清晰明了，乐谱示例选取得当，而且关键概念的解释部分都用不同的颜色或边框进行了突出处理，这使得在快速查阅和复习时非常方便。更让我惊喜的是，它似乎考虑到了不同学习阶段读者的需求。对于初学者，基础的和声学知识和乐器基础知识的介绍非常扎实，语言平实易懂；而对于已经有一定基础的学习者，书中也穿插了大量关于不同时期作曲家配器风格差异的探讨，这些深入的内容使得这本书的价值能够伴随我的整个学习过程，而不会很快“过时”。它不是那种读完一遍就束之高阁的参考书，更像是一本可以随时翻阅，总能从中发现新东西的工具书。我甚至会把它放在茶几上，偶尔翻阅一下那些精美的乐器图示，光是看看那些乐器家族的构成，都能激发我对交响乐团的无限遐想。

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我必须得说，这本书在讲解“音色管理”方面达到了一个非常高的水准。对于管弦乐配器而言，音色可能是最玄妙也最难掌握的要素。很多教材只是简单地罗列了每种乐器的音域和音量，但这本练习册却深入探讨了“混合音色”的艺术。例如，书中对于“弦乐与木管如何交织出富有层次感的织体”这一主题的论述，简直是大师级的指导。它不仅仅告诉你“把长笛放在小提琴上方”，而是告诉你这种叠加如何影响到听觉感知，以及在不同的力度（Dynamics）下，这种混合会产生何种变化。我记得有一个章节专门讨论了如何使用“弱音器（Mute）”来创造特定的氛围感，通过具体的配器范例，我清晰地听出了使用不同材质和安装方式的弱音器所带来的细微差别。这种对“声音质地”的关注，让我的配器思路从单纯的“堆砌乐器”转向了精雕细琢的“声音雕塑”。这对于那些渴望写出具有个人独特声响的作品的作曲家来说，是无价的财富。

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