具体描述
作为一部多次再版的古典与现代音乐教科书，罗杰·凯密恩的《听音乐》以其独特的角度为读者展现了音乐的魅力。
作者首先介绍了掌握音乐的一些基本乐理与技巧，并通过各时期具有代表性的作品对诸音乐要素加以解读。继而以第二至第六部分梳理了自中世纪至21世纪西方音乐史上各个时期斑斓的音乐风格。与一般音乐史作品不同，本书作者将特定时期的音乐风格特色与社会文化背景相结合。在对音乐家与社会之关系的解读中，西方历史上最伟大的音乐大师及其佳作一一闪耀登场。非西方音乐将在第七部分与读者见面，我们将在爵士乐、美国音乐剧和摇滚乐等20世纪音乐史的演变中，了解黑非洲音乐、印度古典音乐等非西方音乐对音乐史的独特贡献。
贯穿全书的“聆赏要点”与“声乐导聆”是本书最大的特色，配合本书专赠的CD，读者可通过对音乐的配器、力度、旋律变化、音响特质的说明以及对歌词内容的解读，达到真正的“理解”音乐。
作者简介
罗杰•凯密恩（Roger Kamien，1934— ），国际著名音乐教育家和钢琴演奏家，巴黎出生的美国人。普林斯顿大学音乐学博士。先后任教于亨特大学和纽约市立大学皇后学院。曾于1957-1959年以富布赖特学者身份在巴黎研究18世纪音乐，并于1983年担任耶路撒冷希伯来大学祖宾•梅塔音乐教授。曾师从二十世纪伟大的钢琴哲学大师克劳迪奥•阿劳（Claudio Arrau），并作为活跃的钢琴演奏家，受邀在全美和欧洲演出。他还是享有广泛声誉的《诺顿乐谱集》系列的编辑之一，并是《贝多芬论坛》、《音乐季刊》等杂志的主要撰稿人。本书是凯密恩教授的毕生杰作。
中文译介团队：
总召集人、著名钢琴演奏家陈美鸾女士为美国辛辛那提大学音乐学院演奏博士，曾师从海内外多位顶级演奏家，现任台北艺术大学音乐系教授；
审阅者王美珠女士为德国洪堡大学哲学博士，现任台北艺术大学音乐系与音乐学研究所教授。
三位译者均出身名校：洪崇焜，耶鲁大学作曲博士，台北艺术大学音乐系理论与作曲副教授；黄瑞芬，纽约朱丽娅音乐学院硕士，台北爱乐电台古典音乐节目主持人；杨湘玲，台湾大学音乐学研究所硕士，台北艺术大学音乐系博士。
目录信息
余志刚序 让音乐在生活中飞翔
前言
第一部分 要素
第一节 声音：音高、力度和音色
音高：声音的高低
力度
音色
聆赏要点、声乐导聆和声音的屙性
斯特拉文斯基，《火鸟》第二幕
聆赏要点
艾灵顿和他的爵士乐团，《C-Jam蓝调》
聆赏要点
第二节 表演的媒介：人声和乐器
人声
乐器
弦乐器
木管乐器
铜管乐器
打击乐器
键盘乐器
电子乐器
布里顿，《青少年管弦乐入门》
聆赏要点
第三节 节奏
拍点
节拍
重音和切分音
速度
第四节 记谱法
记录音高
记录节奏
记录无声安静（休止符）
记录拍子
总谱
第五节 旋律
第六节 和声
和谐与不和谐
三和弦
分解和弦（琶音）
肖邦，《e小调钢琴前奏曲》
展演观点：钢琴家罗杰·凯密恩演奏
肖邦e小调前奏曲
聆赏要点
第七节 调式
大调音阶
小调音阶
调号
半音阶
转调
主调
第八节 音乐织体
单声部音乐织体
复调音乐织体
主调音乐织体
改变织体
比才，《法郎多舞曲》
聆赏要点
第九节 乐曲形式
建立乐曲形式的技巧
反复
对比
变奏
乐曲形式的种类
三段式曲式：A B A
柴可夫斯基，《牧笛之舞》
聆赏要点
两段式曲式：A B
贝多芬，《第七号bE大调乡村舞曲》
聆赏要点
聆听乐曲形式
第十节 音乐风格
第二部分 中世纪与文艺复兴时期
第一节 中世纪音乐（450—1450）
格里高利圣歌
教会调式
《哈利路亚：我们看到他的荣耀》
声乐导聆
希尔德加德·凡·宾根，《继承者》
声乐导聆
中世纪世俗音乐
埃斯坦比
多声部音乐的发展：奥尔加农
巴黎圣母院乐派：有量节奏
14世纪音乐：法国的“新艺术”
马修
马修，《自从被你遗忘》
声乐导聆
《圣母弥撒曲》
展演观点：指挥家安得鲁·帕洛特指挥马修的《圣母弥撒曲》之羔羊颂
声乐导聆
第二节 文艺复兴时期的音乐（1450—1600）
文艺复兴时期音乐的特色
歌词与音乐
织体
节奏与旋律
文艺复兴时期的宗教音乐
德普瑞与文艺复兴时期经文歌
德普瑞，《万福玛利亚……圣母玛利亚》
声乐导聆
帕勒斯特利纳与文艺复兴时期弥撒曲
《教皇马尔塞鲁斯弥撒曲》
声乐导聆
文艺复兴时期的世俗音乐
声乐：文艺复兴时期的牧歌
威尔克斯，《当女灶神维斯塔下山时》
声乐导聆
器乐
帕萨梅佐舞曲与嘉拉德舞曲
第三部分 巴洛克时期
第一节 巴洛克音乐（1600—1750）
巴洛克音乐的特色
情绪的一致性
节奏
旋律
力度
织体
和弦与通奏低音
歌词与音乐
巴洛克乐团
巴洛克时期的乐曲形式
第二节 音乐在巴洛克时期的社会地位
第三节 大协奏曲与反复曲式
巴赫，《D大调勃兰登堡协奏曲》，第五号
聆赏要点
第四节 赋格曲
巴赫，《g小调管风琴赋格曲》
聆赏要点
第五节 歌剧的要素
第六节 巴洛克时期的歌剧
第七节 克劳迪·蒙特威尔第
《奥菲欧》
声乐导聆
第八节 亨利·普赛尔
固定低音
《获朵和埃涅阿斯》
声乐导聆
第九节 巴洛克奏鸣曲
柯雷利，《a小调第十号三重奏鸣曲》
第十节 安东尼·维瓦尔第
《春》
聆赏要点
展演观点；小提琴家兼指挥家珍妮
拉蒙演奏与指挥维瓦尔第的《春》协奏曲
第十一节 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫
巴赫的音乐
第十二节 巴洛克组曲
巴赫，《D大调第三号组曲》
第十三节 圣歌与教会康塔塔
教会康塔塔
巴赫：《醒来吧，一个声音在呼唤》
声乐导聆
声乐导聆
第十四节 清唱剧
第十五节 乔治·弗里德里克·亨德尔
亨德尔的音乐
《弥赛亚》
声乐导聆
声乐导聆
第四部分 古典时期
第一节 古典风格（1750—1820）
古典主义音乐的风格特色
情绪的对比
节奏
织体
旋律
力度与钢琴
通奏低音的消失
古典时期的管弦乐团
古典曲式
第二节 古典时期的作曲家、赞助者和群
众
维也纳
第三节 奏鸣曲式
呈示部
发展部
再现部
尾声
莫扎特，《g小调第40号交响曲》
聆赏要点
第四节 主题与变奏曲式
海顿，《G大调第94号交响曲》（惊愕）
聆赏要点
第五节 小步舞曲与中段
莫扎特，《小夜曲》
聆赏要点
第六节 回旋曲式
贝多芬，《c小调弦乐四重奏》
聆赏要点
第七节 古典交响曲
第八节 古典协奏曲
第九节 古典室内乐
第十节 约瑟夫·海顿
海顿的音乐
《bE大调小号协奏曲》
第十一节 沃夫冈·阿玛迪乌斯·莫扎特
莫扎特的音乐
《唐·璜》
声乐导聆
《g小调第40号交响曲》
《A大调第23号钢琴协奏曲》
聆赏要点
展演观点：钢琴家慕里·普莱亚演奏并指挥莫扎特A大调钢琴协奏曲，K.488第一乐章
第十二节 路德维希·凡·贝多芬
贝多芬的音乐
《c小调钢琴奏鸣曲》（悲怆）
《c小调第五交响曲》
聆赏要点
聆赏要点
第五部分 浪漫时期
第六部分 20世纪及其后
第七部分 非西方音乐
重要词汇
CD曲目
译后记
出版后记 弦犹在耳《听音乐》
· · · · · · (收起)
读后感
为什么突然想看这本书？ 还得从之前的另一本书 《How to read a book》说起， 在那本书里，作者说读一本经典传世之作（书）就像和充满智慧的思想家谈话。突然灵光一闪，那么，聆听（欣赏）一首曲子就像和感情充沛的艺术家交流。于是就找来这本书阅读，打算入门古典音乐。 其...
本来学费中包括了选修课的书本费 只可惜老师没有上报这本书 我们只好自己掏钱买了 粗略翻了一下 图文并茂 艺术果然是不分家的 有很多美术作品在面 作为专业音乐学院的学生我发现身边有很多同学并不是十分热爱古典音乐，基本的理论知识也不够全面 。 这本书不仅...
为什么突然想看这本书？ 还得从之前的另一本书 《How to read a book》说起， 在那本书里，作者说读一本经典传世之作（书）就像和充满智慧的思想家谈话。突然灵光一闪，那么，聆听（欣赏）一首曲子就像和感情充沛的艺术家交流。于是就找来这本书阅读，打算入门古典音乐。 其...
用户评价
读完这本书，我最大的收获不是记住了多少音乐家的名字，而是建立起了一套属于自己的“音乐雷达系统”。以前听音乐，更多是凭感觉，好听就点赞，不好听就划走，缺乏一个可以量化和分析的参照系。这本书提供了一种有效的分析框架，它教会了我如何从“结构”、“织体”、“音色”等多个维度去解剖一首作品。比如，当我再次聆听一首奏鸣曲时，我不再只关注主旋律是否动听，而是会下意识地去分辨呈示部、发展部和再现部的布局，去体会不同声部之间的对话与张力。这种分析能力，极大地提升了我对音乐的欣赏深度，让我从一个被动的接收者，转变成了一个主动的解码者。它不仅仅是一本教科书，更像是一套音乐聆听的“操作手册”，它把那些被认为高不可攀的音乐欣赏能力，通过系统化的训练，变得人人可及。这种由内而外的变化，让我对未来所有的音乐探索都充满了信心和期待，这本书的价值远超其标价，是一笔值得所有音乐爱好者进行的长期投资。
这本书简直是为我量身定做的！我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但总感觉自己像是站在一个巨大的音乐殿堂门外，摸不着头绪。直到我翻开这本《听音乐（插图第6版）》，那种豁然开朗的感觉，真是妙不可言。它的内容编排得极其人性化，完全不像那种高高在上的学术著作，更像是老朋友在耐心地为你讲解一个个音乐世界里的奇妙构造。我特别欣赏它在介绍古典音乐时所采用的叙事手法，它没有生硬地堆砌那些晦涩的术语，而是将巴赫、莫扎特、贝多芬这些音乐巨匠的生平和他们的创作背景紧密地结合起来，让我仿佛能亲身感受到那个时代的氛围和他们创作时的心境。书中的插图更是点睛之笔，那些乐器构造图、乐谱片段的放大解析，让抽象的听觉体验转化为了直观的视觉信息，我甚至能想象出不同乐器在交响乐团中是如何各司其职，共同织就出那波澜壮阔的音响画卷。尤其是关于不同音乐时期风格演变的论述，清晰而富有逻辑，从巴洛克时期的繁复精致到浪漫主义时期的激情奔放，过渡得自然流畅，让我这个“业余爱好者”也能轻松地跟上作者的思路，不再觉得音乐史是一条难以逾越的鸿沟。这本书真正做到了将高雅的艺术普及化，激发了我深入探索音乐世界的渴望，我几乎是迫不及待地想去聆听那些书中所提及的经典作品，用耳朵去印证书本上的文字描述。
作为一名对现代音乐更有偏好的听众，我原本担心这本书会过于侧重传统古典乐章而忽略了近现代的音乐发展。令人惊喜的是，第六版的更新内容在这方面做得相当出色。它并没有敷衍地提上几句爵士乐或摇滚乐，而是用相当大的篇幅，详细剖析了二十世纪以来音乐语汇的爆炸性变化。作者对德彪西的印象派音乐、勋伯格的十二音体系，乃至于后来的极简主义和电子音乐，都有着精准且富有洞察力的解读。我特别对其中关于“噪音与音乐边界”的探讨印象深刻，它挑战了我过去对什么是“悦耳”的僵化认知。书中对这些创新流派的介绍，没有采取批判或排斥的态度，而是以一种开放和理解的姿态，去分析这些音乐家是如何打破既有规则，拓展听觉的边界。这种对音乐发展历程的全面性记录，让我意识到音乐艺术本身就是一个不断自我革新、永不停歇的探索过程。对于想要理解当代音乐语境的读者来说，这本书提供的历史纵深感和理论支撑是无可替代的。它让我明白了，那些看似“怪异”的现代音乐，其实都深深根植于对传统音乐的反思和突破之中。
说实话，我对音乐理论的学习一直持有一种敬而远之的态度，总觉得那些五线谱和和声学枯燥得让人昏昏欲睡。然而，这本《听音乐（插图第6版）》彻底颠覆了我的固有印象。它的讲解方式，与其说是“教学”，不如说是“引导”，作者像一个经验丰富的向导，带着你一步步深入音乐的腹地，却始终保证你不会迷路。我尤其喜欢它处理节奏和旋律部分的方式，它没有直接抛出复杂的数学公式，而是通过一些生活化的例子，比如走路的步频、日常对话的抑扬顿挫，来类比和解释节奏的构成。这使得原本抽象的节拍概念变得触手可及。更绝的是，书中对于不同文化背景下的音乐特点也进行了细致的对比分析，这极大地拓宽了我的音乐视野。我过去常常陷入欧美古典音乐的单一审美中，这本书让我看到了东方音乐的含蓄内敛与非洲音乐的原始生命力，意识到“好音乐”的定义远比我想象的要广阔得多。书中的互动元素设计得也十分巧妙，虽然是纸质书，但作者引导读者去检索和聆听配套的音频示例，这种“读听结合”的方式，极大地增强了学习的主动性和趣味性，让枯燥的理论学习过程充满了探索的乐趣。
这本书的装帧和印刷质量也值得称赞。要知道，涉及到大量的乐谱和色彩鲜明的乐器插图，对纸张和印刷工艺的要求是非常高的。幸运的是，这本《听音乐（插图第6版）》在这方面交出了一份令人满意的答卷。纸张的质感厚实，即使用荧光笔做了标记，也不会透墨，这对于需要反复查阅和做笔记的读者来说非常重要。那些乐器的特写照片，清晰度极高，无论是小提琴的指板细节，还是管风琴复杂的机械结构，都展现得淋漓尽致，这对于学习乐器构造的读者简直是福音。更别提那些乐谱的排版，字体大小适中，行距合理，即便是对视力不太好的人来说，长时间阅读也不会感到疲劳。这种对细节的精雕细琢，体现了出版方对知识传播的尊重。很多音乐书籍因为成本考量，往往在插图和印刷上偷工减料，导致内容再好，阅读体验也大打折扣，但这本书在这方面的投入，无疑提升了整体的学习效率和阅读的愉悦感，让人愿意一页一页地翻下去，沉浸其中。
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涨姿势...美国教材总有一种"我一定要教会你"的诚恳态度...
我开始系统的了解古典音乐，是从大学开始的，虽然以前家里就有不少古典音乐的磁带。先是挑版本比较好的巴赫、莫扎特、贝多芬CD，等这几位的代表作听的差不多，开始随便买，当买到一定程度后，开始准备看系统的教程，了解自己在古典音乐的地图上到底去了哪里——和我看名著是一样的。这本教材我看了一多半才注意作者，果然是美国人。和美国人写的文学史一个德行，就是突出美国。巴赫、莫扎特、贝多芬、舒伯特这样的巨人所占的篇幅不够多，到了二十世纪几乎就是美国的天下，甚至讲到摇滚乐，连“甲壳虫”都能几笔带过——和我看的美国人的文学史一个德行。这本书的好处就是本身附带CD，虽然里面的音乐大多残缺不全，贝多芬的《第五交响曲》依然是全本，可见其地位——虽然我最喜欢《第七交响曲》
