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出版者:國家

作者:李惠綿

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008

价格:700NT

装帧:平裝

isbn号码:9789573610977

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《戏苑奇谈》 序章：古韵新声 时光荏苒，戏曲艺术如同一条蜿蜒的长河，承载着千年的故事与情感，流淌至今。然而，在这个日新月异的时代，古老的戏曲是否还能找寻到属于它的新篇章？《戏苑奇谈》并非一本探讨戏曲理论的学术专著，也非一次对经典剧目繁复的梳理。它是一场跨越时空的对话，一次对舞台背后那些鲜活生命和创作心血的深情回溯。本书致力于揭示戏曲这门古老艺术在当代社会中的脉动，那些不曾被宏大叙事所涵盖的，却同样熠熠生辉的角落。 第一章：当演员褪去妆容 在浓墨重彩的舞台之外，扮演着风华绝代旦角、义薄云天武生的演员们，亦是血肉之躯，有着属于自己的喜怒哀乐。本书将带您走进几位不同行当、不同年龄的戏曲演员的真实生活。他们如何从稚嫩的学徒成长为独当一面的角儿？在日复一日的练功、唱念做打中，他们如何感受身体的极限与潜能？那些在台上一闪而过的眼神、一个深情的唱腔，背后又凝聚着怎样的汗水与思考？ 我们不会聚焦于明星式的光环，而是深入到排练厅里，捕捉那份纯粹的执着。您将听到他们讲述年少时因热爱而踏入戏曲行当的初心，体味到为了一个眼神、一个身段反复打磨的艰辛，感受到在一次次演出成功后的欣慰，以及面对瓶颈时的迷茫与挣扎。或许，一位老生演员会分享他如何从前辈那里传承一招一式，将历史的厚重融入到每一个动作中；一位青年旦角会诉说她如何在传统唱腔的基础上，尝试注入现代的情感表达，让经典人物焕发新的生命力。这些鲜活的个体故事，构成了戏曲艺术最真实、最动人的底色。 第二章：舞台的另一面——幕后探秘 掌声雷动，灯光璀璨，观众席上的欢呼声如同潮水般涌来。然而，在幕布的另一端，一场无声却同样激烈的战斗正在进行。本书将带领读者深入到戏曲演出的幕后，探寻那些鲜为人知的细节。 一位经验丰富的灯光师，如何凭借对手中灯光的精准操控，营造出或悲壮、或缠绵、或激昂的舞台氛围？一位巧手妙心的服装师，如何从历史的图卷中汲取灵感，结合人物的性格和时代背景，为每一个角色量身定做独一无二的戏服？一位默默无闻的道具师，如何在有限的条件下，用最普通的材料制作出能承载万千气象的道具？一位细致入微的化妆师，如何通过脸上的一抹红、一根眉，将人物的命运与情感跃然纸上？ 我们还会走近作曲家和编剧，了解他们是如何在传统音乐的骨架上，填充富有时代感的旋律，又如何将现代的叙事方式巧妙地融入到传统戏曲的结构之中。本书将展现，每一个精彩的剧目，都离不开幕后团队的无数个日夜的付出与协作，他们是戏曲艺术不可或缺的坚实后盾。 第三章：当传统遇见潮流——创新与融合的探索 在时代浪潮的冲击下，戏曲这门古老的艺术如何保持活力？《戏苑奇谈》将聚焦那些勇于创新的戏曲人，记录他们如何在坚守传统的基础上，进行大胆的尝试和探索。 您会了解到，有剧团如何将现代科技，如投影技术、多媒体互动，融入到传统剧目的改编中，为观众带来全新的视听体验，却又不失传统戏曲的韵味。有导演如何挑战经典剧本的解读方式，赋予老故事新的时代解读，引发观众的深刻思考。有作曲家如何在保持传统戏曲唱腔旋律的基础上，加入现代音乐元素，吸引更广泛的年轻观众。 本书将呈现不同流派戏曲在创新上的不同路径。例如，京剧的“京胡新韵”，昆曲的“时装改编”，越剧的“现代题材”，以及地方戏曲如何结合当地文化特色，创造出独具魅力的艺术形式。我们不会评判这些创新的优劣，而是呈现这些探索背后的理念、遇到的困难以及获得的启示。这些创新不仅是对艺术形式的突破，更是对戏曲生命力的一次次延展。 第四章：观众的眼睛——戏曲的当代回响 戏曲的生命力，离不开观众的共鸣与传承。《戏苑奇谈》将目光投向当代的观演关系，探讨戏曲在不同年龄、不同背景的观众群体中激起的涟漪。 您将读到年轻一代观众如何通过新媒体平台，如短视频、播客，接触和喜爱上戏曲，他们是如何从最初的好奇，到深入了解，甚至成为戏曲的忠实拥趸。我们也会采访一些资深戏迷，听他们讲述自己与戏曲的不解之缘，他们是如何从孩童时期的耳濡目染，到一生钟情，以及他们对于戏曲传承的看法与期许。 本书还将关注戏曲教育在当代社会的角色，从校园里的戏曲社团，到各类艺术培训机构，戏曲的种子是如何被播撒，又如何在新一代心中生根发芽。我们还会探讨，在信息爆炸的时代，戏曲如何突破“小众”的标签，走进更广阔的社会空间，赢得更多人的关注与喜爱。这些故事，都证明着戏曲艺术并非只属于过去，它依然有着鲜活的生命力，并将在当代社会找到属于它的独特位置。 第五章：传承的温度——师徒情深与行会记忆 戏曲的传承，是师徒之间口传心授的温度，是行会之间约定俗成的默契。《戏苑奇谈》将深入探讨戏曲传承的内在机制，以及其中蕴含的人情与故事。 本书将记录几对师徒的深厚情谊。老师傅如何在有限的年华里，将毕生所学倾囊相授，不仅仅是技巧，更是对艺术的理解和对人生的感悟。年轻学子又如何在敬畏与好奇中，一点点领悟戏曲的精髓，并逐渐找到属于自己的艺术道路。这些师徒故事，往往比任何理论都更能触动人心，它们展现了戏曲传承中那份代代相传的情感纽带。 同时，我们也将触及戏曲行会的一些记忆。在过去，行会扮演着怎样的角色？它们如何维护行业的秩序，如何保障艺人的生计，又如何在潜移默化中塑造着戏曲的风格？这些关于行会的故事，或许会勾勒出一种不同于现代商业社会的生存法则，一种更注重技艺、人情与江湖义气的生态。 终章：戏曲的未来，未完待续 《戏苑奇谈》并非为戏曲的未来下定论，而是呈现了它在当代社会中，正在发生的种种可能。本书希望通过这些鲜活的故事，让读者看到戏曲这门古老艺术的坚韧生命力，感受到那些为之付出心血的人们的执着与热爱。 戏曲，这棵古老而常青的艺术之树，正以它独特的方式，在新时代的土壤中汲取养分，努力生长。它的未来，或许会更加多元，更加包容，更加令人期待。而这本书，正是对这份“未完待续”的艺术旅程的一次真诚的注视与记录。它邀请您一同走进戏曲的世界，去感受那份穿越时空的魅力，去聆听那些属于它的，正在被重新演绎的，动人乐章。

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这本书的视角非常独特，它几乎避开了主流的评论圈子，而是从“观众席”的角度，构建了一套全新的戏曲接受美学理论。作者的核心观点是，在信息爆炸的今天，戏曲的“仪式感”正在被解构，但这种解构恰恰为新观众提供了重新理解和接纳的契机。书中大量的篇幅都在探讨如何培养“新一代的戏迷”，并提出了一些大胆的策略，比如鼓励观众在观看时使用增强现实（AR）设备来实时获取角色背景信息，或者设计互动式的中场休息环节，让观众有机会与后台人员进行近距离交流。这部分内容读起来非常令人振奋，因为它充满了对未来的乐观和积极的探索精神。我感觉作者不是在“拯救”戏曲，而是在“解放”戏曲，让它摆脱历史的包袱，以更轻盈的姿态与当代生活对话。这种强调“体验式消费”和“参与式艺术”的论述，让这本书充满了活力，读完后立刻激发了我想去剧场购票的冲动。

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翻开这本大部头，我立刻被它那种近乎学院派的严谨和磅礴的气势所震撼。它与其说是一本介绍戏曲的书，不如说是一部戏曲文化人类学的田野考察报告集锦。作者显然是下了苦功的，他没有满足于对主流剧种的梳理，而是将焦点投向了那些正在边缘化、甚至行将消亡的“活化石”剧种。书中有大量关于西南山区某个小剧种的口述历史记录，包括那些年迈艺人对简陋舞台的记忆、观众群体的变迁，甚至是对手抄剧本上模糊批注的细致解读。这种深入到生活肌理的挖掘，使得文字充满了泥土的芬芳和历史的厚重感。尤其有一段描写，讲到一位老艺人如何在物资匮乏的年代，用家里的旧家具来替代复杂的舞台装置，但其表演的“精气神”却从未减损。这段文字读来，让人不禁掩卷长思，艺术的生命力究竟是依赖于外在的物质条件，还是根植于表演者内心的那团火？全书的引证资料详实到令人发指，参考文献列表几乎可以独立成册，这充分体现了作者对学术规范的尊重，也为我们这些非专业读者提供了极佳的深度拓展路径。

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我必须承认，这本书的某些章节对我的认知形成了一种“冲击波”。它以一种近乎解剖学的精确度，剖析了戏曲表演中那些被视作“天经地义”的程式化规范，并追溯了这些规范在历史演变中的偶然性和社会性根源。作者在书中引入了大量的西方符号学和结构主义的分析工具，将戏曲的“做、念、做、打”拆解成了最小的意义单位，分析它们是如何在特定历史阶段被赋予集体潜意识的含义的。特别是关于“脸谱”那一章，它不再仅仅是色彩的象征，而是被视为一种极简主义的、高度浓缩的身份编码系统。这种跨学科的审视，使得全书的理论深度达到了一个令人难以企及的高度。虽然有些地方的逻辑链条略显繁复，需要反复阅读才能完全消化，但最终的回报是巨大的——它彻底重塑了我对艺术形式的结构性理解。这本书无疑是为那些渴望超越表层欣赏，深入到艺术内核进行思考的深度学习者准备的珍贵文本。

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这部名为《戲曲新視野》的书籍，我一口气读完了，感觉像是走进了一个色彩斑斓、声韵悠扬的奇幻世界。首先映入眼帘的，是作者对于传统戏曲元素那种近乎于虔诚的尊重，但这种尊重绝非僵硬的复古，而是带着一种极具穿透力的现代性思辨。书中大量篇幅聚焦于当代剧团如何在新媒体技术介入后，对舞台空间、灯光设计乃至演员表演方式进行颠覆性的重构。比如，书中详细分析了某先锋剧团如何利用全息投影技术再现已故名家的经典唱腔，并探讨了这种“数字幽灵”的出现，对观众情感代入和对艺术本体的认知产生了何种微妙的冲击。作者的笔触细腻入微，对于那种介于“致敬”与“僭越”之间的模糊地带，进行了深刻的哲学剖析。我特别欣赏其中关于“非物质性遗产的数字化保存与活化”的章节，它不仅仅停留在技术层面，更探讨了当戏曲的“气韵”——那种难以言喻的现场感和即时性——在屏幕前被固化和复制时，我们到底失去了什么，又获得了什么。全书的论述结构如同精妙的板眼组合，层层递进，引人深思，让人对这门古老艺术的未来充满了既敬畏又期待的复杂情感。

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坦白讲，我最初是抱着一种猎奇的心态来阅读《戲曲新視野》的，期待看到一些耸人听闻的“内幕故事”，但这本书给予我的，却是一种截然不同的、更加沉静的审美体验。它仿佛是一面巨大的镜子，映照出我们当代社会对“传统”这一概念的集体焦虑与误解。书中一个非常巧妙的结构设计，是将不同时代的作品进行“平行对读”，比如将清末的某一出悲剧，与二十一世纪初的某部现代京剧进行对照分析。作者通过对比两者的叙事节奏、人物动机和审美取向，有力地证明了戏曲艺术对时代精神的敏感捕捉能力，它从未真正停滞不前。我特别喜欢作者在评论中使用的那种充满画面感的语言，比如形容某个身段时，说它如同“时间在肢体上雕刻出的琥珀纹理”。这种富有诗意的表达，极大地降低了学术讨论的门槛，让普通读者也能轻松进入到对美学形式的探讨之中。它成功地将枯燥的理论分析，转化为一场充满张力的审美对话。

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